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Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700
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Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700

Chasse au chevreuil

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Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700

Chasse au chevreuil

Huile sur toile. La scène, située dans une campagne boisée, près des ruines architecturales, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, qui armés d'épées et de lances et avec l'aide des chiens donnent le coup de grâce au cerf maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

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Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700
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Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700

Chasse au sanglier

ARTPIT0001449

Grand Paysage avec scène de Chasse Huile sur Toile '700

Chasse au sanglier

Huile sur toile. La scène, située sur les pentes d'une montagne, près des rives d'une rivière où un pêcheur est déterminé à travailler, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, armés d'épées. et lances et avec l'aide des chiens, ils donnent le coup final au sanglier maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

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Vierge à l'enfant en terre cuite Toscane
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ARARAR0099242

Vierge à l'enfant en terre cuite Toscane

ARARAR0099242

Vierge à l'enfant en terre cuite Toscane

Vierge à l'enfant en terre cuite, dérivée de la terre cuite de Donatello, conservée à la National Gallery de Washington, datée vers 1420 en raison de la persistance de la bonté gibertienne. C'est une dérivation faite dans la région toscane entre la fin du XVe et le début du XVIe siècle.

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Buste de Madame du Barry en terre cuite
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ARARAR0119522

Buste de Madame du Barry en terre cuite

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Buste de Madame du Barry en terre cuite

Sculpture en terre cuite représentant Madame du Barry.

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Statue de pierre sans tête
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Statue de pierre sans tête

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Statue de pierre sans tête

Sculpture en pierre sans tête représentant un évêque.

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003
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ARTCON0000756

10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

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10000 Cendrillons Arman Technique mixte sur Toile 2003

10000 Cendrillons

Technique mixte sur toile. Armand Fernandez, alias Arman, est né à Nice en 1928. On le considère comme l'un des représentants les plus significatifs et les plus influents du mouvement artistique "Nouveau Réalisme", la déclinaison européenne du New Dada américain. Le Nouveau Réalisme s'est développé dans les années 1960 en France autour de la figure du critique Pierre Restany. C'est un moyen de créer un art anti-conventionnel, qui reprend de nombreux aspects de l'avant-garde du début du siècle, tels que la relégation de la peinture et de la sculpture aux techniques du second ordre. D'autre part, une valeur artistique est donnée aux objets du quotidien appartenant à la sphère du quotidien, présentés dans des œuvres exactement dans leur objectivité, sans l'action décontextualisante qui caractérisait le ready-made de Duchamp. L'après-guerre, marqué par des changements radicaux du point de vue social et économique, est représenté de manière provocante et critique par les représentants du Nouveau Réalisme à travers ses produits: objets en surabondance, déchets, déchets inconfortables, etc. Chaque artiste décline cette philosophie de manière personnelle et originale. Arman est connu pour ses accumulations à la limite de l'obsessionnel. Son travail commence dans la rue, où il collecte ce qui est jeté, oublié. Objets inutilisés, ce qui est considéré comme de la ferraille devient le protagoniste de ses "sculptures", amenant le public à réfléchir aux implications de la société de consommation. L'œuvre en question est une composition ironique intitulée 10 000 Cendrillons, ou 10 000 Cinderellas. Il est composé de six paires de chaussures de designer Prada coupées en deux, montées sur toile et recouvertes de peinture. Le travail est conceptuel et son interprétation est liée à la compréhension de la philosophie de l'artiste et de la période historique dans laquelle il a travaillé. Il représente une vision personnelle et critique, allégée par le titre moqueur du consumérisme rampant. Arman exploite la "profanation" d'un objet, la chaussure Prada, considérée comme un simulacre dans le monde de la mode, un objet de désir. Avec son travail, il montre qu’en fin de compte, une chaussure signée à laquelle nous attribuons la valeur de symbole de statut n’est rien de plus qu’une chaussure et enfin un simple objet qui, comme tout autre, deviendra un déchet. L'œuvre provient de l'atelier de l'artiste à New York et est authentifiée par courrier électronique de la Fondation A.R.M.A.N. qui montre le numéro d'archive. La Fondation A.R.M.AN. est actuellement la seule institution ayant le droit de délivrer des certifications pour les œuvres d’Arman. Une photographie de l'œuvre signée par l'artiste indiquant le numéro de l'archive, le titre, les dimensions et la technique est également jointe. Au verso de la photo se trouve le cachet de la galerie d'art Dante Vecchiato qui, au début des années 2000, était le point de référence pour la distribution des œuvres d'Arman en Italie.

