Tableau Ancien La Naissance de la Vierge Marie XVIIe Siècle - Copie par Simon Vouet

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Huile sur panneau. École vénitienne, milieu du XVIe siècle. Le Christ crucifié, au centre de la scène, est entouré de quatre saints identifiés par leurs symboles iconographiques : à gauche, saint François et saint Jérôme ; à droite, saint Sébastien et saint Roch. À l’arrière-plan, une vue de ville, probablement Rome, souligne le lien avec l’Église en tant qu’institution. Une étiquette en papier numérotée est apposée au dos (provenant d’une collection privée du XIXe siècle). Le tableau est présenté encadré.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École émilienne, seconde moitié du XVIIe siècle. Rose de Lima, religieuse péruvienne (et actuellement sainte patronne du Pérou) du Tiers-Ordre dominicain, ayant vécu entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, est représentée selon l'iconographie traditionnelle, vêtue de l'habit dominicain, en prière, accueillant l'apparition mystique de l'Enfant Jésus qui, selon la tradition, la prend pour épouse en lui offrant une couronne de roses ; ici, les roses sont déposées sur la pierre devant la jeune fille. Au dos de l'œuvre figure un cartouche identifiant les précédents propriétaires comme étant la famille Bezzo Guazzone, résidant au château de Salabue à Ponzone Monferrato (Alexandrie). Le cartouche mentionne le dépôt du tableau pour une exposition jusqu'au 4 octobre 1926. La toile a été rentoilée. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Trinité

Huile sur toile. L'original, peint en 1592 et exposé dans la chapelle Risaliti de Santa Croce à Florence, connut un immense succès, à tel point que de nombreuses copies furent réalisées, y compris des copies postérieures et non autographes. Cette version du XVIIIe siècle, d'une facture remarquable, est de plus petit format, probablement destinée à la dévotion personnelle dans une chapelle privée. L'œuvre représente la Trinité en gloire : le Père soutient le corps sans vie du Fils, au-dessus duquel plane le Saint-Esprit ; entourés d'anges et d'archanges, et à ses pieds, encore enfouis dans la terre, sont représentés les instruments de torture et de mort sur la croix. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, richement orné de motifs floraux (le décor en haut à gauche est manquant).

Huile sur toile. École vénitienne, milieu du XVIIIe siècle. L'œuvre reflète le style pictural de Marco Ricci (1676-1730), spécialiste des grands paysages, souvent à des fins scénographiques. Elle pourrait être attribuée à l'un de ses élèves. Le vaste paysage, encadré par deux groupes d'arbres presque symétriques, présente une longue chaîne de montagnes à gauche et une large rivière à droite, prenant sa source dans un lac et traversant la campagne. Au premier plan, une lavandière est absorbée par sa tâche tandis que deux cavaliers passent sur le chemin. Le tableau a été restauré et rentoilé au milieu du XXe siècle ; il présente actuellement des lacunes et des taches. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur panneau. École toscane-émilienne, fin XVe-début XVIe siècle. La Vierge est représentée assise sur un trône, tenant l'Enfant dans ses bras et flanquée de deux anges ; les personnages sont placés sous un dais, soulignant leur statut royal. Un monogramme au dos, identifiant probablement l'artiste, est présent. Le panneau présente des lacunes picturales et des dommages au bois. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Gravures. Les noms du graveur et du peintre figurent en bas. La série, réalisée d'après des dessins de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), comprenait quinze estampes et était intitulée « Les Douze Apôtres ou Œuvre peinte par Giambattista Piazzetta (1683-1754), gravée par Marco Pitteri Veneto avec le privilège du Très Excellent Sénat ». Aux onze apôtres (à l'exception du traître Judas) s'ajoutaient le visage de Marie, l'image du Père avec le Saint-Esprit et saint Paul. Cette série ne présente aucune représentation du Christ. Les estampes présentent des taches et des traces d'humidité. Elles sont présentées dans des cadres en bois laqué du XVIIIe siècle avec un verre contemporain.

Huile sur panneau de noyer. Le tableau s'inspire des modèles toscans du début du XVIe siècle (par exemple, le style pictural de Domenico Puligo), mais il s'agit d'une production légèrement ultérieure et d'une main plus faible, typique de la production « périphérique ». Le sujet, absolument traditionnel, représente la Madone allaitant l'Enfant Jésus, encadrée par un rideau ; l'enfant, tétant le sein de sa mère, regarde vers le spectateur, tandis que la mère contemple tendrement son fils. Le monogramme CP figure au dos du panneau, indiquant probablement l'artiste. Le panneau présente plusieurs petites chutes de peinture.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans cette Sainte Famille, la figure centrale est Marie : assise au centre de la scène, elle tourne le visage vers sa gauche, vers Joseph, écoutant avec attention et concentration ce que son compagnon lui lit dans un livre. Pendant ce temps, les bras de la femme enveloppent tendrement d'un linge l'enfant Jésus, qui dort paisiblement dans le berceau, à la droite de sa mère. Le visage de l'Enfant est également illuminé et rayonne de sa lumière vers sa Mère. À l'arrière-plan, un paysage italien. Les personnages paraissent harmonieux et équilibrés dans les mouvements de leurs corps, et l'ensemble de la scène dégage une tranquillité et une sérénité domestique, très terrestres. Le tableau a été rentoilé au début du XXe siècle. Des traces de déchirures et de légères pertes de couleur sont visibles. Il est présenté dans un cadre doré du début du XXe siècle (perte de dorure).