Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israélites (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que le peuple israélite ne devienne trop nombreux et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène, qui se déroule le long du fleuve, est entièrement occupée par les figures féminines de la suite princière, serrées les unes contre les autres et projetées vers le coin inférieur droit où se trouve le panier avec le nouveau-né. Tous les regards sont également tournés vers l'enfant, dans la direction indiquée par le bras tendu de la femme au premier plan à droite. La rondeur des formes féminines ressort, en particulier celle des trois personnages du premier plan, où les jeux d'ombre et de lumière font ressortir les carnations émergeant des vêtements. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre.

Saint Sébastien

Sculpture de la fin du XVIIe siècle représentant saint Sébastien attaché à un arbre et transpercé. Le saint, vêtu d'une courte robe ceinturant les hanches, est attaché au tronc et à une branche, un bras levé, le regard fixé sur le spectateur qui, métaphoriquement, le transperce de flèches. La sculpture est coulée en ronde-bosse et peinte en polychromie, avec des parties peintes restaurées. Notez la restauration dune partie du pied gauche et labsence de flèches.

Huile sur panneau de noyer. Le tableau s'inspire des modèles toscans du début du XVIe siècle (par exemple, le style pictural de Domenico Puligo), mais il s'agit d'une production légèrement ultérieure et d'une main plus faible, typique de la production « périphérique ». Le sujet, absolument traditionnel, représente la Madone allaitant l'Enfant Jésus, encadrée par un rideau ; l'enfant, tétant le sein de sa mère, regarde vers le spectateur, tandis que la mère contemple tendrement son fils. Le monogramme CP figure au dos du panneau, indiquant probablement l'artiste. Le panneau présente plusieurs petites chutes de peinture.

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Au dos figure un cartouche manuscrit, daté de mai 1835, indiquant plusieurs familles importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) du nord de l'Italie, probablement propriétaires de l'œuvre. Le tableau représente un paysage nordique, une campagne plutôt aride, traversée par un cours d'eau ; un sentier, emprunté par des voyageurs, mène au village au pied de la colline. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque, présentant plusieurs manques.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIIe siècle. Le paysage, plutôt aride et avec des sommets enneigés en arrière-plan, encadre au premier plan une famille de bergers, assis au repos au bord de la route à l'extérieur du village, tandis que leur troupeau boit au ruisseau voisin ; Pendant ce temps, ils discutent et demandent leur chemin à la roturière qui marche le long du chemin avec son panier sous le bras. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Tête de femme

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. Dans un grand paysage classique, riche en végétation et à l'atmosphère rosée, se trouve un petit groupe de soldats : certains, posés sur un rocher surplombant un ruisseau, observent l'un d'eux qui se baigne, après avoir placé son armure dans l'eau. Le tableau a été présenté à la vente aux enchères Lempertz en 2017 avec une attribution à Andrea Locatelli (1695 -1741) et une estimation de 7/9 mille € ; Les méthodes picturales de l'œuvre apparaissent également plus proches de celles de Marco Ricci (1676 -1730), largement reprises par d'autres auteurs de l'espace vénitien. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

Adoration des Bergers, vers 1620

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIe siècle. En regardant les modèles diffusés par Jacopo Bassano, le tableau présente une scène riche en figures et en éléments environnants typiques de la vie pastorale, élégante mais avec une simplicité rustique. Les bergers, avec Marie et Joseph, créent un cercle de personnages adorant l'Enfant Jésus, cercle auquel participent également les animaux, le bœuf et le mouton, tandis que les petits anges complètent la scène en tournant au-dessus. L'œuvre remonte à la production de Baldassarre D'Anna, peintre né à Venise qui s'est formé auprès de Leonardo Corona, dont il a reproduit la vivacité chromatique et le clair-obscur, et a ensuite travaillé à Venise, en Dalmatie, en Istrie et dans toute la région du Frioul. Elle se situe dans la meilleure phase de l'artiste, entre 1610 et 1620, on retrouve en particulier les mêmes caractéristiques et de nombreux caractères de la série de huit toiles réalisées vers 1620 pour le Sanctuaire delle Grazie à Cordovado dans la province de Pordenone : semblables sont les couleurs vives étalées sur des fonds clairs et des draperies nettes, les contours énergiques, les physionomies sévères et marquées que l'on retrouve aussi bien chez les bergers que chez la Vierge agenouillée. L'œuvre présente en outre des notes réalistes « à la Bassano », comme le panier d'œufs d'où émerge une serviette, et l'architecture dénuée de toute monumentalité. En raison de sa petite taille, cette toile peut être attribuée à une commande privée, destinée à la dévotion personnelle ou à la collection. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré de style. Le tableau est accompagné d'une expertise.

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Une partie d'un grand édifice architectural en ruine occupe toute la scène : un portique surmonté d'une balustrade, envahie de plantes, entoure une cour où évoluent divers personnages populaires engagés dans leurs activités. Un ciel bleu éclatant surmonte la structure et la lumière filtre à travers l’une des arches pour créer un jeu d’ombres et de lumière sous le portique. Au dos du cadre se trouve une attribution à Gaetano Vetturali (1701-1783), bien que la qualité des figures semble ici supérieure à celles de l'artiste de Lucques, qui s'est établi sur son territoire pour des fantaisies architecturales d'un grand impact scénographique. Le tableau est présenté dans un élégant cadre doré.

Huile sur toile. École romaine de la seconde moitié du XVIIe siècle. La scène raconte un épisode de l'histoire d'amour entre la reine d'Egypte et le triumvir romain Antoine : Cléopâtre, pour démontrer sa richesse et séduire le beau général, organise un somptueux banquet, au cours duquel elle choisit une perle d'une valeur inestimable et il se dissout. le dans du vinaigre, puis en offrant la boisson, considérée comme un puissant aphrodisiaque, à Antonio. Dans le tableau, la reine s'apprête à mettre la perle dans la coupe : le ruban auquel la perle est attachée est particulier, rappelant celui du tableau du même nom de Carlo Maratta (1625 -1713). Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois de la fin du XIXème siècle.

Le buste représente une femme noble, richement vêtue. Un portrait certainement, comme le montre la grande typification physionomique du visage ; le portrait a un regard et une attitude austères, un élément qui distingue les portraits sculpturaux de l'époque. Les cheveux sont rassemblés à la nuque dans une coiffure tressée élaborée. Le col est orné d'un tour de cou avec un médaillon central et plusieurs rangs de perles. Elle porte une robe qui laisse les épaules dénudées, finie par une fine bordure en dentelle et un nœud au milieu de la poitrine. Grande habileté du sculpteur dans l'utilisation du ciseau pour la finition des détails et dans le rendu matière des tissus.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Italie fin du XIXe siècle

Buste de femme et colonne de la liberté en marbre blanc statuaire, Italie, fin XIXe siècle. Buste en habit à l'ancienne avec éléments floraux posés sur la poitrine; colonne décorée de lierre qui descend transversalement de la surface d'appui.

Italie Début XVIIe Siècle

Sculpture maniériste tardive dans le noyer rond représentant une figure féminine la main gauche levée jusqu'au sein nu, référence à la maternité et à la fécondité. Enfant et partie du manteau manquants.

Portrait de jeune fille en marbre posé sur une colonne de marbre gris, représentant une jeune fille encapuchonnée dans le froid hivernal. Les différents procédés utilisés donnent de la variété dans le rendement du marbre. Au dos du buste est gravé « F. Andreini Florence 1894".