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Arnoldo Soldini (1862-1936), Apperçu du pays
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ARTOTT0000546

Arnoldo Soldini (1862-1936), Apperçu du pays

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Arnoldo Soldini (1862-1936), Apperçu du pays

Huile sur carton. Signé en bas à droite. La peinture, représentant des maisons de village en vue de haut, sur le fond des montagnes enneigées et des nuages, cette oeuvre fait partie de la fabrication de paysage typique et unique de l'auteur important de Brescia, qui a toujours peint les lieux d'origine qui lui sont chers et connus. Sur l'étiquette arrière de l'acquisition de Brescia en 1978 Bell Gallery; depuis lors, il est resté dans une collection privée. Présenté dans un cadre magnifique contemporain.

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Allégorie de l'amour
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Allégorie de l'amour

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Allégorie de l'amour

Peinture à l'huile sur toile. École nord-européenne. C'est une drôle de scène allégorique d'amour profane, qui vise à démontrer comment toutes les personnes, de toute classe sociale et de tous âges, peuvent tomber dans le piège de tomber amoureux. Le fond de la toile est occupé par un énorme filet de garde, le filet de panier utilisé dans certains types de pêche, au-dessus de l'embouchure duquel se trouve un putto violoniste, déterminé à jouer; le piège est bondé de couples, tandis qu'un défilé d'autres le dépasse pour atteindre son entrée. Parmi eux se trouvent des couples de personnes âgées et de jeunes, des couples de riches et de pauvres, des nobles, des bourgeois et des prolétaires: tous ont des expressions joyeuses et légères, se regardent avec amour ou regardent avec bienveillance le bonheur des autres. À l'intérieur du pot, il y a même un couple de membres de la famille royale, qui correspondent en traits et en vêtements à l'électeur palatin de Rhénanie, Giovanni Guglielmo du Palatinat-Neuburg et à sa deuxième épouse Anna Maria Luisa de'Medici. Au dos du tableau se trouve une étiquette portant une attribution historique à Jan Frans Douven (1656-1727): l'artiste hollandais qui à partir de 1682 s'installe à Düsseldorf en tant que peintre officiel à la cour de l'électeur palatin de Rhénanie, créant principalement des scènes de la vie quotidienne du prince et de sa seconde épouse. L'étiquette confirmerait donc la zone d'attribution à un artiste du XVIIe-XVIIIe siècle du nord de l'Europe. La peinture provient d'une collection historique milanaise. Il a des traces de restaurations et un patch. Dans un cadre élégant.

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de gré à gré

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Quatre portraits du roi Condottieri
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Quatre portraits du roi Condottieri

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Quatre portraits du roi Condottieri

Détrempe à l'huile sur toile. Ecole du nord de l'Italie. On pense que les quatre grandes œuvres faisaient partie de l'appareil décoratif d'un grand palais. La technique utilisée - une détrempe grasse appliquée sur toile avec une préparation très légère et une hachure rapide sans références précises des figures - souligne la rapidité d'exécution, visant à obtenir des œuvres à des fins purement décoratives en peu de temps. Les quatre grands portraits montrent des figures de rois, reconnaissables à différents attributs royaux (couronnes, sceptres, manteaux royaux), mais représentés comme des chefs, donc avec des armures et/ou des armes. La particularité est que les personnages appartiennent à des époques et des origines géographiques différentes, comme pour rendre hommage aux grandes figures royales de l'histoire. L'identification des personnages n'est pas certaine, même s'il est possible d'émettre l'hypothèse de quelques noms : le roi à la couronne de pauvre métal mais aux cuspides très pointues, qui tient une épée à poignée en forme de tête d'oiseau et recouverte de un manteau de drap grossier et une simple cuirasse d'où jaillissent des éléments de fourrure, pourraient être Attila, le roi des Huns ; la figure orientale, au turban orné de pierres précieuses, pourrait être un sultan ottoman, comme Soliman ; le guerrier à l'armure caractéristique de la Grèce antique, au casque surmonté d'un dragon et à la cuirasse richement décorée de frises, pourrait être Alexandre le Grand ; enfin, le jeune roi en armure de plaque et avec un sacré casque « chapeau d'armes », en raison de ses caractéristiques physionomiques, a pu être identifié dans Pierre Ier le Grand, tsar de la Russie (1672-1725), ici , dans un jeune portrait. Les quatre tableaux, toujours sur la première toile, présentent des traces de restaurations et d'ajouts, avec quelques petites taches au dos. Ils proviennent d'une collection bolognaise historique. Ils sont présentés dans des cadres stylisés.

