Caprice Architectural Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Le tableau représente Clélia traversant le Tibre. Clélia était une héroïne romaine, qui a été donnée en otage, avec d'autres filles, au roi étrusque Porsenna lors des négociations de paix avec la ville ; il réussit cependant à s'échapper en traversant le Tibre à la nage. Porsenna demanda aux Romains de le rendre, qui acceptèrent, mais admiré par son héroïsme, il décida de la libérer en lui permettant d'emmener avec elle d'autres prisonniers, que Clélia choisit parmi les plus jeunes. Le moment de la représentation est précisément celui de la traversée du fleuve, dont il y a la personnification au premier plan à droite, avec un vieil homme aux cheveux gris, accompagné d'une jeune femme avec une corne d'abondance. La scène est très dynamique, avec Clélia et les autres filles qui forment un groupe important et vivant, avec le cheval monté par le protagoniste, comme le rappellent certaines versions de l'histoire ; derrière eux les tentes du camp du roi étrusque avec quelques soldats. De l'autre côté de la rivière, il y a un autre groupe de femmes, la traversée déjà terminée, tandis qu'en arrière-plan, vous pouvez voir l'étendue avec la ville du Capitole au visage classique. L'œuvre, comme en témoigne un petit rouleau, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut émettre des hypothèses sur l'étendue de l'activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une « Madeleine convertie » et une « Annonciation », mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par la savante Federica Nurchis et placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Ces peintures présentent un chromatisme chaleureux et raffiné qui, associé à l'élégance des personnages et à la modalité de composition, suggère un séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. Présenté dans un cadre doré du 17ème siècle, restauré et rentoilé.

Le modèle dérive d'une gravure de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël, spécialement réalisé pour le travail graphique, dérivant d'un tableau placé dans la Stanza della Segnatura (1513-1515). Ce modèle fut repris et modifié par Hans von Aachen dans une toile datée de 1588 et aujourd'hui conservée au Musée de la Chartreuse de Douai, reprise à son tour dans une gravure de l'année suivante par Raphaël Sadeler, dans le Cabinet des Dessins et Estampes de l' « Académie de Bergame Carrara. La toile en question est dérivée de cette dernière version, qui reprend les mêmes modifications apportées par rapport à l'original raphaelesque. Au centre de la scène, qui se déroule immergée dans un paysage naturel, se trouvent les trois déesses qui se disputaient le titre de la plus belle : Junon avec le paon, son animal symbolique, Vénus accompagnée de Cupidon et Minerve à côté de laquelle se trouvent les casque, lance et bouclier. Paris, de dos, remet la pomme d'or qui décerne vainqueur à la déesse de l'amour, sous le regard du juge Mercure. Deux angelots virevoltent autour des protagonistes, tandis qu'au premier plan, toujours de dos, figure un personnage masculin. Un pensionnat de campagne prend place sur la pelouse arrière. L'œuvre, comme en témoigne un petit rouleau, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais pour qui il est possible d'émettre des hypothèses sur l'étendue de son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par la savante Federica Nurchis et placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Ces peintures présentent un chromatisme chaleureux et raffiné qui, associé à l'élégance des personnages et à la modalité de composition, suggère un séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. Présenté dans un cadre doré du 17ème siècle, restauré et rentoilé.

Huile sur toile. École émilienne. La grande peinture dérive du mélange d'une œuvre de Guido Reni (1575-1642), « Vierge Marie à l'école de couture », perdu mais connu pour des copies d'atelier et de gravures, et une autre version, restées inachevées. Par Reni lui - même et complétée par Gianandrea Sirani (1610-1670), aujourd'hui conservé au Musée de l' Ermitage à Saint - Pétersbourg: l'historien de l' art Massimo Pulini a bien écrit au sujet de cette deuxième version et les travaux de finition par Sirani, à l' article « peintre Gianandrea Sirani de récitatifs et de finition d'inachevé Reniani " L'œuvre présentée ici fait référence à la version de Sirani dans la composition occupant toute la scène des figures féminines participant à l'école, à laquelle s'ajoute le petit chien en bas (cependant, déplacé de gauche à droite), tandis que la version de Reni se réfère essentiellement à la présence sur le droit de la jeune fille accompagnée de sa mère. De plus, un élément absolument nouveau apparaît dans cette œuvre, qui fait de cette toile une version supplémentaire: la présence du paysage s'ouvrant en arrière-plan au centre, encadré entre les deux lourds rideaux. L'œuvre a été restaurée et regarnie. Il est présenté dans un cadre du 18ème siècle, restauré et adapté.

