Grand miroir Liberty

Huile sur panneau. Le tableau reprend la composition du chef-d'œuvre du Titien (daté de 1510, conservé au Louvre), mais la situe dans un paysage totalement différent et la développe latéralement, en introduisant une chèvre à droite et un faune jouant de la flûte à gauche. De plus, les quatre figures empruntées au Titien sont inversées, probablement parce que l'artiste s'est inspiré d'une gravure. La scène centrale représente deux jeunes hommes assis dans une prairie, jouant de la musique, flanqués d'une jeune femme de dos, tandis qu'une autre puise de l'eau dans un bassin de marbre. Les deux femmes sont nues, à peine couvertes par des manteaux qui glissent, tandis que les deux hommes, conversant, sont vêtus de costumes d'époque. Le sujet se veut une allégorie de la poésie et de la musique, les deux femmes, d'une beauté idéale, apparaissant comme deux apparitions irréelles nées de l'imagination et de l'inspiration des deux jeunes hommes. Le tableau présenté ici porte des traces de restaurations antérieures. On observe actuellement des lacunes et des dommages sur le panneau.

Huile sur toile. École bolonaise de la fin du XVIIe siècle. Au premier plan, occupant toute la partie gauche de la scène, repose l'Enfant Jésus endormi, le dos tourné, dans une pose d'abandon total au sommeil, un sourire serein illuminant son visage. À droite, délimités en diagonale par le linge soulevé, deux personnages, probablement des bergers, contemplent l'Enfant avec une profonde et solennelle adoration et font le geste de le couvrir, un geste qui exprime la tendresse mais préfigure symboliquement le sacrifice du Christ (la déposition de son corps après la Crucifixion). La position allongée de l'Enfant, adoré par Marie ou par des bergers, a été introduite par Guido Reni, qui a réalisé plusieurs œuvres sur ce thème, largement repris ensuite par ses disciples et par l'école bolonaise du XVIIe siècle. Comme dans les œuvres de Guido Reni, dans ce tableau également, la lumière émane directement de l'Enfant Jésus, illuminant les visages dévots de ceux qui l'adorent. Le tableau, rentoilé auparavant, porte les traces d'une importante restauration. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Disciple de Pietro da Cortona

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire de la fresque de Pietro da Cortona ornant un mur de la Sala della Stufa du Palazzo Pitti, faisant partie du cycle des Quatre Âges de l'Homme, lui-même inspiré des Métamorphoses d'Ovide. Des scènes des âges du Bronze et du Fer contrastent l'image d'une société civilisée avec celle de la violence perpétrée en temps de guerre. Comme l'affirme Ovide, la fraude et la tromperie firent leur apparition à l'âge du Fer, et les hommes, non seulement exigèrent que la terre porte ses fruits, mais la creusèrent aussi jusqu'à ses profondeurs. C'est ainsi que furent découverts le fer et l'or, et que la guerre éclata, entraînant avec elle des pillages et des exactions, même contre les plus vulnérables, tels que les personnes âgées, les femmes et les enfants. Cette scène, également connue sous le nom de « Massacre de civils par des soldats », dépeint des scènes dramatiques de violence et d'oppression : au premier plan, un soldat s'apprête à tuer un vieillard sans défense gisant au sol ; à droite, un homme coupe les cheveux d'une jeune mère pour lui prendre ses bijoux, malgré ses supplications. Le tableau porte des traces de restaurations mineures antérieures. Il est encadré.

Le quartier de Carlo Cignani

Huile sur toile. Ce tableau est une reproduction fidèle d'une œuvre réalisée par Carlo Cignani en 1702/1704 et est donc attribué à l'un de ses élèves, ou du moins à un artiste de son atelier ou de son entourage. La scène représente le jeune Jupiter allaité par la chèvre Amalthée, entouré de nymphes et de faunes absorbés par la musique. Selon la légende, sa mère Rhéa, pour le sauver de son père Saturne, qui dévorait ses enfants, le cacha sur l'île de Crète, où il fut élevé par des nymphes de la forêt. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien en bois doré.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La vaste scène est animée par de nombreuses figures entrelacées : au centre, illuminée par un rayon de lumière venant d'en haut, Marie tenant l'Enfant Jésus dans ses bras, sous le regard de saint Joseph à droite ; à gauche, les trois Rois mages, portant leurs présents dans de riches coffrets, et toute leur suite, ainsi que les anges qui veillent sur la scène. Détail curieux : deux petits anges en bas, préparant la crèche pour accueillir l'Enfant Jésus. Le tableau a été restauré et rentoilé. Encadrement d'époque.

