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Art ancien, icônes, art contemporain, peinture ancienne, art des XIXe et XXe siècles.


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Pierre Bonnard Aquatinte sur Papier France 1924
nouvelles
ARARNO0151902
Pierre Bonnard Aquatinte sur Papier France 1924

La femme au chien, 1924

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Pierre Bonnard Aquatinte sur Papier France 1924

La femme au chien, 1924

Aquatinte en couleurs. Signé en bas à gauche et à droite au crayon ; numéro de série 160/200 en bas à gauche. Pierre Bonnard, peintre, graveur et photographe français, a commencé à peindre pendant ses études de droit à Paris, mais a rapidement abandonné l'art de la médecine légale pour se consacrer uniquement à la peinture. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Pierre Bonnard fonde avec Paul Sérusier, Maurice Denis et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. En 1891, Pierre Bonnard crée sa première étiquette pour une entreprise viticole, des lithographies pour "La Revue Blanche" (où les Nabis se sont rencontrés) et conçoit également des projets de mobilier et de décoration de paravents impliquant Toulouse-Lautrec avec la qualité décorative de ses peintures et sa personnalité personnelle. utilisation de la couleur. En 1892, il expose certains de ses panneaux décoratifs au Salon des Indépendants, commençant à intéresser les critiques d'art. Peu à peu, le peintre abandonne les tons gris académiques et expérimente avec enthousiasme la rencontre de l'art avec le monde des choses banales colorées. Ses œuvres, bientôt reconnaissables aux couleurs irisées, aux lignes lumineuses et à la perspective ouverte, furent largement appréciées. En 1896, il organise sa première exposition personnelle et sa renommée s'étend à l'Europe avec des expositions en Suède et en Norvège. Passé sous l'influence du courant de l'Art nouveau, Bonnard s'est intéressé aux estampes japonaises, très en vogue dans le monde artistique parisien à la fin du XIXe siècle, au point d'en porter quelques traits dans ses toiles : Bonnard sera surnommé le " Nabi japonais". Avec son ami Edouard Vuillard, il développe également un nouvel intérêt pour les scènes d'intérieurs domestiques intimistes, un genre qui deviendra connu sous le nom d'"Intimisme" et qui propose le monde parisien dans les années précédant la Première Guerre mondiale. En 1910, Pierre Bonnard découvre le sud de la France et commence ainsi à peindre des paysages lumineux. Au cours des vingt dernières années de sa carrière artistique, il a continué à peindre, allant dans tous les sujets et dans toutes les techniques qui lui plaisaient, créant des peintures décoratives mais aussi de nombreux croquis et dessins, des œuvres lithographiques en couleurs ou en noir et blanc, des affiches, des illustrations pour livres et magazines qui ont influencé l'art moderne. L'aquatinte présentée ici fait partie d'une importante production des années 1920 de ce sujet, la "femme au chien", proposé dans de nombreuses variantes. Il est présenté dans un cadre.

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Danilo Martinis
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ARARCO0152884
Danilo Martinis

Visage féminin 2001

ARARCO0152884
Danilo Martinis

Visage féminin 2001

Peinture à l'huile sur toile. Daté et signé au dos. Né à Seregno, Danilo Martinis a été formé avec Osvaldo Minotti. Peintre et designer, il a meublé des résidences prestigieuses dans le monde entier, ses oeuvres sont particulièrement appréciées aux Emirats Arabes Unis et en Russie. Il aime exprimer ses pensées à travers des images graphiques-figuratives rendues par des effets géométriques et des jeux chromatiques, utilisant principalement des figures féminines comme interprètes. Dans cette oeuvre il propose un gros plan d'un visage féminin, valorisant son expressivité par le jeu des couleurs dans les gammes du jaune.

