Paire de Sujets Mythologiques H. sur Toile Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Le déjeuner des Fraticelli

Huile sur toile. Ecole génoise du XVIIIe siècle. A l'intérieur d'une grande salle aux fenêtres cintrées ouvrant sur la rue, un groupe de frères assis par terre partage un repas simple, posé sur un drap blanc. La scène fait référence à la sphère d'Alessandro Magnasco dit Lissandrino (1667 -1749), un artiste génois considéré comme l'un des peintres les plus originaux du XVIIIe siècle italien, qui se distingua dans la peinture de genre populaire et, en particulier, dans la production de des scènes de la vie des frères capucins ou camaldules engagés dans les activités les plus variées, d'étudier dans la bibliothèque de la confession, du travail des affûteurs ou des charpentiers dans les ateliers du couvent au simple souvenir autour du feu: dans ces œuvres que vous pouvez apprécier tout la liberté d' expression de pinceau de l'artiste. se déplace sur la toile avec des touches rapides pour décrire des flammes, des cheminées, des chats, des livres, des chiens, pauvres bols, des verres, des livres, des pauvres vêtements rapiécés, des chaises et des tabourets, bref, un monde quotidien tout des gestes et des choses construites avec une technique très particulière et unique, faite d'un mélange de couleurs vives et presque tous joué sur monochrome, sur lequel quelques coups, habiles de lumière descendent pour donner forme et Consis tence aux figures osseuses des moines. L'auteur de l'œuvre proposée ici a certainement été formé dans la région de Magnasco et s'est inspiré de son style, bien qu'il soit plus posé, sans les éclairs et la liberté d'interprétation, souvent irrévérencieuse ou ironique, envers les figures des frères ; il a su reprendre le jeu des clairs-obscurs, des lumières et des ombres, qui découlent d'un monochrome aux nuances de bruns, créant toujours une œuvre d'une excellente qualité picturale. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.