La Vendeuse d'Herbes

Huile sur toile. Afrique de l'Ouest. Cette peinture de style naïf représente une femme vendant des herbes médicinales, tenant une pancarte indiquant les maux qu'elle soigne. Ce type d'œuvre, souvent utilisé comme publicité pour les étals de marché, fait référence aux valeurs traditionnelles africaines de maternité, de fertilité et de prospérité, transposées dans un contexte culturel contemporain.

Chiffres au bar

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Un certificat d'authenticité signé figure au dos. Influencé par l'expressionnisme durant ses années parisiennes, Fantuzzi accorde une grande importance à l'expression des émotions et des ambiances dans ses œuvres. La couleur domine ses toiles, généralement dans des tons froids de bleu, de vert et de violet, créant parfois des contrastes saisissants. Les thèmes principaux de Fantuzzi sont la solitude de la métropole et la difficulté de communiquer dans les relations interpersonnelles ; il peint souvent des figures indistinctes et des visages sans yeux. Encadrée.

Sans Titre, 1992

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le cachet de l'artiste, portant la signature et la date de l'œuvre, figure au verso. Luca Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a atteint une maturité linguistique affirmée et occupe une place de premier plan sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux insolites tels que l'acétate, le PVC et, plus récemment, des décors de théâtre du XIXe siècle, sur lesquels il peint des formes puisées dans sa mémoire personnelle et influencées par diverses cultures et périodes historiques. L'écriture est un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni : signe auto-signifiant qui structure l'œuvre et exprime des pensées, elle construit ses images par superposition, en ajoutant ou en soustrayant de la couleur sur différents supports. Encadré.

Sole Produttore

Sérigraphie sur plaque de métal. Signée en bas à droite, titrée en bas. Édition 446/500. Le soleil est un thème cher à Giò Pomodoro depuis les années 1950, un thème qu'il n'a jamais abandonné, le développant particulièrement à partir de la seconde moitié des années 1970 jusqu'à quelques années avant sa mort, en 2000, date à laquelle il a fait don d'un soleil monumental en marbre blanc à la ville de Gênes, situé à l'entrée du port, sur le Ponte dei Mille. Le Soleil Créateur est une représentation métaphorique de l'exploitation équitable par la société de la puissance génératrice du soleil. Passionné d'astronomie, de géométrie et de poésie, Giò Pomodoro a toujours été fasciné par le potentiel vital et symbolique de l'image de l'astre. Dans ces œuvres, l'artiste le représente par une forme circulaire stylisée, brisée pour accentuer le potentiel des formes géométriques élémentaires (le cercle, le carré, le triangle) à s'ouvrir à différentes tensions dynamiques. Autour de ces formes de base, Pomodoro insère ensuite des écrits composés de mots qui font référence à des concepts référentiels, tels que réel, possible, collectif — dans ce cas : « Il bouge, tourne, construit une récolte commune » — combinés à d'autres formes inscrites qui indiquent des structures physiques, telles que la charnière, la roue et la graine.

Taureau

Aquarelle et fusain sur papier. Signée en bas à droite. L'œuvre est accompagnée d'un certificat photographique de la Fondation du Musée Luciano Minguzzi. Sculpteur, graveur et médailleur, Minguzzi a également réalisé de nombreux dessins, souvent des esquisses pour des sculptures. Ce dessin est présenté dans un cadre.

Esquisses pour Aida

Technique mixte sur papier. Sept croquis signés et datés, et, en haut, une reproduction de la signature de l'artiste. Il s'agit d'œuvres du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néo-figuratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Provient d'une collection privée milanaise. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable. Une série de sept croquis signés et datés de cette œuvre est présentée ici. Encadrée.

Multiplo in Feltro 1974

Collage de fragments de feutre sur panneau. Signé et daté au dos, portant le numéro de série 28/75. Dorazio peint des tableaux abstraits et géométriques, développant diverses formes au fil des ans : après une première production d'œuvres monochromes, il introduit la couleur au début des années 1960, créant des compositions géométriques sur de grands motifs libres, avec des couches de couleurs plates. À partir de la seconde moitié des années 1960, il travaille sur des situations formelles dynamiques, encadrées par des grilles horizontales ; à partir des années 1970, il épaissit la texture avec des lignes de couleur et de trait minimales, toujours horizontales, utilisant divers matériaux. Encadré.