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de gré à gré

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Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600
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ARARPI0094514

Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600

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Déploration Sur Le Christ Mort Huile Sur Toile École Italienne 1600

Huile sur toile. École du nord de l'Italie. Insérée dans un paysage de la fin de la Renaissance, la composition des figures est disposée selon une diagonale ascendante à gauche et culminant plus précisément avec les trois croix du Calvaire au loin; au centre se trouve le corps du Christ, allongé mais aussi obliquement, derrière lequel trois personnages, Saint-Jean, Marie au centre et une femme pieuse, la seule représentée dans des vêtements du XVIIe siècle, représentant probablement une personne proche des commanditaires. L'œuvre peut être placé dans la production culturelle lombarde-vénitienne de la première moitié du XVIe siècle, plus précisément dans l'activité picturale qui a prospérée entre Brescia, Garda et Vérone, qui eut une expression maximale dans les manières maniéristes de Giovanni Demio (1500- vers 1570). En particulier, certains éléments se retrouvent dans l'œuvre, surtout dans les formes des vêtements et des poses (par exemple de Saint-Jean), qui font référence à des modèles de moule "raphaélesque" largement utilisés, par la médiation de graveurs tels que Marcantonio Raimondi (1480 - vers 1534), qui a contribué à la diffusion des œuvres des maîtres. Le tableau, restauré et remis en toile, a subi des importantes rénovations. Il est présenté dans un cadre ancien, datant du XVIIe siècle environ, repeint.

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Portrait d'Eleonora Lampugnani
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Portrait d'Eleonora Lampugnani

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Portrait d'Eleonora Lampugnani

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. La riche dame représentée est accompagnée de l'inscription d'identification en haut à droite qui lit "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": il s'agit donc d'Eleonora Lampugnani, épouse de Bartolomeo Del Corno. La famille Lampugnani est une ancienne famille patricienne de Milan (le nom dérive du quartier Lampugnano), avec des résidences à Legnano et Busto Arsizio, et à laquelle Filippo Maria Visconti (duc de Milan) assigna le fief de Trecate au XVe siècle; le mari de la noble appartenait plutôt à la noble famille piémontaise Corno (à l'origine appelée Del Corno). La noble est représentée debout, dans une robe splendide richement brodée et ornée de dentelles; il repose sa main sur un précieux coffret incrusté d'ivoire, probablement un meuble à monnaie, symbole de richesse et de puissance, surmonté d'un vase à fleurs, plutôt symbole de vanité. La peinture a une restauration ancienne sur les mains, qui sont de qualité inférieure à celle du visage, des vêtements, du bocal en verre. Le tableau provient d'une ancienne collection lombarde. La date 1478 rapportée avec l'inscription, n'est pas très conforme aux vêtements du XVIe siècle: selon l'histoire de la famille d'origine du tableau, la date qui apparaissait avant la dernière restauration était 1578, et donc ce serait un changement par erreur du restaurateur.

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de gré à gré

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Couple De Lions Sculpture Marbre Carrara Italie 2ᵉ Moitié 19ᵉ Siècle
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Couple De Lions Sculpture Marbre Carrara Italie 2ᵉ Moitié 19ᵉ Siècle

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Couple De Lions Sculpture Marbre Carrara Italie 2ᵉ Moitié 19ᵉ Siècle

Couple de lions accroupis en marbre de Carrara finement sculptés. Support en bois patiné imitation marbre et non contemporain.

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de gré à gré

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Giovanni Beltrami
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Giovanni Beltrami

Vierge à l'enfant

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Giovanni Beltrami

Vierge à l'enfant

L'huile sur la table. Au centre, sur le bord de la robe rouge, il y a le libellé en police ancienne "G.Beltrami fecit". Belle composition de style néo-renaissance, l'œuvre remonte à l'artiste Giovanni Beltrami qui, dans le sillage du courant en vogue au XIXe siècle qui a re-proposé les styles artistiques du XVe-XVIe siècle, s'est aventuré dans ce table avec un sujet sacré. Peintre, illustrateur et critique d'art milanais, amoureux de la peinture sur verre et de la mosaïque, Il Beltrami a grandi dans le Milan de la Scapigliatura, cherchant avec son style une médiation entre les tendances modernes et la tradition. Dans le domaine pictural, il s'impose avant tout comme peintre paysagiste, mais il a toujours été considéré comme un artiste au talent grand et varié, qui a inclus dans son répertoire de nombreuses œuvres à sujet sacré, notamment en tant que décorateur d'intérieurs et d'églises. Le tableau est présenté dans un beau cadre contemporain, une petite chapelle, dorée et à la décoration supérieure.

