Tableau Ancien Sujet Sacré Huile sur Toile Italie XVII Siècle

Huile sur toile. La scène représente un épisode du roman du XVIIe siècle « Les Aventures de Télémaque » de François Fénelon, publié en 1699. Dans ce récit, Télémaque (fils d'Ulysse), à ​​la recherche de son père accompagné de Mentor (qui se déguise en déesse Athéna), fait naufrage sur l'île de Calypso et tombe amoureux d'une nymphe. Pour empêcher Télémaque de quitter l'île et d'abandonner la jeune fille, la déesse Calypso, qui les a recueillis, ordonne à ses nymphes d'incendier le navire sur lequel Télémaque et Mentor sont arrivés. Sur le tableau présenté, au premier plan à gauche, Mentor exhorte le jeune Télémaque à se détourner, tandis que celui-ci contemple encore la jeune fille debout sur le chemin à droite ; pendant ce temps, les autres nymphes mettent le feu à l'embarcation échouée sur le rivage avec leurs torches. La toile, rentoilée antérieurement, présente plusieurs manques de peinture. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe siècle. L'iconographie reconnaît ce personnage comme le saint ermite Onuphre, qui vécut en anachorète dans le désert égyptien au IVe siècle. Il est représenté ici dans un décor rocheux et désolé (typique des peintures célébrant le thème de la pénitence et de l'ascétisme), traditionnellement comme un vieil homme à la longue barbe et aux cheveux blancs, presque entièrement nu (couvert seulement d'un pagne de feuilles), agenouillé, les mains jointes en prière ou dans un geste de profonde imploration, un chapelet accroché à son bras, une croix et un livre ouvert (une Bible) posé sur le rocher à côté de lui – symboles de prière et de méditation. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien remis en place.

Huile sur toile. École lombarde-vénitienne, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Au premier plan, un paysan est représenté à mi-corps, portant une houe sur l'épaule. La figure se caractérise par une minutie remarquable, des rides du visage à la saleté des mains, des vêtements en lambeaux à la rugosité de la houe. Le style de la peinture rappelle celui de Pietro Bellotti, qui a introduit des figures similaires dans ses portraits. Le tableau a été restauré et rentoilé. Encadrement d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIIe siècle. Grande scène de chasse au sanglier, avec chevaliers, serviteurs et chiens dispersés dans la campagne boisée. On remarque, au premier plan à gauche, un assistant maure retenant un chien et portant un fusil sur l'épaule. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien d'époque.

Huile sur panneau. École d'Europe du Nord, XVIIIe siècle. La scène, disposée horizontalement, représente le mythe d'Orphée, fils d'Apollon, qui reçut de son père une lyre grâce à laquelle il apprivoisa les animaux sauvages, déplaça les rochers et courba les arbres. Ce récit, connu grâce aux Géorgiques de Virgile et aux Métamorphoses d'Ovide, est un symbole du pouvoir civilisateur de l'art et un sujet récurrent dans l'art européen. Orphée est représenté au centre, assis sur un rocher parmi les arbres, jouant de la lyre. De part et d'autre, de nombreux animaux de races diverses s'approchent de lui, venus de milieux naturels proches et lointains, parmi lesquels des animaux exotiques (un elfe, des lions, un lama, etc.), et, sur le bord droit, une créature fantastique : la licorne. À l'arrière-plan, un cours d'eau bordé d'une ville ; à gauche, sur une colline, un petit temple, probablement dédié au dieu Apollon. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré d'époque.

Huile sur panneau. Le tableau reprend la composition du chef-d'œuvre du Titien (daté de 1510, conservé au Louvre), mais la situe dans un paysage totalement différent et la développe latéralement, en introduisant une chèvre à droite et un faune jouant de la flûte à gauche. De plus, les quatre figures empruntées au Titien sont inversées, probablement parce que l'artiste s'est inspiré d'une gravure. La scène centrale représente deux jeunes hommes assis dans une prairie, jouant de la musique, flanqués d'une jeune femme de dos, tandis qu'une autre puise de l'eau dans un bassin de marbre. Les deux femmes sont nues, à peine couvertes par des manteaux qui glissent, tandis que les deux hommes, conversant, sont vêtus de costumes d'époque. Le sujet se veut une allégorie de la poésie et de la musique, les deux femmes, d'une beauté idéale, apparaissant comme deux apparitions irréelles nées de l'imagination et de l'inspiration des deux jeunes hommes. Le tableau présenté ici porte des traces de restaurations antérieures. On observe actuellement des lacunes et des dommages sur le panneau.