L'Homme dans la Cuisine

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le célèbre scénographe, peintre et illustrateur russe Nicola Benois, qui fut scénographe en chef du Teatro alla Scala de Milan à partir de 1935, a contribué en 1977 à l'illustration du livre de Francesco de'Rogati, « La cucina dell' uomo solo » (SM editore, 1977). Ce dessin original, qui a ensuite servi di'llustration au texte, est imprimé en format réduit. Encadré.

Esquisses de Costumes pour « Aida » 1974

Fusain sur papier. Signé et daté en bas à droite, avec le nom du modèle (pour Amneris). Accompagné d'un certificat photographique du Catalogue général et des Archives des œuvres de l'artiste. Cette œuvre est l'œuvre du célèbre peintre italien Remo Brindisi, dont la peinture, fondée sur une approche descriptive et réaliste dans ses premières œuvres, a ajouté des nuances expressionnistes dans ses œuvres ultérieures, donnant naissance à son propre langage néofiguratif. Son œuvre est toujours imprégnée d'intentions sociales et politiques. Brindisi a également travaillé comme sculpteur, illustrateur, écrivain, scénographe et commissaire d'exposition. Sa collaboration aux décors et costumes grandioses de la production d'Aïda aux Arènes de Vérone en 1974 est particulièrement remarquable ; une esquisse pour la princesse Amneris est présentée ici. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Composition, 1933

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Au dos se trouve une étiquette partielle de la Galerie Pesaro de Milan. L'œuvre appartient à la première période de l'artiste français ORAZI (nom qu'il a voulu écrit en majuscules), période encore liée à la peinture figurative, influencée par les avant-gardes historiques, notamment par le post-impressionnisme ; déjà dans cette première phase, la recherche sur la couleur occupe une place prépondérante dans la représentation des personnages et des objets. Dans cette composition, les couleurs rouge et bleue des livres, de l'étiquette de la bouteille et de la plume se détachent sur les couleurs douces et homogènes des autres objets, parmi lesquels le masque de pierre domine l'hémichamp gauche. L'œuvre provient de la famille d'origine de l'artiste. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Scène avec Figures, 1950 ca.

Huile sur toile. Elle appartient à un groupe d'œuvres appelé Jeux de Symboles, réalisé de 1945 à 1950 environ, dans lequel la peinture d'ORAZI s'oriente vers la production de la Peinture du Mouvement, caractérisée par le travail sur les effets dynamiques du corps humain (et des animaux) en mouvement, soulignés par la force de la couleur. La couleur domine cette scène, une couleur forte, acide, vive, qui dessine des figures humaines et animales presque géométriques, aux contours marqués et nets, dans lesquels deux groupes ethniques différents semblent se reconnaître en comparaison. La toile présente de petites pertes de couleur. PR provient de la collection familiale de l'artiste.

Le portrait au châle d'une femme mexicaine vers 1950

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Le peintre français ORAZI séjourne au Mexique en 1955 puis en 1956-57, un monde exceptionnellement attractif pour les intellectuels et les artistes de l'époque. Les paysages naturels, les coutumes et les traditions de la population locale sont les thèmes qui convergent dans la série de tableaux intitulée Peintures sur le Mexique, paysages, compositions et portraits sans céder au goût de l'exotisme, avec un travail extrêmement soigné sur la couleur pour représenter, sans descriptivisme, les éléments de la nature et les figures d'hommes et de femmes, déjà projetées vers l'abstraction. Cette série picturale, composée de 35 pièces, fut ensuite exposée en 1957, à son retour en France, à la Galerie Vendôme à Paris. Le tableau provient de la collection privée de la famille de l'artiste.

Plaque de cuivre brunie et travaillée, avec des décorations ponctuelles plus claires, des gaufrages et des trous, montée sur un panneau de contreplaqué teinté rouge.

Panneau en cuivre et laiton, travaillé de figures géométriques irrégulières. Inspiré des œuvres du sculpteur et peintre Lino Bersani (Gênes 1935). Monté sur panneau en bois laqué blanc.

Serrure indiscrète 2019

Technique mixte : travail sur plexiglas avec empiècements en tissu et finition à l'huile. Signé et daté au dos. L'artiste dit de lui - même: « Il est le grand amour pour l' art qui m'a poussé à matérialiser les émotions et les visions coloristes qui ont toujours vécu dans mon imagination vive suggestions qui découlent de diverses influences picturales que j'ai revisité dans une interprétation personnelle. ».