Peinture d'un paysage fluvial avec des personnages

Disciple de Carlo Cignani

Huile sur toile. Cette œuvre est l'une des nombreuses versions et répliques contemporaines d'une œuvre de Carlo Cignani, témoignant du succès du sujet. Elle provient probablement de son atelier ou de l'un de ses disciples. L'allégorie de la Charité était l'un des thèmes de prédilection de Carlo Cignani, qu'il a peinte à plusieurs reprises. Elle est toujours représentée comme une femme allaitant, souvent entourée de nombreux enfants, symbole de l'amour inconditionnel qu'elle prodigue. Dans cette représentation, la femme allaite deux enfants plus âgés tout en recouvrant le nouveau-né emmailloté qui dort dans son berceau. La scène, à la fois vivante et sereine, est caractérisée par des gestes naturels, simples et pourtant empreints de tendresse ; l'un des enfants tient deux cerises, symbole d'amour et de douceur. Le tableau porte des traces de restauration et de rentoilage effectués à la fin du XIXe siècle. Le cadre doré, orné de frises, date également de cette époque.

Paysage avec des Ruines Classiques

Huile sur toile. Le tableau est accompagné d'un rapport photographique du Dr Giovanni Gentile, expert en art et témoin expert auprès du tribunal de Milan, qui attribue sa paternité à Pieter De Witte, fils illégitime de Pieter Ier et son élève. Pieter II, peintre néerlandais ayant beaucoup voyagé et travaillé en Italie, s'est illustré par ses paysages classiques, baignés de lumière et mettant souvent en scène des vestiges architecturaux antiques. Cette œuvre souligne également la lumière qui inonde la forêt et les fantaisies architecturales en contrebas. L'atmosphère est silencieuse et déserte, créant une impression d'Arcadie mourante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Huile sur panneau. École vénitienne, milieu du XVIe siècle. Le Christ crucifié, au centre de la scène, est entouré de quatre saints identifiés par leurs symboles iconographiques : à gauche, saint François et saint Jérôme ; à droite, saint Sébastien et saint Roch. À l’arrière-plan, une vue de ville, probablement Rome, souligne le lien avec l’Église en tant qu’institution. Une étiquette en papier numérotée est apposée au dos (provenant d’une collection privée du XIXe siècle). Le tableau est présenté encadré.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École émilienne, seconde moitié du XVIIe siècle. Rose de Lima, religieuse péruvienne (et actuellement sainte patronne du Pérou) du Tiers-Ordre dominicain, ayant vécu entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, est représentée selon l'iconographie traditionnelle, vêtue de l'habit dominicain, en prière, accueillant l'apparition mystique de l'Enfant Jésus qui, selon la tradition, la prend pour épouse en lui offrant une couronne de roses ; ici, les roses sont déposées sur la pierre devant la jeune fille. Au dos de l'œuvre figure un cartouche identifiant les précédents propriétaires comme étant la famille Bezzo Guazzone, résidant au château de Salabue à Ponzone Monferrato (Alexandrie). Le cartouche mentionne le dépôt du tableau pour une exposition jusqu'au 4 octobre 1926. La toile a été rentoilée. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. L'élégante dame pose, drapée dans une cape de velours vert ornée de fourrure, de galons dorés et de dentelle ; appuyée nonchalamment d'un bras sur la balustrade de marbre derrière elle, elle tient sur ses genoux un petit chien qui semble lui aussi prendre la pose. Restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, le tableau présente actuellement quelques légères pertes de peinture. Il est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle, qui présente également quelques manques et des traces d'usure sur la dorure.

Trinité

Huile sur toile. L'original, peint en 1592 et exposé dans la chapelle Risaliti de Santa Croce à Florence, connut un immense succès, à tel point que de nombreuses copies furent réalisées, y compris des copies postérieures et non autographes. Cette version du XVIIIe siècle, d'une facture remarquable, est de plus petit format, probablement destinée à la dévotion personnelle dans une chapelle privée. L'œuvre représente la Trinité en gloire : le Père soutient le corps sans vie du Fils, au-dessus duquel plane le Saint-Esprit ; entourés d'anges et d'archanges, et à ses pieds, encore enfouis dans la terre, sont représentés les instruments de torture et de mort sur la croix. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, richement orné de motifs floraux (le décor en haut à gauche est manquant).

Huile sur panneau. École toscane-émilienne, fin XVe-début XVIe siècle. La Vierge est représentée assise sur un trône, tenant l'Enfant dans ses bras et flanquée de deux anges ; les personnages sont placés sous un dais, soulignant leur statut royal. Un monogramme au dos, identifiant probablement l'artiste, est présent. Le panneau présente des lacunes picturales et des dommages au bois. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Gravures. Les noms du graveur et du peintre figurent en bas. La série, réalisée d'après des dessins de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), comprenait quinze estampes et était intitulée « Les Douze Apôtres ou Œuvre peinte par Giambattista Piazzetta (1683-1754), gravée par Marco Pitteri Veneto avec le privilège du Très Excellent Sénat ». Aux onze apôtres (à l'exception du traître Judas) s'ajoutaient le visage de Marie, l'image du Père avec le Saint-Esprit et saint Paul. Cette série ne présente aucune représentation du Christ. Les estampes présentent des taches et des traces d'humidité. Elles sont présentées dans des cadres en bois laqué du XVIIIe siècle avec un verre contemporain.