Miroir Vintage Bois Laqué Verre Design Italie Années 1970

Huile sur toile. Signée en bas à droite « J. Dupont da Velzquez ». Il s'agit d'une copie du célèbre chef-d'œuvre de Diego Velázquez, peint vers 1657 et conservé au musée du Prado. Jusqu'au milieu du XXe siècle, le tableau était intitulé « La Fabrique de tapisseries de Santa Isabel à Madrid » : ce n'est qu'en 1948 que les études de l'historien et critique d'art Diego Angulo Íñiguez ont établi un lien entre l'œuvre et le mythe grec antique d'Arachné. Au premier plan, plusieurs fileuses travaillent dans une pièce nue, faiblement éclairée par une douce lumière réfléchie par le fond. Cinq femmes sont représentées : à gauche, dans la pénombre, la fileuse la plus âgée actionne le dévidoir ; devant elle, à droite, en pleine lumière, une jeune fille enroule le fil sur le dévidoir. Elles incarnent respectivement Athéna, encore dissimulée sous un faux visage, et Arachné, l'humaine, lors de leur duel. Les trois autres femmes ne sont que des éléments du décor. Au centre, une simple silhouette statique. À l'arrière-plan, au centre, illuminée par un puissant rayon de lumière venant de la gauche et animée par les couleurs vives de la tapisserie et des robes, se trouve la scène de la révélation de la déesse à la femme. Comparée à l'original, cette copie, tout en étant fidèle aux figures et aux détails représentés, est peinte avec des coups de pinceau plus nuancés et des contours moins nets, ainsi que des couleurs moins éclatantes. L'œuvre est présentée encadrée.

Huile sur toile. La scène représente un épisode du roman du XVIIe siècle « Les Aventures de Télémaque » de François Fénelon, publié en 1699. Dans ce récit, Télémaque (fils d'Ulysse), à ​​la recherche de son père accompagné de Mentor (qui se déguise en déesse Athéna), fait naufrage sur l'île de Calypso et tombe amoureux d'une nymphe. Pour empêcher Télémaque de quitter l'île et d'abandonner la jeune fille, la déesse Calypso, qui les a recueillis, ordonne à ses nymphes d'incendier le navire sur lequel Télémaque et Mentor sont arrivés. Sur le tableau présenté, au premier plan à gauche, Mentor exhorte le jeune Télémaque à se détourner, tandis que celui-ci contemple encore la jeune fille debout sur le chemin à droite ; pendant ce temps, les autres nymphes mettent le feu à l'embarcation échouée sur le rivage avec leurs torches. La toile, rentoilée antérieurement, présente plusieurs manques de peinture. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Lampe à suspension modèle 'Sonora' conçue par Vico Magistretti en 1976. Petite version à lumière directe et diffuse, avec diffuseur en métal.

Table de milieu vintage avec plateau carré.

Buffet avec tiroirs inférieurs et bureau rabattable en partie supérieure. Bois plaqué chêne.

Production Frigerio, Desio

Paire de chaises avec accoudoirs, en hêtre teinté, assise et dossier rembourrés et revêtement en daim. En bon état.

Taille M

Costume de De Parisini en coton bleu imprimé framboise. La veste a des manches courtes et la jupe est évasée. La taille est M (44/46 italien). La jupe mesure 70 cm de longueur et 75 cm de taille ; la veste, à manches courtes, a une longueur de 65 cm, une poitrine de 98 cm et des épaules de 41 cm.

Sans Titre

Technique mixte sur carton. Signée en bas à droite. L'œuvre est accompagnée d'un certificat photographique signé par l'artiste. Ce tableau de Kodra, peintre albanais formé en Italie et installé à Milan, propose une interprétation personnelle et onirique du cubisme, et plus particulièrement de sa seconde phase, le cubisme synthétique. Ce dernier se caractérise par la juxtaposition ou la superposition de différentes parties d'une représentation, souvent à l'aide de techniques singulières telles que le collage et le papier collé. L'œuvre représente un couple se tenant la main, un sujet que l'artiste a fréquemment traité sous les titres « Le Couple » ou « Les Époux ». Les figures se distinguent par la décomposition du corps humain et des objets en plans géométriques et segments de couleurs distinctes. Kodra utilisait une palette simple mais intense, souvent dominée par des tons terreux, des ocres, des rouges et des noirs, évoquant les couleurs méditerranéennes. Au dos de la toile figure le cachet de la Galleria d'Arte Contemporanea G. Orio, Via Brera, Milan. Encadrée.

Lustre vintage en verre de Murano transparent avec inserts orange et détails en laiton. En bon état.

Huile sur toile. École italienne du XVIIIe siècle. La Vierge aux mains jointes et au visage incliné rappelle les modèles du XVIIe siècle de Sassoferrato. Par cette figure, rassemblée dans une pose de dévotion calme et silencieuse, présentée seule et sans arrière-plan, il proposait un nouveau modèle de dévotion, en accord avec l'approche de la foi prônée par les réformateurs de l'Église catholique romaine, qui encourageaient la contemplation individuelle. Le tableau a été rentoilé.

Huile sur toile. Cette Vierge à l'Enfant est une œuvre unique, tenant son Enfant endormi sur un oreiller. Marie regarde le spectateur, presque comme pour exhiber son Fils, avec une expression grave, consciente de son destin. L'Enfant, en revanche, semble totalement ignorant de cela, encore un enfant, non le Fils de Dieu. Les traits physionomiques des deux figures sont également distinctifs, notamment le visage rond et joufflu de Marie, son nez retroussé, ses yeux ronds et sa silhouette plus ample, qui tranchent avec les représentations plus traditionnelles de la Vierge. En haut à gauche, on distingue quelques lettres d'une inscription qui semblent avoir été tronquées. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Figure Masculine

Huile sur toile. Le style pictural et le sujet de cette œuvre rappellent ceux de Giacomo Francesco Cipper, dit Todeschini, artiste d'origine autrichienne installé à Milan. Spécialisé dans les scènes de marché, les concerts en plein air, les joueurs de cartes et les scènes de la vie quotidienne, il les rendait avec une caricature espiègle et une recherche de l'effet comique. Cette œuvre, par exemple, représente un homme du peuple croquant dans une cuisse de poulet : malgré la pauvreté manifeste dans ses vêtements, il paraît gai et enjoué, incarnant non pas le désespoir, mais la vitalité et la joie de vivre, même dans la misère. Les personnages de Cipper, bien qu'humbles, se caractérisent par une impertinence, perceptible dans leur regard fixé sur le spectateur, qui attire son attention. La toile a été marouflée sur carton à la fin du XIXe siècle, restaurée et encadrée d'un passepoil doré. Elle nécessite actuellement un nettoyage.