Tableau Ancien Copie par Francesco Trevisani Vièrge Marie '700 - Vièrge Marie avec Enfant

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIIe siècle. L'œuvre s'inspire d'une copie de Francesco Solimena, maintes fois reproduite au fil des siècles, d'abord par son propre atelier, puis par d'autres artistes anonymes. Cette copie, cependant, est présentée en miroir par rapport à l'original, sur une toile rectangulaire, bien qu'inscrite dans un ovale comme l'original. La représentation allégorique du continent américain est généralement celle d'une femme, nue ou semi-nue, armée d'un arc et de flèches, coiffée d'une couronne de plumes exotiques, flanquée d'un animal exotique, ici un perroquet, en train de maîtriser un homme gisant au sol, probablement un indigène. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Représentation traditionnelle de la Sainte Famille, à mi-corps au premier plan, avec l'Enfant Jésus tétant sa mère, le regard tourné vers le spectateur, signe qu'il est déjà tourné vers l'avenir. Marie et Joseph contemplent tendrement l'Enfant, tandis que son père présumé se tient à l'arrière-plan, dans l'ombre, afin de ne pas détourner l'attention des deux autres figures centrales. Restaurée et rentoilée, la toile est en bon état et présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École toscane, XVIIe siècle. Sainte Catherine est vêtue de l'habit dominicain traditionnel, coiffée d'une couronne d'épines. À ses pieds, on trouve un lys, un crâne et un livre de prières. Inconsciente en extase mystique, elle est soutenue par deux anges tandis que Jésus lui prend le cœur, symbolisant son dévouement absolu au Christ. Bien que la scène soit représentée en extérieur, une imposante structure baroque se dessine à l'arrière-plan, évoquant le temple comme lieu de prière. L'extase mystique de sainte Catherine a été largement représentée : cette version est inspirée d'une œuvre de Francesco Vanini (1563-1610), dont plusieurs copies anciennes sont connues. L'œuvre, sur sa toile d'origine et rehaussée de petites touches de couleur sur les bords, est présentée dans un cadre d'époque.

Copie par Guido Reni

Huile sur toile. Cette œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variations, du célèbre sujet créé par le peintre bolonais Guido Reni (1574-1642) et son atelier. La composition, représentant la Vierge en prière, penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une brillante invention du style de Reni. Suite à son grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, elle fut reprise par d'autres artistes du XVIIe siècle, parmi lesquels Giovan Battista Salvi, dit « Il Sassoferrato ». Les deux variantes les plus célèbres de cette fascinante scène montrent la Vierge les mains jointes en prière, comme dans cette version adoptée par Salvi, ou les mains sur la poitrine, une représentation typique de Reni. D'autres variations concernent la position de la tête de l'Enfant endormi, tournée vers le ciel comme dans cette version, plutôt que penchée sur le côté ; enfin, les tissus de fond diffèrent. Même dans cette réplique, l'intensité de la scène est saisissante : le corps de l'enfant, paisiblement endormi, domine l'espace, où la nature divine apaise l'humain ; au-dessus de lui, penchée dans un geste à la fois protecteur et contemplatif, Marie exprime toute sa tendresse maternelle, mais aussi, par le geste de ses mains, son adoration du mystère incarné que représente son petit Fils. Les couleurs vives des étoffes – le coussin sur lequel repose Jésus, le rideau derrière lui, les vêtements de la Mère – rehaussent l'éclat des carnations. Le tableau a été rentoilé au milieu du XXe siècle.

Huile sur toile. Dans cette œuvre, la Sainte Famille s'adresse à un jeune frère en habit franciscain, probablement en référence au commanditaire : les mains tendues de l'Enfant se tendent pour l'embrasser, sous le regard protecteur de Marie et Joseph. Précédemment restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien du XVIIIe siècle, redoré.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau coulant à proximité, près duquel se dresse un groupe de bâtiments ruraux ; plusieurs personnages sur le chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de rentoilage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau traversé par des bateaux, et bordé de petits groupes de maisons rurales. Au premier plan, une femme et son enfant marchent le long du chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de regarnissage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Jésus sur le Chemin du Calvaire

Huile sur toile. L'œuvre est une réplique de celle exécutée par Pierre Mignard et offerte à Louis XIV, aujourd'hui conservée au musée du Louvre à Paris. La scène dramatique se déroule aux portes de Jérusalem ; un cortège accompagne Jésus dans sa montée au Calvaire, que l'on aperçoit à l'arrière-plan à droite, avec les croix des deux brigands déjà dressées. La Croix du Christ est portée par Simon de Cyrène, contraint par les gardes après la énième chute de Jésus, qui est brutalement sommé de se relever à coups de fouet. Devant le Christ marchent les deux brigands ligotés, accompagnés de quelques serviteurs ; à gauche, le groupe de femmes pieuses qui accompagnent et soutiennent Marie, le cœur brisé par le chagrin. À droite, contrastent avec ce groupe, un autre groupe de femmes du peuple qui observent la scène dans une attitude de piété compatissante, détournant le regard de leurs enfants du terrible spectacle. Le paysage en arrière-plan est rude et aride, sous un ciel chargé de nuages ​​gris et sombres. L'œuvre a été restaurée et rentoilée au milieu des années 1900, puis montée sur un nouveau cadre. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord des XVIIe et XVIIIe siècles. La célèbre scène biblique de la querelle entre les deux frères, fils d'Adam et Ève, qui mène au fratricide d'Abel aux mains de Caïn, est représentée ici dans un paysage italien luxuriant, agrémenté de deux feux particuliers. De part et d'autre des deux personnages, qui occupent le centre de la scène, se trouvent deux bûchers sacrificiels où brûle un feu ardent : tandis que celui d'Abel, à gauche, s'élève une haute fumée, aspirée par les nuages ​​qui le surplombent, indiquant que Dieu a accepté ce sacrifice, celui de Caïn, au contraire, est bas, presque écrasé sur les braises, et aucune fumée ne s'en échappe, signe que Dieu le rejette. Même la couleur rouge de la tunique d'Abel vise à souligner sa valeur sacrificielle, son martyre. Le tableau a besoin d'être nettoyé. Dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans un paysage italien, la scène est centrée sur un groupe de personnes du peuple qui tentent de fuir la ville assiégée et incendiée, transportant leurs marchandises sur une charrette et menant le petit troupeau. Cependant, un petit groupe de soldats ennemis les poursuit et tente de les arrêter, armes au poing. Au dos du cadre, une inscription au crayon attribue l'œuvre à Jan Both (1618-1652), peintre hollandais surtout connu pour ses paysages italiens, souvent animés de personnages. Le tableau a été restauré et rentoilé par le passé. Il nécessite actuellement un nettoyage. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Au centre de la scène, dans un paysage luxuriant, se trouve un berger et son troupeau de moutons, saisis dans un moment de repos ; derrière eux, la ferme et l'écurie. Au dos, une étiquette de collection est apposée et la mention «Tedesco » (Allemand) est manuscrite sur le cadre, probablement pour indiquer la provenance. Le tableau est présenté sur la première toile, avec son cadre d'origine et son cadre contemporain, redorés.