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L'Art

Preuve

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2300 € 14000 € Appliquer

dimensioni opera


23 cm 226 cm

17 cm 231 cm

4 cm 43 cm
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Giovanni Maria Delle Piane appelé le Mulinaretto
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ARTPIT0001472

Giovanni Maria Delle Piane appelé le Mulinaretto

Portrait d'une Noble dame

ARTPIT0001472

Giovanni Maria Delle Piane appelé le Mulinaretto

Portrait d'une Noble dame

Huile sur toile. Le portrait en buste, représentant une dame de noble famille, comme en témoigne la riche et élégant vêtements, mais surtout par la médaille qui est bien mis en évidence précisément dans le centre de l'œuvre. La médaille est de l'Ordre de la Croix étoilée et, l'ordre de la chevalerie dans la femelle, institué par l'impératrice Eléonore de Gonzague, veuve de l'empereur Ferdinand III, et confirmé par Clément IX, avec la bulle papale en 1668, décerné uniquement aux femmes de la noblesse. Né à Gênes, mais il a reçu sa formation artistique à Rome, le Delle Piane a révélé à un âge précoce, un penchant pour l'art du portrait. L'assimilation à la mode du portrait à la française (en particulier référence à la production de Hiacynthe Rigaud et Laguillère) et grâce à sa capacité à saisir les besoins et festive de temps, pour s'adapter aux nouvelles tendances, afin de satisfaire la soif de l'auto-célébration de la riche et puissante, de mécènes, de la Delle Piane portées dans les tableaux des génois d'une stylistique de l'innovation, caractérisé par le raffinement du détail et de la mondanité de la les chiffres, porter "ses figures avec des drapés majestueux et élégant", cogliendole dans "quelques nouvelles, et l'esprit des mouvements" . À partir de 1707, il devint peintre de la cour des Farnèse à Parme: dans sa production de peinture de portrait comprend divers portraits, ainsi que d'autres nobles et titré, en particulier les génois, et le parmesan. Le travail de la Delle Piane, active depuis plus de soixante ans, était extrêmement riche. Bien que cimentatosi également un intéressant religieux de la production, de qui, cependant, reste très peu, on se souvient surtout pour la production de portraits: il y a beaucoup de, on lui attribue, dans beaucoup de maisons privées. L'élégance, le clinquant, le contraste entre la pose de graves et le geste de la plume de lit, entièrement couvert dans les caractéristiques de l'interprétation de la de la Télévision. Dans l'image proposée, L'élégance, le clinquant, le contraste entre la pose de graves et le geste ont l'allure de la main qui tient le manteau, sont entièrement inclus dans les caractéristiques de l'interprétation de la de la Télévision. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain, médaillon, de l'argent à la mecque, surmonté par décoratif sculpté ruban.

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de gré à gré

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003
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ARTCON0000756

10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

Technique mixte sur toile. Armand Fernandez, alias Arman, est né à Nice en 1928. On le considère comme l'un des représentants les plus significatifs et les plus influents du mouvement artistique "Nouveau Réalisme", la déclinaison européenne du New Dada américain. Le Nouveau Réalisme s'est développé dans les années 1960 en France autour de la figure du critique Pierre Restany. C'est un moyen de créer un art anti-conventionnel, qui reprend de nombreux aspects de l'avant-garde du début du siècle, tels que la relégation de la peinture et de la sculpture aux techniques du second ordre. D'autre part, une valeur artistique est donnée aux objets du quotidien appartenant à la sphère du quotidien, présentés dans des œuvres exactement dans leur objectivité, sans l'action décontextualisante qui caractérisait le ready-made de Duchamp. L'après-guerre, marqué par des changements radicaux du point de vue social et économique, est représenté de manière provocante et critique par les représentants du Nouveau Réalisme à travers ses produits: objets en surabondance, déchets, déchets inconfortables, etc. Chaque artiste décline cette philosophie de manière personnelle et originale. Arman est connu pour ses accumulations à la limite de l'obsessionnel. Son travail commence dans la rue, où il collecte ce qui est jeté, oublié. Objets inutilisés, ce qui est considéré comme de la ferraille devient le protagoniste de ses "sculptures", amenant le public à réfléchir aux implications de la société de consommation. L'œuvre en question est une composition ironique intitulée 10 000 Cendrillons, ou 10 000 Cinderellas. Il est composé de six paires de chaussures de designer Prada coupées en deux, montées sur toile et recouvertes de peinture. Le travail est conceptuel et son interprétation est liée à la compréhension de la philosophie de l'artiste et de la période historique dans laquelle il a travaillé. Il représente une vision personnelle et critique, allégée par le titre moqueur du consumérisme rampant. Arman exploite la "profanation" d'un objet, la chaussure Prada, considérée comme un simulacre dans le monde de la mode, un objet de désir. Avec son travail, il montre qu’en fin de compte, une chaussure signée à laquelle nous attribuons la valeur de symbole de statut n’est rien de plus qu’une chaussure et enfin un simple objet qui, comme tout autre, deviendra un déchet. L'œuvre provient de l'atelier de l'artiste à New York et est authentifiée par courrier électronique de la Fondation A.R.M.A.N. qui montre le numéro d'archive. La Fondation A.R.M.AN. est actuellement la seule institution ayant le droit de délivrer des certifications pour les œuvres d’Arman. Une photographie de l'œuvre signée par l'artiste indiquant le numéro de l'archive, le titre, les dimensions et la technique est également jointe. Au verso de la photo se trouve le cachet de la galerie d'art Dante Vecchiato qui, au début des années 2000, était le point de référence pour la distribution des œuvres d'Arman en Italie.

