Tableau Ancien Vièrge Marie avec Enfant Huile sur Toile XVIIIe Siècle

Nativité

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau provient de la collection familiale historique du comte Castracane, comme l'atteste le reçu original autographié de Francesco Bassano (joint à l'œuvre) qui stipule : « Votre très illustre comte Castracane. Réception de la somme de cinq cents ducats pour le tableau de ma main représentant la Nativitas Domini Nostri, comme vous l'aviez commandé. Votre dévoué et obéissant serviteur Franciscus da Ponte de Bassano. Le 12 décembre 1589. » Au dos du cadre, il y a également une étiquette d'inventaire en haut et la mention «proprietà Castracane» en bas. Le comte Castracane susmentionné appartient à la famille noble des Castracani degli Altelminelli de Fano, d'origine lucquoise. Francesco Dal Ponte da Bassano, dit le Jeune, travailla pendant de nombreuses années dans l'important atelier de son père Jacopo, dit Bassano l'Ancien, avant de s'installer à Venise en 1578 où il ouvrit son propre atelier personnel, tout en continuant à collaborer avec l'atelier de Bassano, qui était entre-temps dirigé par son frère Leandro après la mort de leur père ; Vers la fin des années 1580, cependant, une crise se manifeste chez Francesco qui se reflète également dans sa production allégorique : dans une approche progressive du goût de son frère Léandro, la couleur devient plus claire et perd de sa force, les formes se dilatent et se simplifient, la composition se fragmente. La production de la famille Bassano se distingue surtout par des sujets sacrés, insérés toutefois dans des contextes ruraux, ce qui conduit à les définir comme biblico-pastoraux. Même dans ce tableau, la Sainte Famille ne caractérise pas la centralité de la scène, mais elle est l'un des deux groupes de figures très humaines qui occupent la partie droite de la scène, tandis qu'à gauche se détache le groupe de bergers avec les animaux de la campagne et les objets simples de la vie quotidienne. Le contexte rural est bien défini également par les objets environnants, même si la cabane de naissance est remplacée par une structure architecturale avec des colonnes en marbre, mais d'une couleur qui se fond avec les autres structures environnantes. Les seuls éléments spirituels sont l'ange - solitaire ! - qui apparaît aux bergers pour faire l'annonce, relégué au sommet, petit et à peine visible ; et le halo qui entoure la tête de l'Enfant Jésus, représenté paisiblement endormi, inconscient de ce qui se passe autour de lui et de ce qui l'attend. La production de l'atelier de son père à Bassano se caractérise par la richesse et la vivacité des couleurs et par les contrastes lumineux, qui s'atténuent cependant chez Francesco, se traduisant par des choix chromatiques plus ténus et des formes simplifiées, perdant une partie de leur force. Cela se voit également dans cette œuvre, qui remonte aux dernières années de la vie de l'artiste, notamment dans les vêtements des personnages ; Notez en particulier comment la robe de Marie n'est plus rouge comme le veut la tradition, une couleur fortement symbolique de la douleur humaine, mais est de la même nuance rose que la tunique centrale du berger, presque comme pour souligner l'appartenance de la Madone à l'humanité humble et simple. De plus, dans sa dernière période, Francesco Bassano, en raison de sa santé compromise par une grave hypocondrie (il se suicida en 1592), reçut des commandes d'œuvres qui ne furent exécutées que partiellement par lui, mais déléguées au moins partiellement à ses assistants. Cela indique que l'œuvre a été commandée par lui et provient de son atelier, comme l'indique sa déclaration autographe, mais n'a probablement pas été créée directement par le maître, mais plutôt par l'un de ses collaborateurs. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien en bois de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle.

