Tableau Ancien Paysage Champêtre Huile sur Toile Europe XIXe Siècle

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Tamar et Juda

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIe siècle. L'histoire de Tamar, relatée dans le livre de la Genèse, est un récit de tromperie, de justice et de providence divine. Tamar, veuve des deux premiers fils de Juda, se déguise en prostituée pour concevoir de Juda lui-même, celui-ci lui ayant refusé un troisième enfant. Tamar tombe enceinte et, montrant le sceau, le cordon et le bâton que Juda lui avait donnés en gage, révèle la vérité et contraint Juda à avouer sa culpabilité et à reconnaître les jumeaux à naître, qui rejoindront la lignée de David et de Jésus. Cette histoire a inspiré de nombreux artistes : la version du Tintoret est célèbre, reprise plus tard par Bassano, et le tableau présenté ici lui ressemble par la disposition des personnages et la présence du chien à droite. Restauré et rentoilé dans la première moitié du XXe siècle, le tableau présente aujourd'hui une légère perte de couleur. Il est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Dans une grotte, devant un décor de sommets enneigés, un ermite, plongé dans la méditation et la contemplation extatique, contemple le Crucifix, le regard tourné vers le ciel. Le tableau porte des traces de restauration et de rentoilage du début du XXe siècle. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École génoise, début du XVIIIe siècle. L'homme, dont l'épaisse perruque suggère une appartenance à la noblesse ou à la haute bourgeoisie, porte une cuirasse en métal poli, sous laquelle dépasse une cravate de dentelle de son fourreau. La cuirasse est ornée de plusieurs symboles familiaux. Ce portrait reflète la manière et le style en vogue à Gênes à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, d'après les modèles français de Rigaud. La toile présente quelques lacunes. Toujours sur sa toile d'origine, elle était auparavant montée sur un châssis en bois du début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre du XVIIIe siècle.

Huile sur toile. École lombarde, XVIIIe siècle. La composition, sur fond sombre, représente une large branche chargée de grappes de raisin tombant sur un vase de fleurs colorées et d'autres fruits – figues et pommes – posés au sol. Deux petits oiseaux sont perchés sur la branche. Restaurée et rentoilée, la toile est présentée dans un cadre en bois de la fin du XIXe siècle.

XVIIIe Siècle

Huile sur toile. École émilienne, XVIIIe siècle. Grande composition de fruits variés : pêches, poires, cerises, grenades et raisins, parmi lesquels se mêlent un gros chou, une grappe de tubercules et quelques œillets. À gauche, deux bocaux en verre contiennent des confitures. La composition déborde d'une bassine en bois posée sur une table, dans un décor extérieur, avec des cimes d'arbres et des buissons en arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre doré d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIIe siècle. L'œuvre s'inspire d'une copie de Francesco Solimena, maintes fois reproduite au fil des siècles, d'abord par son propre atelier, puis par d'autres artistes anonymes. Cette copie, cependant, est présentée en miroir par rapport à l'original, sur une toile rectangulaire, bien qu'inscrite dans un ovale comme l'original. La représentation allégorique du continent américain est généralement celle d'une femme, nue ou semi-nue, armée d'un arc et de flèches, coiffée d'une couronne de plumes exotiques, flanquée d'un animal exotique, ici un perroquet, en train de maîtriser un homme gisant au sol, probablement un indigène. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Représentation traditionnelle de la Sainte Famille, à mi-corps au premier plan, avec l'Enfant Jésus tétant sa mère, le regard tourné vers le spectateur, signe qu'il est déjà tourné vers l'avenir. Marie et Joseph contemplent tendrement l'Enfant, tandis que son père présumé se tient à l'arrière-plan, dans l'ombre, afin de ne pas détourner l'attention des deux autres figures centrales. Restaurée et rentoilée, la toile est en bon état et présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.