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Sans titre Arman Technique mixte sur Toile 2003
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ARTCON0000755

Sans titre Arman Technique mixte sur Toile 2003

Jeté

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Sans titre Arman Technique mixte sur Toile 2003

Jeté

Technique mixte sur toile. Armand Fernandez, alias Arman, est né à Nice en 1928. Considère comme un des représentants les plus significatifs et les plus influents du mouvement artistique "Nouveau Réalisme", la déclinaison européenne du New Dada américain. Le Nouveau Réalisme s'est développé dans les années 1960 en France autour de la figure du critique Pierre Restany. C'est un moyen de créer un art anti-conventionnel, qui reprend de nombreux aspects de l'avant-garde du début du siècle, tels que la relégation de la peinture et de la sculpture aux techniques du second ordre. D'autre part, une valeur artistique est donnée aux objets du quotidien appartenant à la sphère du quotidien, présentés dans des œuvres exactement dans leur objectivité, sans l'action décontextualisante qui caractérisait le ready-made de Duchamp. L'après-guerre, caractérisé par des changements radicaux du point de vue social et économique, est représenté de manière provocante et critique par les représentants du Nouveau Réalisme à travers ses produits: objets en surabondance, déchets, déchets inconfortables, etc. Chaque artiste décline cette philosophie de manière personnelle et originale. Arman est connu pour ses accumulations à la limite de l'obsessionnel. Son travail commence dans la rue, où il collecte ce qui est jeté, oublié. Objets inutilisés, ce qui est considéré comme de la ferraille devient le protagoniste de ses "sculptures", amenant le public à réfléchir aux implications de la société de consommation. L'œuvre en question consiste en un violon coupé monté sur une toile sur un tableau avec des traces de couleurs mélangées. Le titre est Jeté, en italien "Gettato", la référence au monde des déchets est directe et immédiate. Il fait partie de la série "Colères" d'opérations de "dissemblage", c'est-à-dire de destruction d'instruments de musique de la tradition bourgeoise: violons, violoncelles, trompettes et pianos démembrés, brûlés ou disséqués. Dans ce cycle de travail, l'impulsion destructive est révélée. Le geste est important, au centre de la philosophie du Nouveau Réalisme. Comme le disait Arman lui-même: "Je crois que dans l'action de destruction, il y a une volonté d'arrêter le temps, de suspendre les événements en les collant, en les liant dans du polyester ..." L'œuvre provient de l'atelier de l'artiste à New York et est authentifiée par courrier électronique de la Fondation A.R.M.A.N. qui montre le numéro d'archive. La Fondation A.R.M.A.N. est actuellement la seule institution ayant le droit de délivrer des certifications pour les œuvres d’Arman. Une photographie de l'œuvre signée par l'artiste indiquant le numéro de l'archive, le titre, les dimensions et la technique est également jointe. Au verso de la photo se trouve le cachet de la galerie d'art Dante Vecchiato qui, au début des années 2000, était le point de référence pour la distribution des œuvres d'Arman en Italie.