Disciple de Pietro da Cortona

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire de la fresque de Pietro da Cortona ornant un mur de la Sala della Stufa du Palazzo Pitti, faisant partie du cycle des Quatre Âges de l'Homme, lui-même inspiré des Métamorphoses d'Ovide. Des scènes des âges du Bronze et du Fer contrastent l'image d'une société civilisée avec celle de la violence perpétrée en temps de guerre. Comme l'affirme Ovide, la fraude et la tromperie firent leur apparition à l'âge du Fer, et les hommes, non seulement exigèrent que la terre porte ses fruits, mais la creusèrent aussi jusqu'à ses profondeurs. C'est ainsi que furent découverts le fer et l'or, et que la guerre éclata, entraînant avec elle des pillages et des exactions, même contre les plus vulnérables, tels que les personnes âgées, les femmes et les enfants. Cette scène, également connue sous le nom de « Massacre de civils par des soldats », dépeint des scènes dramatiques de violence et d'oppression : au premier plan, un soldat s'apprête à tuer un vieillard sans défense gisant au sol ; à droite, un homme coupe les cheveux d'une jeune mère pour lui prendre ses bijoux, malgré ses supplications. Le tableau porte des traces de restaurations mineures antérieures. Il est encadré.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La vaste scène est animée par de nombreuses figures entrelacées : au centre, illuminée par un rayon de lumière venant d'en haut, Marie tenant l'Enfant Jésus dans ses bras, sous le regard de saint Joseph à droite ; à gauche, les trois Rois mages, portant leurs présents dans de riches coffrets, et toute leur suite, ainsi que les anges qui veillent sur la scène. Détail curieux : deux petits anges en bas, préparant la crèche pour accueillir l'Enfant Jésus. Le tableau a été restauré et rentoilé. Encadrement d'époque.

Huile sur toile. La scène représente une supplique de clémence adressée au roi : un homme implore sa grâce pour un jeune homme sur le point d'être décapité par deux serviteurs ; curieusement, une tête couronnée gît aux pieds du roi. La scène se déroule dans un camp près d'une ville, en présence de plusieurs soldats. Les deux prisonniers sont vêtus en civil, tout comme les serviteurs qui brandissent leurs épées au-dessus d'eux. Bien que la scène ne soit pas clairement liée à un épisode biblique précis, elle vise assurément à illustrer la miséricorde du roi, opposée à une justice implacable. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, redoré.

Huile sur toile. École française, fin du XVIIe siècle. Ce tableau s'inspire d'une œuvre de Nicolas Poussin, réalisée vers 1635 et actuellement prêtée à la National Gallery d'Édimbourg. Cependant, comparée à cette dernière, la nôtre présente de nombreuses variations et est beaucoup plus petite (toute la partie droite de la scène de Poussin, riche en personnages au premier plan et à l'arrière-plan, a été supprimée). Le sujet relate un épisode biblique du Livre de l'Exode : le peuple d'Égypte errait dans le désert du Sinaï, assoiffé ; Dieu ordonna alors à Moïse de prendre son bâton, de rassembler les anciens et de frapper le rocher d'Horeb devant le peuple ; de là jaillit une source d'eau, où tout le peuple put se désaltérer. Le tableau présenté a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIe siècle. Ce tableau, autrefois attribué à Scipione Compagno (1624-1680), s'inscrit dans son style pictural (caractéristique de l'imagerie narrative propre à la culture napolitaine du XVIIe siècle). Il représente des scènes et des événements foisonnant de personnages, de paysages et de vues, dans une palette de bruns et de beiges, rehaussée de touches de couleur qui mettent en valeur les personnages principaux. La scène, foisonnante de figures, montre au premier plan l'armée égyptienne submergée par les eaux de la mer Rouge, tandis qu'à l'arrière-plan, sur le rivage, les Israélites, désormais sains et saufs, observent la scène et célèbrent l'événement par des chants et des danses. Au centre, plus loin, Moïse se tient debout, levant le bras avec son bâton, dans le geste qui évoque le miracle de la séparation des eaux. Le tableau a été restauré. Il présente actuellement une légère perte de couleur sur la gauche. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Copie par Jacopo Palma il Vecchio

Huile sur toile. Le tableau original, fidèle à l'original jusque dans ses dimensions et appartenant à une collection privée, a été exposé en 2022 lors de l'exposition organisée par le Musée Santa Caterina de Trévise. L'œuvre représente la Vierge à l'Enfant au centre, avec deux saints à droite, presque isolés dans une conversation spirituelle. La figure la plus à droite est sainte Catherine, reconnaissable à son symbole de la roue dentée ; à gauche se trouve saint Joseph, représenté avec un visage juvénile, probablement parce qu'il reprend les traits du saint patron. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré, de style d'époque.