Tableau de Sinibaldo Scorza attribué à  - Lapins et oiseaux vivants avec gibier

Huile sur toile marouflée sur panneau. École d'Italie du Nord, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Marie est représentée en méditation, le visage baissé, les yeux presque clos, absorbée dans la prière. L'absence d'auréole souligne son humanité. Des traces de restaurations antérieures sont visibles. L'œuvre est présentée dans un cadre ancien en bois.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israéliens (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que la population israélienne ne devienne trop nombreuse et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène se déroule au bord d'un fleuve mais dans un paysage qui n'est pas oriental, avec des structures architecturales sur la droite : de nombreux personnages représentent la suite de la princesse, placée au centre avec l'enfant dans le panier. La toile restaurée a été appliquée sur un châssis moderne. Présenté dans un cadre du XIXe siècle.

Huile sur table. Ecole nord-européenne du XVIIe siècle. La scène représente un épisode de la vie de Scipion raconté par Tito Livio et Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, plus tard connu sous le nom de Scipion l'Africain, en 209 av. pendant la campagne d'Espagne, après la prise de Carthagène, il reçut en cadeau personnel une belle vierge, qui faisait partie du groupe d'otages. Mais lui, écoutant les supplications de sa famille, la respecta en la renvoyant chez ses parents et son fiancé, avec pour seule recommandation que son fiancé œuvre pour la paix entre Rome et Carthage. Dans la représentation Scipion est au centre, assis sur son trône, et se tourne vers la gauche, vers les parents suppliants de la jeune fille, tandis que d'un geste miséricordieux, il leur fait signe de reprendre sa fille, debout à droite, flanquée par son petit ami. Tout autour, soldats et partisans du roi. La scène est pleine de figures, lumineuses et colorées, et souligne la positivité du roi, un personnage central et puissant, mais capable de douceur et de clémence. La peinture restaurée a été renforcée au dos par des bandes de bois. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture sur émail sur cuivre de la célèbre manufacture de Limoges, représentant l'épisode biblique de la multiplication des pains et des poissons. Au centre de la scène, Jésus, assis et entouré de ses disciples, reçoit du pain et du poisson des mains d'un jeune homme dans la foule, afin de nourrir l'assemblée venue l'écouter. L'œuvre est montée sur un support en tissu et encadrée dans le style d'époque.

Salomon Adore de Faux Dieux

Huile sur toile représentant une scène biblique du Premier Livre des Rois, montrant le roi Salomon en proie à l'idolâtrie dans un temple. Le souverain, influencé par ses nombreuses épouses et concubines, dont certaines étrangères, est dépeint à un âge avancé, déposant sa couronne et son sceptre, gardé par deux femmes, pour s'agenouiller devant une statue païenne, figurée par un corps humain et une tête d'âne, évoquant le dieu égyptien Seth. L'œuvre est animée par les nombreuses figures féminines entourant Salomon et par une palette de couleurs vibrantes qui mettent en valeur la richesse des détails des vêtements et des bijoux, ainsi que la pompe de la scène. Placé au centre, en bas, un petit chien (symbole iconographique de fidélité et d'amitié) observe la scène avec une expression mélancolique, symbolisant la perte de la fidélité divine. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.