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Statue en bronze de Moreau
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ANILLA0148940
Statue en bronze de Moreau

France Fin du XIXe siècle Début du XXe siècle

ANILLA0148940
Statue en bronze de Moreau

France Fin du XIXe siècle Début du XXe siècle

Statue en bronze représentant une figure féminine avec un bouquet de fleurs. La statue repose sur un socle circulaire en bronze doré et ciselé à motifs végétaux et soutenu par trois pieds à volutes feuillagées. La sculpture porte la signature de la manufacture incussa "Moreau".

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820,00€

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Danilo Martinis
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ARARCO0152885
Danilo Martinis

Yeux 1995

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Danilo Martinis

Yeux 1995

Peinture à l'huile sur toile. Daté et signé au dos. Né à Seregno, Danilo Martinis a été formé avec Osvaldo Minotti. Peintre et designer, il a meublé des résidences prestigieuses dans le monde entier, ses oeuvres sont particulièrement appréciées aux Emirats Arabes Unis et en Russie. Il aime exprimer ses pensées à travers des images graphiques-figuratives rendues par des effets géométriques et des jeux chromatiques, utilisant principalement des figures féminines comme interprètes. Dans cette oeuvre il propose un très gros plan d'un visage féminin, encadrant notamment les yeux.

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A. Tofanelli Huile sur Table Italie 2000
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ARARCO0152237
A. Tofanelli Huile sur Table Italie 2000

Il y a une heure 2000

ARARCO0152237
A. Tofanelli Huile sur Table Italie 2000

Il y a une heure 2000

Huile sur table. Au verso se trouve une étiquette de la Galleria Marescalchi de Bologne avec le titre, la date, les données techniques de l'œuvre et le numéro de catalogue (cat. 91). Né à Viareggio, Alessandro Tofanelli est d'abord diplômé de l'institut d'art de Lucca, puis a déménagé de 1977 à 1980 à Milan pour fréquenter l'Académie Brera de Milan, collaborant ces années-là en tant qu'illustrateur pour plusieurs magazines publiés par Rizzoli et Mondadori. Il a immédiatement commencé à s'imposer, remportant des prix nationaux; ses œuvres picturales sont exposées dans d'importantes galeries d'art italiennes et étrangères et font partie d'importantes collections privées et publiques, nationales et internationales. Tofanelli a toujours combiné son activité picturale de photographe professionnel et de documentariste vidéo. Nombreux sont en effet ses travaux vidéo diffusés par les réseaux RAI, ainsi que ses prestations photographiques hébergées dans des publications spécialisées. Dans toutes ses formes artistiques, Tofanelli exprime le lien fort avec la nature : immergé en elle, une nature bienveillante, il la vit, la respire, la fait sienne, l'interprète en lui donnant voix et la peint, la transformant en poésie et la représentant en a un monde qui semble imaginaire, mais qui est plutôt un monde qui fut, un monde en soi, une réalité à la limite du rêve, un Eden où la vie est simple et marquée par le rythme lent des gestes quotidiens, et s'identifie aux objets du quotidien vie dans laquelle la présence de l'Homme peut être perçue, racontant sa vie et son histoire sans jamais le représenter. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

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Sujet Sacré Huile sur Ardoise Italie XVI-XVII Siècle
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ARARPI0152047
Sujet Sacré Huile sur Ardoise Italie XVI-XVII Siècle

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Sujet Sacré Huile sur Ardoise Italie XVI-XVII Siècle

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

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5800,00€

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G. Zocchi Huile sur Table Italie XX Siècle
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ARARNO0151908
G. Zocchi Huile sur Table Italie XX Siècle

Paysage avec Gerbe

ARARNO0151908
G. Zocchi Huile sur Table Italie XX Siècle

Paysage avec Gerbe

Huile sur table. Signé G. Zocchi en bas à droite. Il s'agit probablement d'une œuvre tardive du peintre florentin Guglielmo Zocchi, surtout connu pour les scènes de genre animées du décor gréco-romain, qui lui ont valu un grand succès notamment à l'étranger. La production paysagère est rare. La peinture est présentée dans un cadre contemporain avec des défauts.