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Adrien Manglard (1695-1760), Scène Chevaleresque
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ARTPIT0000867

Adrien Manglard (1695-1760), Scène Chevaleresque

Paysage avec une scène de la chevalerie

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Adrien Manglard (1695-1760), Scène Chevaleresque

Paysage avec une scène de la chevalerie

Peinture à l'huile sur toile. Une scène chevaleresque, probablement inspirée de la "Gerusalemme Liberata" de Tasso, se tient au premier plan, mettant en vedette deux guerriers avec des armures et un casque à plumes, des boucliers et des épées armés, les deux flanqués de deux dames, sur le point de faire face à un duel pour La possession d'une boîte placée Sur le terrain entre les deux candidats; Un troisième chevalier avec un drap rouge sur un cheval de baie et un quatrième chevalier sur ses épaules regardent la dispute, appuyée sur un double bâton, aussi en tenue de guerre complète. La scène est située dans une gorge de montagne avec une tour à droite, devant une mer orageuse et une vue côtière en arrière-plan. La peinture est un exemple significatif dans le catalogue d'Adrien Manglard pour la singularité de la scène figurative combinée à ses compétences de peintre de paysages reconnus, exprimée par le goût de l'inventivité originale et de l'application prospective, par sa représentation de roches, de vagues et d'îles éloignées. L'attribution au Manglard peut être confirmée par des comparaisons avec divers travaux de ce genre, car il était un peintre de paysages marins bien connus, à la fois dans les tempêtes et dans des atmosphères silencieuses de silence. Pour cela, il est possible de consulter la monographie de S. Maddalo (Adrien Manglard 1695-1760, Multigrafica editore, Rome 1982) en se référant en particulier aux figures 34-39 et 41, en se concentrant sur les paysages marins d'un tel environnement, y compris le Cycle du Palazzo Ducale Colorno, les toiles du musée Guéret et Palazzo Boncompagni Ludovisi et la fresque du palais Chigi. Dans ces peintures, nous trouvons des paramètres inventifs similaires et parfois presque correspondants, avec un style pictural correspondant avec la toile en question. La représentation évocatrice du ciel et de la mer orageux, attestant l'observation minutieuse de ces phénomènes par Manglard, devrait être soulignée en particulier. De plus, sa validité en tant que peintre de figure est prouvée par un examen général de son programme, notamment le "Appel des premiers apôtres" datant de 1731. Il y a une marque AM dans le tableau sur la boîte au bas du centre. Le travail s'accompagne d'une expertise du Professeur Giancarlo Sestieri. La peinture est restaurée et présentée dans un cadre plus récent.

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9000,00€

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Danae et la Pluie d'Or Giovanni Battista Recchi '600
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ARTPIT0001176

Danae et la Pluie d'Or Giovanni Battista Recchi '600

Danaé et la pluie d'or

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Danae et la Pluie d'Or Giovanni Battista Recchi '600

Danaé et la pluie d'or

Huile sur toile. Dans cette splendide représentation, certainement privée et laïque, le peintre est confronté au thème de Danaé, sujet de la mythologie grecque aimée et pratiquée par des peintres tels que Titian, Correggio, Orazio et Artemisia Gentileschi, Rembrandt et d'autres, jusqu'à Klimt. Le mythe raconte que Zeus a fertilisé le mortel Danaé par une pluie dorée; le demi-dieu Perseus est né de cette union. Dans notre tableau, la pluie d'or se transforme en pièces d'or, chacune identifiable à une pièce de monnaie de l'époque. Sur une des pièces tombant du ciel, il y a la signature du peintre, ce qui est rare pour un tableau ancien, ce qui permet d’attribuer avec certitude le tableau et témoigne de l’importance que l’œuvre avait à l’époque pour l’auteur et qui est actuellement utilisé pour les études de la peinture lombarde du XVIIe siècle. À l'arrière-plan, vous pouvez voir une ville qui surplombe un lac, probablement une représentation vintage de la ville de Côme, lieu de naissance de Recchi. Il est plausible que le client privé du tableau concerne l'échange de monnaies étant donné la précision avec laquelle sont décrites les pièces des pièces tombant du ciel. Le style de la peinture appartient toujours au maniérisme lombard lointain, également pratiqué par des peintres du calibre de Simone Peterzano (le maître du Caravage), mais déjà attentif à la description de la réalité, des données naturelles, telle qu'elle apparaît clairement dans la représentation des feuilles fanées au-dessus de la tête de Danaé, une leçon qui trouvera sa pleine maturité au Caravage. La peinture, revue et portant des traces de restauration cohérentes avec le style et l'époque, est en très bon état. Présenté dans un cadre de style doré.

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