Tableau Ancien Saint Joachim et l'Ange Huile sur Toile XVIe Siècle

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur panneau. École vénitienne, milieu du XVIe siècle. Le Christ crucifié, au centre de la scène, est entouré de quatre saints identifiés par leurs symboles iconographiques : à gauche, saint François et saint Jérôme ; à droite, saint Sébastien et saint Roch. À l’arrière-plan, une vue de ville, probablement Rome, souligne le lien avec l’Église en tant qu’institution. Une étiquette en papier numérotée est apposée au dos (provenant d’une collection privée du XIXe siècle). Le tableau est présenté encadré.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile marouflée sur châssis. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La scène est tirée du livre biblique des Nombres : fuyant l'Égypte et errant dans le désert, les Israélites se plaignirent à Dieu du manque d'eau et de nourriture. Dieu envoya alors des serpents venimeux pour les exterminer, mais ordonna aussi à Moïse de dresser un serpent de bronze sur une perche, afin que quiconque serait mordu soit guéri. Symboliquement, ce geste, tourner son regard vers le serpent, impliquait un acte de conversion et de foi en Dieu. Dans cette représentation, la perche a plus précisément la forme d'une croix, préfigurant le salut qui viendra à l'humanité par le Christ crucifié et ressuscité, qui la libère du péché symbolisé par le serpent. Moïse est au centre de la scène, désignant la perche sur laquelle se trouve le serpent, flanqué de son frère Aaron ; autour d'eux, les hommes et les femmes d'Israël, certains accablés par les serpents, d'autres déjà agenouillés en suppliants implorant le pardon de Dieu. L'œuvre est présentée dans un cadre composé d'éléments de la fin du XIXe siècle, adaptés.

Huile sur toile. Ce tableau s'inspire du célèbre « Hommage à Vénus » du Titien, largement copié et réinterprété au XVIIe siècle. Dans la version présentée ici, Vénus n'est pas mentionnée, mais il s'agit plutôt d'une célébration du printemps : une foule de Cupidon envahit la campagne luxuriante, tressant des couronnes, remplissant paniers et bassines, caressant des animaux (chèvres, moutons, chiens) et, à l'arrière-plan, pêchant dans la rivière. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien spécialement adapté.

Huile sur toile. École émilienne, seconde moitié du XVIIe siècle. Rose de Lima, religieuse péruvienne (et actuellement sainte patronne du Pérou) du Tiers-Ordre dominicain, ayant vécu entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, est représentée selon l'iconographie traditionnelle, vêtue de l'habit dominicain, en prière, accueillant l'apparition mystique de l'Enfant Jésus qui, selon la tradition, la prend pour épouse en lui offrant une couronne de roses ; ici, les roses sont déposées sur la pierre devant la jeune fille. Au dos de l'œuvre figure un cartouche identifiant les précédents propriétaires comme étant la famille Bezzo Guazzone, résidant au château de Salabue à Ponzone Monferrato (Alexandrie). Le cartouche mentionne le dépôt du tableau pour une exposition jusqu'au 4 octobre 1926. La toile a été rentoilée. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Paysage d'Hiver avec Figures

Huile sur toile. Dans un paysage de campagne hivernale, saupoudré de neige, sur la nature nue, sombre et aride, un chemin serpente à travers des arbres complètement nus qui mène au village, et quelques voyageurs le longent, tandis que sur le côté des bûcherons sont au travail. Un ciel rempli de nuages ​​sombres plane sur tout, bien qu'à gauche il y ait une tache bleue. Le style renvoie à la production de Marco Ricci, un peintre de Belluno devenu célèbre pour son talent incontestable pour la représentation naturaliste et architecturale. Ses paysages, toujours d'un goût nettement XVIIe siècle, sont déjà illuminés de lumières puissantes et émouvantes, d'arbres secs et tortueux, de rochers et de tours, de cumulus qui se déchirent soudain en de vagues éclairs bleus, un répertoire complexe qui transfigure la nature en une représentation dramatique et agitée. Il devient une référence pour plusieurs autres artistes de son temps, qui reprennent son style, comme dans cette œuvre. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. La grande scène se déroule à l'extérieur d'une forteresse rocheuse et présente une garnison de soldats se préparant au combat : au premier plan à gauche, près d'un arbre, le groupe de commandants à cheval observe les travaux et donne des ordres, tandis que les troupes arment les canons en les tribunes, préparent des lances rudimentaires et affûtent leurs armes de poing. Les couleurs sont claires et ternes, avec des nuances de gris qui vont du ciel clair avec des nuages ​​à la forteresse rocheuse, pour se perdre dans le sol, se transformant en un beige sableux ; seuls certains uniformes des officiers ressortent, brisant l'uniformité chromatique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Huile sur toile. La femme représentée dans la scène remonte à Portia, la noble romaine épouse de Brutus, qui vécut au Ier siècle avant JC : selon la légende, elle se suicida en avalant un charbon brûlant, et c'est à ce moment fatidique qu'elle fut tuée. représenté ici. Le tableau est très proche des méthodes picturales du tableau du même nom de l'école Cignani, attribué à son élève Marcantonio Franceschini et conservé au Palazzo Tozzoni à Imola. La figure de Portia, placée dans un intérieur aux éléments classiques, occupe tout le champ de la scène, et est représentée assise devant le brasier allumé, en train de mettre du charbon dans sa bouche ; son expression révèle la souffrance du geste qu'elle pose, mais aussi sa détermination, le regard qui regarde au loin la place déjà loin de la vie qu'elle quitte. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien du 18ème siècle.

Paysage avec Bergers et Troupeaux

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Dans un splendide paysage classique, avec des collines verdoyantes surplombant un cours d'eau, un ruisseau au premier plan qui devient ensuite une large rivière au loin, se trouvent les figures d'un berger et d'une bergère emmenant leur troupeau à l'eau. Les scènes pastorales de ce type caractérisent la production de l'artiste hollandais Michiel Carree, peintre de la cour du roi de Prusse dans les premières décennies du XVIIIe siècle. Le tableau, sur première toile, est présenté dans un cadre doré contemporain, en bois sculpté et doré.