Tableau Ancien Les nymphes Brûlant le Navire de Télémaque '600

Huile sur toile. Le vaste paysage encadre une plaine verdoyante et luxuriante au pied d'affleurements rocheux ; une rivière navigable la traverse en cascade. À gauche, un sentier descend du passage voûté entre deux bâtiments sur la colline en arrière-plan ; deux hommes en costume oriental y cheminent, portant une énorme branche de baies au bout d'un bâton. La scène est représentée au coucher du soleil, le ciel aux teintes rosées rayonnant sur les sommets. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre doré du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie centrale. En bas à droite figurent les initiales SGAV et la date 1747. L'apparition de la Vierge à saint Roch avec l'Enfant Jésus dans les bras est un thème iconographique récurrent dans la dévotion chrétienne. Le saint, reconnaissable à ses attributs iconographiques traditionnels – la tunique courte et le bâton de pèlerin, la plaie de la peste à la cuisse et le chien tenant un morceau de pain dans sa gueule – est partiellement agenouillé en adoration devant les deux figures sacrées qui lui apparaissent d'un tourbillon de nuages ​​dans le ciel. L'apparition symbolise la consécration céleste de sa mission de guérir les malades (en particulier les victimes de la peste) et d'offrir du réconfort aux souffrants par l'intercession de la Vierge et de Jésus. La scène se déroule sur un chemin de campagne, près d'un ruisseau au-delà duquel on aperçoit la ville dont le saint est isolé en raison de la maladie qu'il a contractée. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est monté sur un nouveau châssis tendu.

Huile sur toile. Cette Vierge à l'Enfant est une œuvre unique, tenant son Enfant endormi sur un oreiller. Marie regarde le spectateur, presque comme pour exhiber son Fils, avec une expression grave, consciente de son destin. L'Enfant, en revanche, semble totalement ignorant de cela, encore un enfant, non le Fils de Dieu. Les traits physionomiques des deux figures sont également distinctifs, notamment le visage rond et joufflu de Marie, son nez retroussé, ses yeux ronds et sa silhouette plus ample, qui tranchent avec les représentations plus traditionnelles de la Vierge. En haut à gauche, on distingue quelques lettres d'une inscription qui semblent avoir été tronquées. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe siècle. L'iconographie reconnaît ce personnage comme le saint ermite Onuphre, qui vécut en anachorète dans le désert égyptien au IVe siècle. Il est représenté ici dans un décor rocheux et désolé (typique des peintures célébrant le thème de la pénitence et de l'ascétisme), traditionnellement comme un vieil homme à la longue barbe et aux cheveux blancs, presque entièrement nu (couvert seulement d'un pagne de feuilles), agenouillé, les mains jointes en prière ou dans un geste de profonde imploration, un chapelet accroché à son bras, une croix et un livre ouvert (une Bible) posé sur le rocher à côté de lui – symboles de prière et de méditation. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien remis en place.

Huile sur panneau. École d'Europe du Nord, XVIIIe siècle. La scène, disposée horizontalement, représente le mythe d'Orphée, fils d'Apollon, qui reçut de son père une lyre grâce à laquelle il apprivoisa les animaux sauvages, déplaça les rochers et courba les arbres. Ce récit, connu grâce aux Géorgiques de Virgile et aux Métamorphoses d'Ovide, est un symbole du pouvoir civilisateur de l'art et un sujet récurrent dans l'art européen. Orphée est représenté au centre, assis sur un rocher parmi les arbres, jouant de la lyre. De part et d'autre, de nombreux animaux de races diverses s'approchent de lui, venus de milieux naturels proches et lointains, parmi lesquels des animaux exotiques (un elfe, des lions, un lama, etc.), et, sur le bord droit, une créature fantastique : la licorne. À l'arrière-plan, un cours d'eau bordé d'une ville ; à gauche, sur une colline, un petit temple, probablement dédié au dieu Apollon. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré d'époque.

Huile sur panneau. Le tableau reprend la composition du chef-d'œuvre du Titien (daté de 1510, conservé au Louvre), mais la situe dans un paysage totalement différent et la développe latéralement, en introduisant une chèvre à droite et un faune jouant de la flûte à gauche. De plus, les quatre figures empruntées au Titien sont inversées, probablement parce que l'artiste s'est inspiré d'une gravure. La scène centrale représente deux jeunes hommes assis dans une prairie, jouant de la musique, flanqués d'une jeune femme de dos, tandis qu'une autre puise de l'eau dans un bassin de marbre. Les deux femmes sont nues, à peine couvertes par des manteaux qui glissent, tandis que les deux hommes, conversant, sont vêtus de costumes d'époque. Le sujet se veut une allégorie de la poésie et de la musique, les deux femmes, d'une beauté idéale, apparaissant comme deux apparitions irréelles nées de l'imagination et de l'inspiration des deux jeunes hommes. Le tableau présenté ici porte des traces de restaurations antérieures. On observe actuellement des lacunes et des dommages sur le panneau.

