Tableau de Camilla, reine des Amazones

Huile sur toile. La scène représente un épisode du roman du XVIIe siècle « Les Aventures de Télémaque » de François Fénelon, publié en 1699. Dans ce récit, Télémaque (fils d'Ulysse), à ​​la recherche de son père accompagné de Mentor (qui se déguise en déesse Athéna), fait naufrage sur l'île de Calypso et tombe amoureux d'une nymphe. Pour empêcher Télémaque de quitter l'île et d'abandonner la jeune fille, la déesse Calypso, qui les a recueillis, ordonne à ses nymphes d'incendier le navire sur lequel Télémaque et Mentor sont arrivés. Sur le tableau présenté, au premier plan à gauche, Mentor exhorte le jeune Télémaque à se détourner, tandis que celui-ci contemple encore la jeune fille debout sur le chemin à droite ; pendant ce temps, les autres nymphes mettent le feu à l'embarcation échouée sur le rivage avec leurs torches. La toile, rentoilée antérieurement, présente plusieurs manques de peinture. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Cette Vierge à l'Enfant est une œuvre unique, tenant son Enfant endormi sur un oreiller. Marie regarde le spectateur, presque comme pour exhiber son Fils, avec une expression grave, consciente de son destin. L'Enfant, en revanche, semble totalement ignorant de cela, encore un enfant, non le Fils de Dieu. Les traits physionomiques des deux figures sont également distinctifs, notamment le visage rond et joufflu de Marie, son nez retroussé, ses yeux ronds et sa silhouette plus ample, qui tranchent avec les représentations plus traditionnelles de la Vierge. En haut à gauche, on distingue quelques lettres d'une inscription qui semblent avoir été tronquées. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe siècle. L'iconographie reconnaît ce personnage comme le saint ermite Onuphre, qui vécut en anachorète dans le désert égyptien au IVe siècle. Il est représenté ici dans un décor rocheux et désolé (typique des peintures célébrant le thème de la pénitence et de l'ascétisme), traditionnellement comme un vieil homme à la longue barbe et aux cheveux blancs, presque entièrement nu (couvert seulement d'un pagne de feuilles), agenouillé, les mains jointes en prière ou dans un geste de profonde imploration, un chapelet accroché à son bras, une croix et un livre ouvert (une Bible) posé sur le rocher à côté de lui – symboles de prière et de méditation. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien remis en place.

Huile sur panneau. École d'Europe du Nord, XVIIIe siècle. La scène, disposée horizontalement, représente le mythe d'Orphée, fils d'Apollon, qui reçut de son père une lyre grâce à laquelle il apprivoisa les animaux sauvages, déplaça les rochers et courba les arbres. Ce récit, connu grâce aux Géorgiques de Virgile et aux Métamorphoses d'Ovide, est un symbole du pouvoir civilisateur de l'art et un sujet récurrent dans l'art européen. Orphée est représenté au centre, assis sur un rocher parmi les arbres, jouant de la lyre. De part et d'autre, de nombreux animaux de races diverses s'approchent de lui, venus de milieux naturels proches et lointains, parmi lesquels des animaux exotiques (un elfe, des lions, un lama, etc.), et, sur le bord droit, une créature fantastique : la licorne. À l'arrière-plan, un cours d'eau bordé d'une ville ; à gauche, sur une colline, un petit temple, probablement dédié au dieu Apollon. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. École bolonaise de la fin du XVIIe siècle. Au premier plan, occupant toute la partie gauche de la scène, repose l'Enfant Jésus endormi, le dos tourné, dans une pose d'abandon total au sommeil, un sourire serein illuminant son visage. À droite, délimités en diagonale par le linge soulevé, deux personnages, probablement des bergers, contemplent l'Enfant avec une profonde et solennelle adoration et font le geste de le couvrir, un geste qui exprime la tendresse mais préfigure symboliquement le sacrifice du Christ (la déposition de son corps après la Crucifixion). La position allongée de l'Enfant, adoré par Marie ou par des bergers, a été introduite par Guido Reni, qui a réalisé plusieurs œuvres sur ce thème, largement repris ensuite par ses disciples et par l'école bolonaise du XVIIe siècle. Comme dans les œuvres de Guido Reni, dans ce tableau également, la lumière émane directement de l'Enfant Jésus, illuminant les visages dévots de ceux qui l'adorent. Le tableau, rentoilé auparavant, porte les traces d'une importante restauration. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Europe centrale, milieu du XIXe siècle. Au centre de la scène, devant un trône surmonté d'un dais de velours rouge et flanqué d'insignes royaux, un roi règle un différend entre deux groupes d'hommes, représentés par plusieurs dignitaires en civil. Derrière eux, deux drapeaux différents flottent au milieu de la foule ; il s'agit probablement de deux factions politiques de la même ville. La silhouette de la ville en arrière-plan situe la scène dans un contexte d'Europe centrale. La peinture a été appliquée sur un panneau de contreplaqué au début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Une jeune femme casquée et vêtue d'une cotte de mailles, tenant une hallebarde, est représentée. Au-dessus d'elle, son nom. L'épithète « Amazone » désigne essentiellement une guerrière, mais il n'est fait mention d'aucun personnage nommé Leandra. Par ailleurs, le mythe des guerrières, les Amazones, a connu un grand succès et a inspiré une abondante production artistique et littéraire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIIe siècle. La Sainte Famille traditionnelle représente Marie occupant toute la partie centrale de la scène. Son regard, illuminé par un sourire, est tourné vers l'Enfant Jésus couché sur ses genoux, attirant ainsi l'attention du spectateur. Le bon Joseph, comme toujours, est judicieusement placé à l'arrière-plan, veillant sur les deux figures sacrées qui lui sont confiées. Au dos de la toile figure une étiquette d'inventaire du début du XXe siècle. L'œuvre est présentée dans un cadre ancien doré.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Marie et Jésus sont représentés dans une pose d'une grande intimité, dans un jeu d'étreintes et de regards. Le visage de Jésus, tourné vers le spectateur, exprime la joie d'un enfant dans les bras de sa mère, plutôt que la projection du Christ vers son destin. Seule la petite pomme que l'enfant tient dans sa main, presque dissimulée, évoque son rôle de rédempteur. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIIe siècle. Un vase amphore renferme une composition de fleurs panachées, avec quelques fruits (une grenade et des raisins noirs) à sa surface. Composition décorative classique, souvent associée à d'autres tableaux. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École hollandaise, XVIIIe siècle. Dans cette scène dramatique, trois voiliers sont à la merci d'une mer déchaînée ; deux d'entre eux arborent le pavillon néerlandais, tandis que le troisième, plus petit, presque une barque, arbore un autre pavillon. Le ciel et la mer gris et orageux forment un fond uniformément sombre, avec un mince rayon de lumière à droite, filtrant à travers une trouée dans les nuages. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord. Une jeune femme souhaite témoigner de sa passion, ou peut-être de son engagement, envers le monde de la musique en se faisant portraiturer avec une partition à la main. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.