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320,00€

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M. Denis Litographie sur Papier France 1911
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ARARNO0151904
M. Denis Litographie sur Papier France 1911

Sur le canapé d'argent pâle 1911

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M. Denis Litographie sur Papier France 1911

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

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1300,00€

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Éruption de Cendres du Vésuve en 1822 Gouache sur Papier XIX Siècle
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ARAROT0150393
Éruption de Cendres du Vésuve en 1822 Gouache sur Papier XIX Siècle

ARAROT0150393
Éruption de Cendres du Vésuve en 1822 Gouache sur Papier XIX Siècle

Gouache sur papier. Ecole napolitaine du XIXe siècle. Au dos en bas une étiquette avec le titre. La gouache fait partie de la production typique du Grand Tour, qui fit du golfe de Naples et des vues du Vésuve des sujets récurrents et privilégiés de la peinture de paysage du XIXe siècle. Les nuances roses du ciel qui se reflètent sur le volcan fumant et les bleus du ciel et de la mer créent une atmosphère typiquement romantique. La scène est animée par de nombreuses figures de roturiers et de bateaux de pêche. L'oeuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

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700,00€

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Cendre du Vésuve de 1830 Gouache sur Papier XIX Siècle
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ARAROT0150392
Cendre du Vésuve de 1830 Gouache sur Papier XIX Siècle

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Cendre du Vésuve de 1830 Gouache sur Papier XIX Siècle

Gouache sur papier. Ecole napolitaine du XIXe siècle. Au dos en bas une étiquette avec le titre. La gouache fait partie de la production typique du Grand Tour, qui fit du golfe de Naples et des vues du Vésuve des sujets récurrents et privilégiés de la peinture de paysage du XIXe siècle. Les nuances roses du ciel qui se reflètent sur le volcan fumant et les bleus du ciel et de la mer créent une atmosphère typiquement romantique. La scène est animée par de nombreuses figures de roturiers et de bateaux de pêche. L'oeuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

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Vue sur le Golfe de Naples Huile sur Toile Italie XIX Siècle
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ARAROT0150206
Vue sur le Golfe de Naples Huile sur Toile Italie XIX Siècle

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Vue sur le Golfe de Naples Huile sur Toile Italie XIX Siècle

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XIXe siècle. Exemple typique de la peinture du Grand Tour, le tableau offre un aperçu du golfe de Naples animé par de nombreux bateaux, dont au premier plan un des pêcheurs débarquant sur la plage, où les attendent leurs femmes et leurs enfants. En arrière-plan se dresse le Vésuve fumant. La scène est vivante pour la vitalité qu'elle exprime et pour les couleurs, bien que les nuances roses du ciel et du Vésuve rappellent la note romantique de la peinture de l'époque. La toile a de petites gouttes de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

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Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle
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ARARPI0132252
Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

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Le Sacrifice d'Iphigénie Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole napolitaine du milieu du XVIIIe siècle. Le tableau propose le mythe grec du sacrifice d'Iphigénie, la fille du roi Agamemnon, chef de l'expédition achéenne qui devait partir pour Troie. La flotte grecque ne pouvant prendre la mer en raison de vents défavorables, le devin Calcante prédit qu'en raison d'une offense que le roi avait infligée à la déesse Artémis, elle s'opposait désormais à leur départ jusqu'à ce que le roi ne sacrifie sa jeune fille. sur l'autel. Iphigénie accepta courageusement le sacrifice et monta spontanément sur l'autel, mais au dernier moment Artémis, apitoyée, l'échangea contre un faon et prit la jeune fille vivante à Tauris, où elle devint prêtresse de la déesse qui l'avait sauvée. La grande scène, située à l'extérieur du camp grec au bord de la mer (les navires ancrés au fond à gauche, les tentes à droite), voit au centre la déesse Artémis qui échange la jeune et belle Iphigénie contre le faon, tandis que le le prêtre Calcante tient déjà le couteau sacrificiel ; à droite le désespoir du roi Agamemnon et de sa femme Clytemnestre. La peinture est de manière stylistique proche de la production de Fedele Fischetti (1732-1792), l'artiste napolitain qui s'est consacré principalement aux scènes allégoriques/mythologiques, notamment dans ses premières œuvres des années 1860. L'oeuvre présentée ici a été vendue aux enchères chez Sotheby's en avril 1998. Restaurée et rentoilée, elle est présentée dans un cadre de style.