Huile sur panneau en bois. École centrale italienne de la seconde moitié du XVIe siècle. La scène sacrée de l'Annonciation voit les deux personnages protagonistes placés au premier plan dans un intérieur qui correspond à la chambre de Marie. La jeune femme est assise devant un petit bureau en bois, soutenu par des figures d'anges, sur lequel reposent le livre de prières et un vase à petites fleurs ; à ses pieds, le panier à couture. Le corps de Marie est partiellement tourné vers l'arrière, dans un mouvement tordu, presque comme si elle cherchait à s'échapper, comme si elle voulait s'éloigner de l'autre figure, celle de l'Archange Gabriel. Il se tient à droite, majestueux et élégant, une main tenant un lys et l'autre pointée vers le haut au-dessus de lui, là où la colombe blanche, symbole du Saint-Esprit, émerge d'une trouée de lumière. Au fond, de hautes colonnes à tentures surmontent la plateforme sur laquelle repose le lit de Marie. La composition fait référence, dans le style figuratif et dans les choix chromatiques, à la peinture déjà maniériste des écoles de l'Italie centrale : il y a notamment une forte concordance de style et de composition avec certaines œuvres du même sujet du peintre Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525-1530 / 1602), qui vécut et travailla à Pistoia vers 1540. C'est dans cette ville que se trouvent certaines de ses Annonciations : en particulier celle de l'église de Santa Maria delle Grazie (un retable de plus de deux mètres de hauteur), présente de nettes similitudes au niveau formel et compositionnel avec celle présentée ici. . Il y a concordance dans le décor de la scène sacrée : une chambre, au fond de laquelle se trouve un rideau qui recouvre partiellement un lit, meublée des éléments indispensables au récit, le pupitre et le fauteuil richement décorés de cariatides d'angelots ou d'anges. qui semblent sculptés dans le bois. Le schéma de composition correspond, bien qu'avec de légères variations, aux deux figures disposées "en frise" sur la même surface de pose, et les traits somatiques de la Vierge et de l'Archange correspondent également. Cependant, le sol diffère, qui, bien qu'il soit homogène dans notre tableau, dans celui de Pistoia se présente avec une alternance de couleurs en damier, mais il semble que ce dessin du sol ait été ajouté plus tard, à l'occasion de la reconstruction de l'autel en 1637 -1639, en pendant avec celui d'une autre œuvre du même Sebastiano Vini dans la même église, une Conversation Sacrée. Il semble donc assez certain que notre panneau a été peint d'après l'œuvre de Bastiano Veronese, probablement à la demande expresse du client, et avant le changement du sol, remontant donc à la seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau a fait l'objet d'une restauration, avec application de deux renforts au dos du panneau. Il est présenté dans un décor de la fin du XIXème siècle. (Référence pour le retable de Pistoia : Catalogue du patrimoine culturel https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. La grande composition présente divers aliments sur une table de cuisine : à gauche, un grand panier en osier rempli de légumes, surmonté d'un groupe de poissons suspendus ; d'autres légumes sont placés sur le plateau de la table, à côté d'une assiette de cerises, l'un avec une miche de pain, et plus loin un autre avec des crevettes ; à droite, un vase rempli de fleurs multicolores et, assis sur le haut d'une armoire, un chat noir qui se lèche tranquillement la patte. La netteté des couleurs ressort, renforcée par les reflets de la lumière sur certains aliments, comme les cerises ou les crevettes, et sur la cruche en cuivre devant les fleurs. Le tableau, restauré et retouché, est présenté dans un cadre en lattis.

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École française, milieu du XVIIIe siècle. L'œuvre s'inspire d'autres modèles du rococo français, tels que ceux de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), peintre réputé pour son style léger, sensuel et raffiné, ou encore ceux de Jean Antoine Watteau (1684-1721), célèbre pour avoir inventé le genre des galantes, ces scènes idylliques et théâtrales se déroulant dans des parcs luxuriants, où l'aristocratie se divertit par la cour, la musique et la conversation. Telle est la scène représentée ici : dans un parc, une dame, accompagnée de sa servante tenant son ombrelle, écoute la musique jouée à la flûte par un jeune homme, tandis que deux serviteurs espiègles l'observent en cachette derrière un arbre. Vive, colorée et pleine de vitalité, la peinture est agréable et décorative. Toujours sur sa toile d'origine, elle porte des traces de légères restaurations antérieures. Encadrée au début du XXe siècle.

Huile sur toile. Au premier plan, les ruines d'un grand édifice de style classique aux imposantes colonnes occupent le devant de la scène. À l'arrière-plan, de l'autre côté d'un ruisseau, se dresse un petit château avec un pont, baigné de teintes bleu-blanc qui relient l'eau au ciel. Sur le devant de la toile, le tableau porte des traces de restaurations antérieures. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle, redoré.

Huile sur toile. École italienne, fin du XVIIIe siècle. Portrait d'un prélat en soutane, posant devant le rideau qui dissimule les colonnes cannelées de son lieu de culte. Les traits du visage sont finement détaillés. Le tableau a été rentoilé. Il présente une petite lacune de peinture dans l'angle supérieur droit. Encadré à la fin du XIXe siècle (à restaurer).

Huile sur toile. École italienne du XVIIIe siècle. Dans un paysage vallonné et luxuriant, se dressent les murs crénelés d'un édifice surplombant un étang ; plusieurs femmes s'y baignent, tandis qu'un jeune homme pêche. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle ; il présente actuellement une légère lacune picturale dans l'angle supérieur droit. Encadré dans un cadre doré du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Marie est représentée ici debout, en adoration devant son petit Fils, couché à même le sol sur un coussin. Tous deux sont couronnés, symbole de leur royauté. Marie est vêtue de blanc et d'un manteau bleu, sa tête entourée de douze étoiles, et un croissant de lune se devine à ses pieds : ces signes correspondent à sa représentation de l'Immaculée Conception. Cette représentation rappelle ainsi le double rôle de Marie : préservée du péché originel dès le premier instant de sa conception et Reine du Ciel, elle adore son Fils, se mettant au service de son œuvre de salut. Le tableau a subi une restauration ancienne, assez grossière au niveau du visage de Marie, et a été rentoilé. Présenté encadré sur un îlot.

Huile sur toile. École d'Europe centrale, début du XXe siècle. Dans le style du XVIIIe siècle, le tableau représente un tronçon de littoral où plusieurs épaves se sont échouées ; certains personnages mettent le feu à l'une d'elles, d'autres l'observent depuis le rivage. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.