R. Pellegrini Huile sur Toile Italie 1909 - Aperçu de Mandello Lario 1909

Scène d'intérieur

Huile sur toile. Non signé, mais au dos il y a une dédicace "Alla signora Clelia Mazzioli, con stima Gaetano Bellei 23 gennaio 1909". La grande scène, se déroulant dans une cuisine populaire, voit une femme lire des cartes à deux filles, qui demandent des explications en désignant les personnages qui apparaissent et semblent les comparer à un texte appuyé sur la chaise. L'œuvre rappelle la peinture de Gaetano Bellei, en raison du fort réalisme avec lequel le peintre peint surtout des scènes de la vie paysanne quotidienne ; il est considéré comme un maître de la représentation des affections humaines et des réactions et sensations humaines. La peinture a de légères gouttes de couleur. Il est proposé dans un cadre élégant.

Sestante 14 1989

Sérigraphie couleur sur papier. Signé au crayon en bas à droite, numéroté n. IV/XV en bas à gauche. Il est accompagné d'une photo d'authentification de la maison d'art "Il borghetto" de Milan. L'œuvre faisait partie de la série « Sestante », composée de 16 sérigraphies différentes. En 1982, Alberto Burri crée Sestante, un grand cycle de dix-sept violoncelles et une sculpture en fer, exposé de mai à septembre de l'année suivante dans l'espace des anciens chantiers navals de la Giudecca à Venise. L'évocation de l'ancien instrument nautique, qui servait aux voyageurs pour établir la position d'un point donné par rapport à l'horizon, est un hommage au destin maritime de Venise. Les peintures sont le énième défi de Burri : dans leurs combinaisons les formes et les couleurs du « sextant » créent un cycle inépuisable où il n'y a pas la moindre répétition. Au sein d'un même tableau, ou dans la juxtaposition des unes aux autres, le kaléidoscope des formes fait cohabiter des structures carrées et curvilignes, ainsi que de grands fonds chromatiques et des motifs visuels denses. En 1989, l'artiste propose à nouveau le cycle comme œuvre graphique, créant la série "Sestante". L'historien de l';art Bruno Corà a déclaré que « dans le cas de Burri, parler de graphisme ne signifie pas parler d'une production moindre par rapport à la peinture, mais seulement d'une modalité artistique différente et parallèle, dans la conception et l'exécution, en bref de manière à pouvoir être inclus avec une importance absolue dans la production du grand peintre, aux côtés de toutes ses autres déclarations révolutionnaires et innovantes". L'œuvre est présentée dans un cadre.

Broderie sur tissu en coton. Japon, période Meiji (1868 -1912). Le grand panneau en tissu de coton brodé offre un sujet naturaliste : des aigles et autres oiseaux sont représentés parmi des montagnes stylisées, des branches de pins et de glycines. La broderie est présentée dans un cadre de style.

Portraits d'Enfants 1930

Photographies retouchées aux pastels. Signé en bas à droite. Au dos de trois d'entre eux figure la date du 11 novembre 1930. On y voit une séquence photographique du portrait de trois enfants, qui changent légèrement de pose ou d'expression. Elles sont l'œuvre de la photographe britannique Eva Barrett qui, après une première expérience de peintre, a décidé de se consacrer à la photographie, pensant qu'« il valait mieux être une photographe de premier ordre qu'un [peintre] de second ordre. Ayant déménagé à Rome en 1913, elle y installe son laboratoire. Pictorialiste, dotée d'un petit appareil photo, Eva Barrett a créé sa propre méthode photographique qui n'est pas sans rappeler les croquis de dessin : elle a appliqué quelques coups de crayon très légers, parvenant à créer des images sobres mais avec des noirs particulièrement denses, conservant ainsi les caractéristiques de la photographie et des portraits. Il connaît ainsi un grand succès et sa carrière décolle. Eva Barrett a photographié la famille royale italienne, les épouses et les enfants des ambassadeurs étrangers, et a reçu de nombreuses commandes de la royauté européenne en Belgique, en Suède et en Grèce. Les quatre portraits sont présentés dans des cadres de style.

Peintures sur papier. Asie, première moitié du XXe siècle. Les miniatures représentent six personnages masculins, occupés à différentes activités, peints à l';imitation du style de Reza Abbasi, miniaturiste, peintre et calligraphe persan (1565 – 1635). Les personnages sont inscrits dans un cadre en papier appliqué et entourés de décorations monochromes de feuilles et de fleurs. Ils sont présentés dans des cadres élégants.

Nature Morte avec Gibier

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Au dos, cartouche galerie avec les données de l'œuvre. Alfio Paolo Graziani a choisi la transposition fidèle de la réalité sur ses toiles, créant des compositions presque hyperréalistes en raison de la précision dans la reproduction des différents matériaux et surfaces, ainsi que des effets de la lumière qui les frappe. Surnommé « Prince des Fleurs » pour la production abondante de compositions florales, il réalise également des paysages, des portraits et des natures mortes, comme l'œuvre présentée ici, qui présente un coin du chasseur, où s'ajoute la proie chassée, éparpillée en désordre sur une surface support. , les restes de la partie de chasse (le fusil, le cor, quelques obus, les restes de quelques provisions). L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. En bas à gauche se trouve une signature non identifiée. Grande composition de fleurs panachées, placées en extérieur sur un sol nu et désert. Les couleurs des fleurs sont appliquées avec une certaine cohérence matérielle, les faisant ressortir et émerger du fond presque monochromatique. Le tableau présente quelques éclaboussures de saleté dans le coin inférieur gauche. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. Signé Bertolotti en bas à droite. Il offre un aperçu d'une forêt, avec des plantes clairsemées et hautes et un sous-bois plein de rochers recouvert d'une pelouse verte ; à travers les arbres, une entaille s’ouvre au centre, inondée de lumière, encadrant des sommets escarpés. Le tableau, à fort impact scénographique, est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La composition s'intéresse aux productions du XVIIe siècle et propose une table richement chargée de plateaux de fruits, de paniers de cerises, de paniers de pêches et de grappes de raisin aux feuilles de vigne décoratives, de terrines aux graines et de verres, surmontés d'un rideau et posés sur un tissu. La couleur était utilisée de manière très matérielle sur certains points, pour souligner par exemple les tiges des feuilles de vigne, ou pour créer des reflets de lumière sur le fruit. Le tableau présenté dans un cadre de style.

L'incrédulité de Thomas

Verre au plomb, avec verre polychrome peint à la main. La scène de l'Evangile est représentée dans laquelle saint Thomas, après avoir douté de sa Résurrection annoncée par les autres disciples, reconnaît Jésus qui lui apparaît et lui demande de toucher de sa main ses plaies sur la Croix. L'oeuvre présente quelques légères cassures et quelques verres d'origine manquants, qui ont été remplacés. Il est monté dans un cadre récent.