Horloge de table Imhof - Suisse des années 1950

Val Vogna

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos figure une étiquette de l'Exposition universelle de Venise de 1928. Vue de montagne du Val Vogna, petite vallée sauvage de la Valsesia. Formé à l'Académie de Brera auprès de Tallone, l'artiste milanais Lodovico Zambeletti s'est consacré avec succès au paysage, sujet pour lequel il exprimait une sensibilité particulière, tout en peignant également des scènes de genre et des personnages en milieu naturel. Il fut aussi un portraitiste reconnu. La toile présente de légères lacunes picturales et nécessite une restauration. Encadrée.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIIe siècle. Le personnage principal, élégamment vêtu d'une cape rouge, est représenté avec divers objets disposés sur son bureau – livres, compas et autres instruments de dessin – témoignant de son intérêt pour les arts et la culture. Le tableau a été restauré et rentoilé dans le style ancien. Il est présenté dans un cadre contemporain en bois laqué.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord, milieu du XIXe siècle. Dans un paysage champêtre verdoyant, près d'un puits et de son abreuvoir, plusieurs paysans et voyageurs s'arrêtent avec leurs charrettes pour se reposer, s'abreuver et laver leur linge. Restaurée et rentoilée à l'ancienne, la toile présente actuellement des dommages et de légères pertes de matière. Elle est encadrée d'un beau cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française, seconde moitié du XIXe siècle. Un cachet de cire au dos porte la mention « Atelier Gustave Courbet ». Le célèbre artiste (1819-1877) a souvent représenté des scènes de sous-bois avec des cerfs et leurs faons, mais le tableau présenté ici ne peut lui être attribué. D'un réalisme saisissant, cette œuvre représente une biche et son faon au sein d'un bosquet, la lumière filtrant à travers les branches créant des effets lumineux. Le tableau est présenté dans un beau cadre du XVIIIe siècle, laqué et restauré.

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Italie, XVIIIe Siècle

Meuble d'angle baroque en noyer. Porte tripartite vitrée, montants à colonnes, intérieur à cinq étagères. Italie, XVIIIe siècle.

Portrait d'une Dame

Crayons couleurs sur carton. Signé en bas à droite. Piero Galanti, artiste originaire de Brescia, peignait principalement des paysages, des natures mortes et des portraits. Dans ses portraits, Galanti privilégiait des poses solennelles, conformément à la tradition du portrait officiel, et appréciait la préciosité des soies et des velours. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Grande scène pastorale, avec un troupeau de vaches et de moutons s'abreuvant à la rivière, tandis qu'à gauche une bergère indique son chemin à un voyageur ; à l'arrière-plan se dessinent des reliefs rocheux aux tons bleutés. Au dos de la toile est inscrit « École de Domenico Brandi » : le style pictural rappelle en effet celui du peintre paysagiste napolitain (1684-1736), connu pour ses paysages bucoliques animés de figures pastorales. Il pourrait donc s'agir de l'œuvre d'un élève ou d'un disciple. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il présente actuellement des taches. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIe siècle. Ce tableau représente l'épisode évangélique de la rencontre de Jésus avec la Samaritaine au puits où il s'est arrêté pour boire. Cette rencontre initie un dialogue d'une profonde signification théologique, aboutissant à la conversion de la femme. Dans cette représentation, les deux personnages sont placés de part et d'autre du puits, leurs mains presque jointes au-dessus de l'eau, symbole de « l'eau vive, source de toute soif », ou plutôt, du Christ lui-même. La femme regarde l'eau du puits et la désigne du doigt, tandis que Jésus se tourne vers elle, son regard même l'attirant à lui par son amour salvateur. Les deux personnages occupent toute la scène et rayonnent de lumière, les couleurs de leurs vêtements – typiques de la peinture vénitienne – les mettant en valeur. Autour d'eux, un paysage indistinct et ombragé se fond dans le décor, de même que certains disciples de Jésus restent dans l'ombre, en retrait à l'arrière-plan sur la gauche, étrangers au dialogue intime entre les deux protagonistes. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre laqué de la fin du XIXe siècle.

Copie d'Après Titien

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie (beaucoup plus petite) du célèbre portrait peint par Titien en 1545, conservé aujourd'hui à la Galerie Palatine des Offices à Florence. Écrivain et courtisan renommé de l'Italie du XVIe siècle, Aretino vécut d'abord à Rome, à la cour papale, dans les années 1520, puis à Venise, où il acquit une grande renommée pour ses écrits ingénieux et perspicaces. On le craignait également pour sa nature violente et satirique, ainsi que pour ses écrits francs et polémiques, qu'il utilisait pour critiquer même les personnalités les plus illustres et les plus puissantes, ce qui lui valut le surnom de « fléau des princes » de Ludovico Ariosto. Le portrait met en valeur le froncement de sourcils fier et résolu de l'homme, perceptible dans son regard et sa pose. Le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Crayons sur papier marouflé sur toile. Portrait en robe de promenade, le manteau drapé sur les épaules, de la reine Marie-Antoinette de Habsbourg-Lorraine (1755-1793), dernière reine de France avant la Révolution française, connue pour son train de vie fastueux et son destin tragique. L'œuvre est présentée dans un cadre doré du début du XXe siècle, qui porte plusieurs traces d'usure et des manques de stuc (très fragile).

Portrait d'un Garçon

Crayons couleurs sur carton. Signé en haut à droite. Piero Galanti, artiste originaire de Brescia, peignait principalement des paysages, des natures mortes et des portraits. Dans ses portraits, Galanti privilégiait des poses solennelles, conformément à la tradition du portrait officiel, et appréciait la préciosité des soies et des velours. Encadrement d'époque.