Tableau Ancien Concert Huile sur Panneau Italie du XVIIIe Siècle

Disciple de Pietro da Cortona

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire de la fresque de Pietro da Cortona ornant un mur de la Sala della Stufa du Palazzo Pitti, faisant partie du cycle des Quatre Âges de l'Homme, lui-même inspiré des Métamorphoses d'Ovide. Des scènes des âges du Bronze et du Fer contrastent l'image d'une société civilisée avec celle de la violence perpétrée en temps de guerre. Comme l'affirme Ovide, la fraude et la tromperie firent leur apparition à l'âge du Fer, et les hommes, non seulement exigèrent que la terre porte ses fruits, mais la creusèrent aussi jusqu'à ses profondeurs. C'est ainsi que furent découverts le fer et l'or, et que la guerre éclata, entraînant avec elle des pillages et des exactions, même contre les plus vulnérables, tels que les personnes âgées, les femmes et les enfants. Cette scène, également connue sous le nom de « Massacre de civils par des soldats », dépeint des scènes dramatiques de violence et d'oppression : au premier plan, un soldat s'apprête à tuer un vieillard sans défense gisant au sol ; à droite, un homme coupe les cheveux d'une jeune mère pour lui prendre ses bijoux, malgré ses supplications. Le tableau porte des traces de restaurations mineures antérieures. Il est encadré.

Huile sur toile. La scène représente une supplique de clémence adressée au roi : un homme implore sa grâce pour un jeune homme sur le point d'être décapité par deux serviteurs ; curieusement, une tête couronnée gît aux pieds du roi. La scène se déroule dans un camp près d'une ville, en présence de plusieurs soldats. Les deux prisonniers sont vêtus en civil, tout comme les serviteurs qui brandissent leurs épées au-dessus d'eux. Bien que la scène ne soit pas clairement liée à un épisode biblique précis, elle vise assurément à illustrer la miséricorde du roi, opposée à une justice implacable. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, redoré.

Huile sur toile. École française, fin du XVIIe siècle. Ce tableau s'inspire d'une œuvre de Nicolas Poussin, réalisée vers 1635 et actuellement prêtée à la National Gallery d'Édimbourg. Cependant, comparée à cette dernière, la nôtre présente de nombreuses variations et est beaucoup plus petite (toute la partie droite de la scène de Poussin, riche en personnages au premier plan et à l'arrière-plan, a été supprimée). Le sujet relate un épisode biblique du Livre de l'Exode : le peuple d'Égypte errait dans le désert du Sinaï, assoiffé ; Dieu ordonna alors à Moïse de prendre son bâton, de rassembler les anciens et de frapper le rocher d'Horeb devant le peuple ; de là jaillit une source d'eau, où tout le peuple put se désaltérer. Le tableau présenté a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Une jeune femme casquée et vêtue d'une cotte de mailles, tenant une hallebarde, est représentée. Au-dessus d'elle, son nom. L'épithète « Amazone » désigne essentiellement une guerrière, mais il n'est fait mention d'aucun personnage nommé Leandra. Par ailleurs, le mythe des guerrières, les Amazones, a connu un grand succès et a inspiré une abondante production artistique et littéraire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. Camilla est un personnage de l'Énéide de Virgile, reine des Volsques : dévouée à Diane, elle est à la fois chasseresse et guerrière. Intrépide et courageuse, elle déploie toute sa beauté extraordinaire. Elle était considérée comme la reine des Amazones, ces figures étant les guerrières par excellence. Le personnage de Virgile connut un long succès littéraire et artistique. Ici, la femme est représentée en armure du XVIIe siècle, prête à dégainer son épée, alors que dans la mythologie, Camilla combattait à l'arc. Son nom est inscrit en haut du tableau. La toile a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École hollandaise, XVIIIe siècle. Dans cette scène dramatique, trois voiliers sont à la merci d'une mer déchaînée ; deux d'entre eux arborent le pavillon néerlandais, tandis que le troisième, plus petit, presque une barque, arbore un autre pavillon. Le ciel et la mer gris et orageux forment un fond uniformément sombre, avec un mince rayon de lumière à droite, filtrant à travers une trouée dans les nuages. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIe siècle. Ce tableau, autrefois attribué à Scipione Compagno (1624-1680), s'inscrit dans son style pictural (caractéristique de l'imagerie narrative propre à la culture napolitaine du XVIIe siècle). Il représente des scènes et des événements foisonnant de personnages, de paysages et de vues, dans une palette de bruns et de beiges, rehaussée de touches de couleur qui mettent en valeur les personnages principaux. La scène, foisonnante de figures, montre au premier plan l'armée égyptienne submergée par les eaux de la mer Rouge, tandis qu'à l'arrière-plan, sur le rivage, les Israélites, désormais sains et saufs, observent la scène et célèbrent l'événement par des chants et des danses. Au centre, plus loin, Moïse se tient debout, levant le bras avec son bâton, dans le geste qui évoque le miracle de la séparation des eaux. Le tableau a été restauré. Il présente actuellement une légère perte de couleur sur la gauche. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Copie par Jacopo Palma il Vecchio

Huile sur toile. Le tableau original, fidèle à l'original jusque dans ses dimensions et appartenant à une collection privée, a été exposé en 2022 lors de l'exposition organisée par le Musée Santa Caterina de Trévise. L'œuvre représente la Vierge à l'Enfant au centre, avec deux saints à droite, presque isolés dans une conversation spirituelle. La figure la plus à droite est sainte Catherine, reconnaissable à son symbole de la roue dentée ; à gauche se trouve saint Joseph, représenté avec un visage juvénile, probablement parce qu'il reprend les traits du saint patron. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre doré, de style d'époque.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord, XIXe siècle. Ce tableau est une reproduction d'une œuvre de 1662 de Jan Siberechts (1627-1703), conservée aux Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles. Le peintre flamand s'est fait connaître pour ses scènes de la vie rurale, animées par des personnages paysans vaquant à leurs occupations quotidiennes, notamment des figures féminines robustes vêtues de couleurs vives. Ces caractéristiques se retrouvent dans cette reproduction, où, dans la cour d'une ferme en pleine campagne, toute la famille s'affaire à diverses tâches : à gauche, l'homme décharge des fagots de bois de la charrette, qu'une femme porte vers la maison ; à droite, le garçon ouvre l'étable pour mener le troupeau de chèvres et de moutons au pâturage ; au centre, trois femmes robustes, dont deux observent la troisième, occupée à… désinfecter une petite fille ! Les couleurs des vêtements des personnages contrastent vivement avec les tons bruns et sombres de l'arrière-plan (la maison et la campagne), dominé par un ciel lui aussi sombre et chargé de nuages ​​gris. Le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.