Tableau Ancien Moïse Faisant Jaillir l'Eau du Rocher XVIIe Siècle

Huile sur toile. École bolonaise de la fin du XVIIe siècle. Au premier plan, occupant toute la partie gauche de la scène, repose l'Enfant Jésus endormi, le dos tourné, dans une pose d'abandon total au sommeil, un sourire serein illuminant son visage. À droite, délimités en diagonale par le linge soulevé, deux personnages, probablement des bergers, contemplent l'Enfant avec une profonde et solennelle adoration et font le geste de le couvrir, un geste qui exprime la tendresse mais préfigure symboliquement le sacrifice du Christ (la déposition de son corps après la Crucifixion). La position allongée de l'Enfant, adoré par Marie ou par des bergers, a été introduite par Guido Reni, qui a réalisé plusieurs œuvres sur ce thème, largement repris ensuite par ses disciples et par l'école bolonaise du XVIIe siècle. Comme dans les œuvres de Guido Reni, dans ce tableau également, la lumière émane directement de l'Enfant Jésus, illuminant les visages dévots de ceux qui l'adorent. Le tableau, rentoilé auparavant, porte les traces d'une importante restauration. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La vaste scène est animée par de nombreuses figures entrelacées : au centre, illuminée par un rayon de lumière venant d'en haut, Marie tenant l'Enfant Jésus dans ses bras, sous le regard de saint Joseph à droite ; à gauche, les trois Rois mages, portant leurs présents dans de riches coffrets, et toute leur suite, ainsi que les anges qui veillent sur la scène. Détail curieux : deux petits anges en bas, préparant la crèche pour accueillir l'Enfant Jésus. Le tableau a été restauré et rentoilé. Encadrement d'époque.

Huile sur toile. La scène représente une supplique de clémence adressée au roi : un homme implore sa grâce pour un jeune homme sur le point d'être décapité par deux serviteurs ; curieusement, une tête couronnée gît aux pieds du roi. La scène se déroule dans un camp près d'une ville, en présence de plusieurs soldats. Les deux prisonniers sont vêtus en civil, tout comme les serviteurs qui brandissent leurs épées au-dessus d'eux. Bien que la scène ne soit pas clairement liée à un épisode biblique précis, elle vise assurément à illustrer la miséricorde du roi, opposée à une justice implacable. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, redoré.

Huile sur toile. École française, milieu du XIXe siècle. La scène, qui se déroule à l'entrée d'une villa au crépuscule, représente la première rencontre entre une jeune et belle femme, accompagnée de son père, et un prétendant présenté par la marieuse vêtue de noir au centre. Ce tableau s'inscrit dans le mouvement pictural historico-littéraire du XIXe siècle, qui mettait en scène des épisodes littéraires dans un registre romantique. Les personnages portent des costumes des XVIe et XVIIe siècles et pourraient être des figures d'un roman célèbre. Par exemple, les vêtements du vieux père rappellent Pantalone, personnage de la Commedia dell'Arte qui tente de contraindre sa fille Rosaura à un mariage de convenance, un thème récurrent en littérature. Le tableau a fait l'objet de restaurations mineures. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Disciple de Carlo Cignani

Huile sur toile. Cette œuvre est l'une des nombreuses versions et répliques contemporaines d'une œuvre de Carlo Cignani, témoignant du succès du sujet. Elle provient probablement de son atelier ou de l'un de ses disciples. L'allégorie de la Charité était l'un des thèmes de prédilection de Carlo Cignani, qu'il a peinte à plusieurs reprises. Elle est toujours représentée comme une femme allaitant, souvent entourée de nombreux enfants, symbole de l'amour inconditionnel qu'elle prodigue. Dans cette représentation, la femme allaite deux enfants plus âgés tout en recouvrant le nouveau-né emmailloté qui dort dans son berceau. La scène, à la fois vivante et sereine, est caractérisée par des gestes naturels, simples et pourtant empreints de tendresse ; l'un des enfants tient deux cerises, symbole d'amour et de douceur. Le tableau porte des traces de restauration et de rentoilage effectués à la fin du XIXe siècle. Le cadre doré, orné de frises, date également de cette époque.

Huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. Le noble, représenté en armure par-dessus un costume civil orné de dentelles et de galons, arbore la prestigieuse distinction de la Croix de l'Ordre de Malte. Le tableau est encore sur sa toile d'origine, mais porte des traces de restaurations anciennes et récentes. Au dos figure un cartouche descriptif illisible. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Copie par Jacopo Palma il Vecchio

Huile sur toile. Le tableau original, fidèle à l'original jusque dans ses dimensions et appartenant à une collection privée, a été exposé en 2022 lors de l'exposition organisée par le Musée Santa Caterina de Trévise. L'œuvre représente la Vierge à l'Enfant au centre, avec deux saints à droite, presque isolés dans une conversation spirituelle. La figure la plus à droite est sainte Catherine, reconnaissable à son symbole de la roue dentée ; à gauche se trouve saint Joseph, représenté avec un visage juvénile, probablement parce qu'il reprend les traits du saint patron. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré, de style d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe siècle. Le tableau représente la Vierge à l'Enfant, tous deux couronnés, tenant une fleur dans sa main, bénissant le spectateur. L'iconographie de la Vierge à l'Enfant couronnée ne s'est répandue qu'à partir du XVIe siècle, bien que le thème de la Vierge en majesté et de son couronnement fût déjà courant auparavant. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre en bois du XVIIIe siècle.

Huile sur toile. La scène est entièrement peuplée de personnages, représentés à mi-corps au premier plan : les trois Rois mages, occupant toute la partie droite, présentent leurs présents à l’Enfant Jésus dans les bras de Marie, à gauche, tandis que la figure de Joseph apparaît à l’arrière-plan, telle une ombre veillant sur la famille et la soutenant. Le tableau porte des traces de restaurations antérieures. Il est présenté dans un cadre d’époque du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École française, seconde moitié du XIXe siècle. Un cachet de cire au dos porte la mention « Atelier Gustave Courbet ». Le célèbre artiste (1819-1877) a souvent représenté des scènes de sous-bois avec des cerfs et leurs faons, mais le tableau présenté ici ne peut lui être attribué. D'un réalisme saisissant, cette œuvre représente une biche et son faon au sein d'un bosquet, la lumière filtrant à travers les branches créant des effets lumineux. Le tableau est présenté dans un beau cadre du XVIIIe siècle, laqué et restauré.

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.