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M. Henry Encre sur Papier France 1927
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ARARNO0150779
M. Henry Encre sur Papier France 1927

La Loi divine 1927

ARARNO0150779
M. Henry Encre sur Papier France 1927

La Loi divine 1927

Encre sur papier. Signature, date et titre ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

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M. Henry Encre sur Papier France 1930
ARARNO0150780
M. Henry Encre sur Papier France 1930

Sans titre 1930

ARARNO0150780
M. Henry Encre sur Papier France 1930

Sans titre 1930

Encre sur papier. Signature et date ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

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M. Henry Encre sur Papier France 1927
ARARNO0150777
M. Henry Encre sur Papier France 1927

Le Prophète 1927

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M. Henry Encre sur Papier France 1927

Le Prophète 1927

Encre sur papier. Signature, date et titre ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

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M. Henry Encre sur Papier France 1969
ARARNO0150778
M. Henry Encre sur Papier France 1969

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

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M. Henry Encre sur Papier France 1969

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Encre sur papier. Signature, date et titre ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

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Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle
ARARPI0149624
Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle

ARARPI0149624
Huile sur Toile Paysage Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. C'est un grand paysage vallonné, riche en végétation et traversé par un petit ruisseau, le long duquel deux hommes, au centre de la scène ci-dessous, pêchent dans un bassin d'eau. Au-dessus d'eux, un ciel plein de nuages, qui s'estompent au loin, évoquant des pluies imminentes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu des années 1900.

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M. Jori Acrylique sur Panneau Italie
ARARCO0150783
M. Jori Acrylique sur Panneau Italie

Carré de Peinture, 1990

ARARCO0150783
M. Jori Acrylique sur Panneau Italie

Carré de Peinture, 1990

Acryliques à bord. Signé et daté au dos. Accompagné d'une authentification sur photo dédicacée de l'auteur, avec cachet de la Galerie Verlato à Milan. L'œuvre présentée ici fait partie de la riche série d'œuvres appelées par l'artiste Cristalli, en raison de la référence aux géométries de ces minéraux, qu'il considère comme des réservoirs d'énergie et de lumière. Sur une planche de forme tridimensionnelle avec des pointes saillantes asymétriques, rappelant la structure d'un cristal, Jori peint des éléments qui émergent du fond, avec des choix chromatiques qui se réfèrent tous à la même gamme mais avec des nuances différentes, pour imiter les reflets de la lumière. L'œuvre provient d'une importante collection privée milanaise.

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2000,00€

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle
ARARPI0148816
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

ARARPI0148816
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

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Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle
ARARPI0150832
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

ARARPI0150832
Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIe siècle. Née à Alexandrie en Égypte vers 344, Maria Egiziaca était une religieuse et ermite égyptienne, vénérée comme sainte par les Églises catholique, orthodoxe et copte. Après une jeunesse dissolue, Marie arrive à Jérusalem à la suite d'un groupe de pèlerins et s'y convertit à la foi chrétienne, commençant une vie de pénitence dans le désert. Dans l'iconographie, elle est représentée comme une pénitente près d'une grotte avec de longs cheveux couvrant son corps et avec les trois pains qu'elle a emmenés dans le désert. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré du XIXe siècle.

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