Miroir des années 70

Ensemble de seize œuvres mêlant photographies et techniques mixtes

Ensemble de seize œuvres, mêlant photographies et techniques mixtes. Édition n° V sur XX. Il s'agit d'une édition multiple extrêmement rare, signée par seize artistes pour promouvoir la célèbre exposition « Exposition collective », organisée par Roberto Peccolo et le Studio Marconi en 1977 à la Galleria d'Arte Lastaria de Rome. Cette exposition visait à mettre en lumière des œuvres combinant, parfois en parallèle, parfois au sein d'une même pièce, deux médiums artistiques différents : la peinture et la photographie. Elle soulignait l'intérêt de la photographie, avec toutes ses possibilités techniques (agrandissements, gros plans, reproductions, etc.), comme nouveau champ d'exploration artistique. Ont participé à ce projet : Vincenzo Aglietti, Denis Alkan, Roberta Allen, Monika Baumgartl, Ania Bien, Han Bierman, Mari Boeyen, Blythe Bohnen, Vincenzo Cecchini, Bruno Di Bello, Giulio Paolini, Lucio Pozzi, Richard Thatcher, Olivier Thomé, Jose Urbach et Gianfranco Zappettini. La série comprend 15 œuvres, chacune mesurant 39 x 29 cm, et une de 58 x 29 cm (car composée de deux pièces juxtaposées). Elles sont présentées sous verre ; au dos du passe-partout figurent le nom de l’artiste, le numéro de série et le numéro d’inventaire. L’ensemble est accompagné d’un texte du Studio Marconi, préfacé par Roberto Peccolo, ainsi que de notices biographiques et critiques sur les artistes et de reproductions en noir et blanc de leurs œuvres exposées.

Les femmes de Cervara Rome

Huile sur toile. Ce tableau de grande qualité est une réplique de l'œuvre d'Hébert de 1856, exposée au Salon Carré en 1859 et à l'Exposition internationale du Champ de Mars en 1867. Il est actuellement conservé au musée d'Orsay. La toile représente trois générations de femmes, symbolisant les trois âges de la vie : l'enfance, la jeunesse et la vieillesse. On y voit une petite fille et deux femmes passant sous une arche pour puiser de l'eau. Hébert vécut plusieurs années à Cervara, un ancien village de la province de Rome, célèbre pour ses figures rupestres. Dans ses œuvres à sujets populaires, il a dépeint la vie et l'âme des villageois, leurs gestes quotidiens et leurs émotions. L'œuvre présentée ici date de la même époque.

Huile sur toile. Le saint est reconnaissable comme étant Jude Thaddée, l'un des douze apôtres, à la hallebarde qu'il tient à la main, instrument de son martyre. Autre symbole récurrent dans l'iconographie du saint, et présent dans cette représentation, le livre symbolise la Parole de Dieu que Thaddée proclamait avec ferveur. Le tableau porte des traces de restaurations et de rentoilages antérieurs. Il est présenté dans un cadre ancien en bois.

Huile sur toile. Au large d'un lac aux rives parsemées de sommets montagneux, deux femmes et un enfant rament dans une petite barque, chargés de fagots de bois et de paniers ; ils traversent sans doute simplement le lac pour rejoindre l'autre rive. L'atmosphère rosée d'un coucher de soleil se détache, créant des reflets colorés sur l'eau et les cimes enneigées. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain en bois sculpté et doré.

Huile sur panneau ovale. Le tableau reflète les styles picturaux du XVIIIe siècle : dans un vaste paysage dominé par des sommets montagneux, une rivière coule, bordée de maisons ; au centre de la scène, un pont de pierre l’enjambe, traversé par plusieurs personnages, tandis que d’autres vaquent à leurs occupations quotidiennes sur le chemin ou le long de la rivière. Le tableau est présenté dans un cadre en bois doré d’époque.

L'Aveu Involontaire

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'un tableau de Benjamin Vautier datant de 1881, vendu aux enchères chez Sotheby's en 1998. Cet artiste suisse était spécialisé dans les scènes de genre populaires : dans cette toile, deux jeunes femmes, marchant sur le chemin qui mène à la petite église derrière elles, échangent des secrets, ignorant la présence du prêtre assis sur le banc, derrière l'arbre, en train de lire son bréviaire ! L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Portrait d'une jeune femme avec son chien, en extérieur, devant un vaste paysage fluvial. La première partie de la toile présente des traces de restaurations antérieures. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Vase d'œillets

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Cet artiste pisan était surtout connu comme graveur (il enseigna la gravure à l'Académie des Beaux-Arts de Florence), mais il se consacra également à la peinture, qu'il atteignit avec une originalité remarquable et une profondeur poétique extraordinaire, utilisant des couleurs qu'il définissait lui-même comme « les couleurs de l'âme ». Bien qu'il privilégiât les sujets populaires, les fleurs étaient souvent présentes dans ses œuvres, à tel point qu'une section d'une récente rétrospective (2023) qui lui fut consacrée à Pise s'intitulait « Les Couleurs et les Fleurs de l'Âme ». L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École flamande, XVIIIe siècle. Attribuée à l'entourage d'Hendrick Mommers (1623-1693) lors d'une vente aux enchères chez Christie's en 1991, cette œuvre représente un caprice architectural classique, un vaste paysage où se dressent les ruines d'un majestueux édifice antique. On y voit également de nombreux personnages se promenant sur le chemin devant les ruines : un berger avec son troupeau, une femme avec un enfant et un couple en promenade romantique. L'œuvre est encore sur sa toile d'origine et en excellent état. Elle est présentée dans un cadre doré d'époque.

La Proposition

Huile sur toile. La scène représente une demande en mariage entre deux roturiers et est une copie d'une œuvre d'Eugène von Blass (1843-1931) datant de 1887. L'artiste italo-autrichien a souvent représenté ce thème, ainsi que d'autres scènes de genre illustrant la vie quotidienne. L'œuvre est présentée dans un cadre doré d'époque.

Vue du Cervin

Trois peintures à l'huile sur carton. Les trois panneaux sont signés en bas à droite. Ils forment une composition continue : le panneau central représente le sommet du Cervin, tandis que les deux panneaux inférieurs étendent la chaîne de montagnes de part et d'autre jusqu'au pic le plus célèbre. Alessandro Catalani peignait des vues et des paysages, à l'huile et à l'aquarelle, caractérisés par des couleurs douces et une touche libre. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain (à restaurer).