Huile sur toile. La scène représente une supplique de clémence adressée au roi : un homme implore sa grâce pour un jeune homme sur le point d'être décapité par deux serviteurs ; curieusement, une tête couronnée gît aux pieds du roi. La scène se déroule dans un camp près d'une ville, en présence de plusieurs soldats. Les deux prisonniers sont vêtus en civil, tout comme les serviteurs qui brandissent leurs épées au-dessus d'eux. Bien que la scène ne soit pas clairement liée à un épisode biblique précis, elle vise assurément à illustrer la miséricorde du roi, opposée à une justice implacable. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, redoré.

Le Matin des Roses

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie, avec quelques variations, du célèbre tableau de Giovanni Giani, conservé au palais du Quirinal à Rome (acquis en 1906 par la reine Marguerite). L'œuvre représente une jeune femme vêtue de blanc, suspendue dans l'attente, assise sur le rebord d'une fenêtre donnant sur un jardin, entourée de rosiers en fleurs. La figure évoque une atmosphère délicate et mélancolique, symbolisant l'espoir, la pureté et la jeunesse. Cette œuvre est un exemple du style vériste-Art nouveau de l'artiste piémontais Giani. Notre reproduction grand format recrée la force décorative de l'original. Elle est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École d'Europe centrale, milieu du XIXe siècle. Au centre de la scène, devant un trône surmonté d'un dais de velours rouge et flanqué d'insignes royaux, un roi règle un différend entre deux groupes d'hommes, représentés par plusieurs dignitaires en civil. Derrière eux, deux drapeaux différents flottent au milieu de la foule ; il s'agit probablement de deux factions politiques de la même ville. La silhouette de la ville en arrière-plan situe la scène dans un contexte d'Europe centrale. La peinture a été appliquée sur un panneau de contreplaqué au début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Copie par Francesco Guardi

Huile sur toile. Le tableau original, réalisé par Francesco Guardi en 1746 et donné aux Musées Civiques de Venise en 1830 par l'abbé Teodoro Correr, est exposé à Ca' Rezzonico depuis 1936. Il s'agit d'une « vue intérieure » où le peintre représente avec soin et délicatesse le parloir du couvent San Zaccaria. Les filles des plus importantes familles vénitiennes y étaient religieuses : dans le salon, parents et amis pouvaient s'entretenir avec les sœurs, et des spectacles de marionnettes étaient organisés pour les enfants lors de ces réunions, comme on le voit à droite. L'œuvre de Guardi se caractérise par sa représentation de tous les éléments familiers de la Venise du XVIIIe siècle, avec son atmosphère à la fois galante et mondaine qui imprégnait également les couvents. La copie présentée ici est assez fidèle à l'original, bien qu'il lui manque une section à droite, derrière le petit théâtre. Ayant déjà fait l'objet d'une restauration et d'un rentoilage, le tableau nécessite actuellement un nettoyage. Elle est présentée dans un cadre chronologique.

Portrait d'une Dame

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Celada aimait peindre des femmes, tant en portrait qu'en études de figures, proposant un corps féminin ferme et classique, tant par sa forme que par ses références à la peinture du passé. Sa peinture, quel que soit le sujet – natures mortes, portraits, figures – parvient à saisir la réalité dans le temps et l'espace, d'une manière qui paraît détachée, analytique et d'une précision scientifique (couleurs, reflets, transparences), tout en transmettant – plutôt qu'une irréalité totale – une grande force narrative et pathétique. Le portrait de femme présenté ici révèle la capacité de Celada à représenter le sujet avec un réalisme quasi photographique, tout en l'entourant d'une aura surréaliste, grâce à un fond monochrome dépourvu de toute référence à la réalité environnante. La toile porte des traces de restauration antérieure dues à de légères déchirures. Cadre d'époque.

Portrait d'un Officier

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Giuseppe Amisani s'est imposé comme portraitiste de personnalités célèbres et de haut rang. Considéré comme un impressionniste tardif, sa peinture fut influencée par la Belle Époque, ce qui le conduisit à utiliser des couleurs vibrantes et des coups de pinceau rapides, tout en conservant un sens aigu de l'élégance. Le modèle représenté ici est un officier supérieur, assis, dans une posture très droite et militaire, dans un salon luxueusement meublé. L'œuvre est encadrée dans le style de l'époque.

Huile sur toile. École française, milieu du XIXe siècle. La scène, qui se déroule à l'entrée d'une villa au crépuscule, représente la première rencontre entre une jeune et belle femme, accompagnée de son père, et un prétendant présenté par la marieuse vêtue de noir au centre. Ce tableau s'inscrit dans le mouvement pictural historico-littéraire du XIXe siècle, qui mettait en scène des épisodes littéraires dans un registre romantique. Les personnages portent des costumes des XVIe et XVIIe siècles et pourraient être des figures d'un roman célèbre. Par exemple, les vêtements du vieux père rappellent Pantalone, personnage de la Commedia dell'Arte qui tente de contraindre sa fille Rosaura à un mariage de convenance, un thème récurrent en littérature. Le tableau a fait l'objet de restaurations mineures. Il est présenté dans un cadre d'époque.