Jésus Devant Caïfa

Huile sur toile. Le tableau reprend l'œuvre du maître hollandais Gerrit Van Honthorst, créé en 1617 et aujourd'hui conservé à la National Gallery de Londres. Néerlandais de naissance, van Honthorst arrive à Rome peu après la mort du Caravage, dont il assimile le style, ce qui lui vaut le surnom de "Gherardo delle Notti". A Rome, l'artiste a été accueilli par la famille Giustiniani, qui a commandé l'œuvre pour sa collection privée, où elle est restée jusqu'en 1804. D'abord apportée à Paris dans la collection Bonaparte, après de nouveaux changements de propriétaire, elle est finalement arrivée à Londres en 1922. Le tableau raconte l'épisode dramatique de la rencontre entre le prêtre Caïphe et Jésus, lors de son La passion. Toute la partie supérieure est occupée par l'obscurité : le vide, le néant, concentrent l'attention sur les deux protagonistes et sur le drame qui se déroule. La scène est très statique, presque figée dans un moment précis, l'acte accusateur du prêtre contre le Christ, soulignant l'intensité du drame intérieur profondément douloureux. Dans la scène, Caïphe est à gauche, assis à la table sur laquelle est posé le livre de la loi juive, et lève le doigt d'un ton accusateur ; Jésus est à droite, debout, les mains liées, dans une attitude humble. Au centre une bougie, seule source de lumière, qui fait le lien entre le visage de Caïphe et celui de Jésus, qui se rencontrent dans un jeu de regards selon une ligne diagonale, et dont la lumière artificielle souligne impitoyablement l'expressivité, Contraste grotesque et colérique celui du prêtre, souffrant, mais lumineux et posé celui du Christ. En arrière-plan, derrière les deux protagonistes, se trouvent les figures d'autres grands prêtres. Ils ne sont que des ombres dans l'obscurité, en attente de jugement et leurs visages sont plongés dans l'obscurité qui augmente la tension. L'empreinte caravagesque se perçoit clairement dans le contraste des lumières et des ombres, dans l'intensité des regards. La toile proposée ici, environ la moitié de la taille de l'original, mais fidèle dans ses formes stylistiques et interprétatives, a probablement été commandée dans des formats plus petits par ceux qui avaient apprécié l'original au Palazzo Giustiniani. Il a été restauré et regarni au XIXe siècle. Certains noms sont écrits au dos, indiquant la propriété. Cadre en style.

Huile sur toile. La Madone avec l'Enfant dans ses bras est représentée assise sur les nuages, tandis que deux anges placent la couronne sur sa tête, symbole de la royauté ; Marie tient dans une main une corbeille, qui descend vers le bas, où quelques pénitentes invoquent son aide : c'est probablement le symbole de l'intercession de Marie aux supplications des hommes. L'oeuvre montre des signes de restauration et de rentoilage.

Huile sur toile. En haut à droite figurent le nom de l'homme représenté et son âge, 78 ans. L'habit de l'homme et l'attitude de prière, devant le Crucifix, le livre de méditation à la main, l'identifient comme prélat. Le patronyme Albertoni est largement répandu en Italie, dans diverses familles qui sont parties de la Lombardie pour s'étendre à Parme puis à Rome. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. XVIIIème siècle. Les deux paysages disposés le long de la côte maritime, sont remplis par les nombreux bateaux amarrés, parmi lesquels on peut voir à la fois des galions de guerre et des bateaux de pêche, et sont animés par de nombreuses figurines engagées dans leurs activités maritimes. Dans l'un des deux se détachent sur la droite les ruines d'un petit château. Ces peintures font partie d'une importante production paysagère diffusée au XVIIIe siècle, qui aimait à insérer des ruines et des vestiges d'une époque révolue, notamment classique, dans des paysages et des aperçus de la vie actuelle; le genre pictural du capriccio architectural a voulu proposer un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel car archaïque, désuet, et la pauvreté et la simplicité du présent contrastent avec l'opulence de the vestiges of the past. Restaurés et rentoilés, les deux tableaux sont présentés dans des cadres contemporains en bois sculpté et doré.

Peinture à l'huile sur toile. XVIIIème siècle. Les deux tableaux proposent des vues dominées par d'imposantes ruines architecturales animées par des personnages populaires ; dans l'un, situé près d'un port de mer, un obélisque se dresse au centre, qui se dresse parallèlement aux mâts des bateaux derrière lui et à la colonne avec la statue d'un chevalier à droite ; dans l'autre tableau, les vestiges imposants d'un palais classique en ruine dominent le doux paysage fluvial. Les deux tableaux font partie d'une grande production du XVIIIe siècle répartie surtout dans la région de la Vénétie, qui proposait un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel parce qu'archaïque, dépassé et poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Les tableaux, restaurés et rentoilés, sont présentés dans des cadres contemporains en bois sculpté et doré.

Peinture à l'huile sur toile. XVIIIème siècle. La scène, animée par de nombreuses figurines de voyageurs et roturiers. il est dominé dans le demi-champ gauche par l'importante structure architecturale d'un ancien palais classique, en ruine mais toujours imposant ; à droite, un vaste paysage traversé par un ruisseau. La peinture fait partie de cette grande production de ce sujet pictural qui s'est répandu au XVIIIe siècle en particulier dans la région de la Vénétie, qui proposait un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel car archaïque , outdated, and the poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre contemporain en bois sculpté et doré.