Disciple de Pietro da Cortona

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire de la fresque de Pietro da Cortona ornant un mur de la Sala della Stufa du Palazzo Pitti, faisant partie du cycle des Quatre Âges de l'Homme, lui-même inspiré des Métamorphoses d'Ovide. Des scènes des âges du Bronze et du Fer contrastent l'image d'une société civilisée avec celle de la violence perpétrée en temps de guerre. Comme l'affirme Ovide, la fraude et la tromperie firent leur apparition à l'âge du Fer, et les hommes, non seulement exigèrent que la terre porte ses fruits, mais la creusèrent aussi jusqu'à ses profondeurs. C'est ainsi que furent découverts le fer et l'or, et que la guerre éclata, entraînant avec elle des pillages et des exactions, même contre les plus vulnérables, tels que les personnes âgées, les femmes et les enfants. Cette scène, également connue sous le nom de « Massacre de civils par des soldats », dépeint des scènes dramatiques de violence et d'oppression : au premier plan, un soldat s'apprête à tuer un vieillard sans défense gisant au sol ; à droite, un homme coupe les cheveux d'une jeune mère pour lui prendre ses bijoux, malgré ses supplications. Le tableau porte des traces de restaurations mineures antérieures. Il est encadré.

Huile sur toile. École d'Europe centrale, milieu du XIXe siècle. Au centre de la scène, devant un trône surmonté d'un dais de velours rouge et flanqué d'insignes royaux, un roi règle un différend entre deux groupes d'hommes, représentés par plusieurs dignitaires en civil. Derrière eux, deux drapeaux différents flottent au milieu de la foule ; il s'agit probablement de deux factions politiques de la même ville. La silhouette de la ville en arrière-plan situe la scène dans un contexte d'Europe centrale. La peinture a été appliquée sur un panneau de contreplaqué au début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française, fin du XVIIe siècle. Ce tableau s'inspire d'une œuvre de Nicolas Poussin, réalisée vers 1635 et actuellement prêtée à la National Gallery d'Édimbourg. Cependant, comparée à cette dernière, la nôtre présente de nombreuses variations et est beaucoup plus petite (toute la partie droite de la scène de Poussin, riche en personnages au premier plan et à l'arrière-plan, a été supprimée). Le sujet relate un épisode biblique du Livre de l'Exode : le peuple d'Égypte errait dans le désert du Sinaï, assoiffé ; Dieu ordonna alors à Moïse de prendre son bâton, de rassembler les anciens et de frapper le rocher d'Horeb devant le peuple ; de là jaillit une source d'eau, où tout le peuple put se désaltérer. Le tableau présenté a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Une jeune femme casquée et vêtue d'une cotte de mailles, tenant une hallebarde, est représentée. Au-dessus d'elle, son nom. L'épithète « Amazone » désigne essentiellement une guerrière, mais il n'est fait mention d'aucun personnage nommé Leandra. Par ailleurs, le mythe des guerrières, les Amazones, a connu un grand succès et a inspiré une abondante production artistique et littéraire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. Camilla est un personnage de l'Énéide de Virgile, reine des Volsques : dévouée à Diane, elle est à la fois chasseresse et guerrière. Intrépide et courageuse, elle déploie toute sa beauté extraordinaire. Elle était considérée comme la reine des Amazones, ces figures étant les guerrières par excellence. Le personnage de Virgile connut un long succès littéraire et artistique. Ici, la femme est représentée en armure du XVIIe siècle, prête à dégainer son épée, alors que dans la mythologie, Camilla combattait à l'arc. Son nom est inscrit en haut du tableau. La toile a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Marie et Jésus sont représentés dans une pose d'une grande intimité, dans un jeu d'étreintes et de regards. Le visage de Jésus, tourné vers le spectateur, exprime la joie d'un enfant dans les bras de sa mère, plutôt que la projection du Christ vers son destin. Seule la petite pomme que l'enfant tient dans sa main, presque dissimulée, évoque son rôle de rédempteur. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre d'époque.