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S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate
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S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate

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S. Paolo Eremita et S. Antonio Abate

Peinture à l'huile sur toile. Ecole lombarde. Le tableau représente au premier plan à gauche, à l'ombre des feuillus, les deux saints assis sur des rochers, partageant un pain ; Saint Paul vêtu traditionnellement de peaux de bêtes, Saint Antoine l'abbé avec l'habit de l'ordre et le livre de prières à la main. Les deux saints ont souvent été représentés ensemble car ils ont de nombreux traits communs : tous deux ont vécu au IIIe siècle, tous deux égyptiens, très jeunes ont quitté tous leurs biens pour se consacrer à une vie de complète solitude, vivant dans la prière et la pauvreté. Sant'Antonio Abate était l'un des ermites les plus célèbres de l'histoire de l'Église. Saint Paul l'Ermite a également vécu toute sa vie dans le désert dans une solitude totale, selon le récit hagiographique, nourri uniquement du pain qu'un corbeau lui apportait régulièrement. À l'approche de sa mort, il reçut la visite de Sant'Antonio Abate, avec qui il partagea ce pain. Dans cette représentation, le contexte paysager ne fait pas référence aux terres désertiques d'Égypte, mais plutôt à celles-ci se situant dans un paysage nordique et alpin. A droite un paysage ermite, bien que verdoyant et avec un petit ruisseau en bas à droite. La peinture, déjà restaurée et regarnisée, présente un frisage très évident. Il est présenté dans un cadre élégant.

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La figure est sculpté à l'image du portail
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ARTART0000073

La figure est sculpté à l'image du portail

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La figure est sculpté à l'image du portail

La figure de l'aubergiste, est sculpté en ronde et peint polychrome, inséré dans un portail sculpté sarments avec des feuilles de vigne, d'or à la gouache d'une période ultérieure. La sculpture représente un hôte dans la loi de porter un panier de fruits. La sculpture est bien défini, avec une touche d'originalité et d'expressivité dans le visage. Montre une influence nordique; il est entièrement peint en polychromie, est revêtu de la pourpre bords et la ceinture, de l'or et de vert panier avec des branches de raisins noirs. Le portail, qui a probablement ajouté à la fin du XVIIE siècle., il est fait avec des vignes de la ficelle, de la création d'un temps aiguë, à partir de les deux grands chefs de l'époque baroque et se terminant dans un visage de chérubin ailé. Cette partie, probablement né d'un sujet religieux, est toute d'or.

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2780,00€

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Buste de femme en marbre de Carrare
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ARARAR0064537

Buste de femme en marbre de Carrare

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Buste de femme en marbre de Carrare

Le buste représente une femme noble, richement vêtue. Un portrait certainement, comme le montre la grande typification physionomique du visage ; le portrait a un regard et une attitude austères, un élément qui distingue les portraits sculpturaux de l'époque. Les cheveux sont rassemblés à la nuque dans une coiffure tressée élaborée. Le col est orné d'un tour de cou avec un médaillon central et plusieurs rangs de perles. Elle porte une robe qui laisse les épaules dénudées, finie par une fine bordure en dentelle et un nœud au milieu de la poitrine. Grande habileté du sculpteur dans l'utilisation du ciseau pour la finition des détails et dans le rendu matière des tissus.

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La fuite d'Enée de Troie
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ARARPI0057135

La fuite d'Enée de Troie

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La fuite d'Enée de Troie

Huile sur toile. L'ensemble de la scène est jouée sur le clair-obscur du noir et du rouge, avec des flammes de feu qui fait toujours rage entre les tours et les clochers de la ville: au premier plan, les chiffres d'Énée avec son père Anchise sur son épaule, et son petit fils Ascagne à ses côtés alors qu'ils fuient la ville; à droite, au deuxième étage, le cheval de Troie. Bien que près du même objet d'Alessio De Marchis (1684-1752), la peinture se réfère également que le style de la peinture flamande. Restauré et ritelato. Il est présenté dans l'ancien cadre.

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Quai 12 Alessandro Papetti Huile sur Toile Italie 2014
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Quai 12 Alessandro Papetti Huile sur Toile Italie 2014

Pier 12, 2014

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Quai 12 Alessandro Papetti Huile sur Toile Italie 2014

Pier 12, 2014

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Autre signature, date et titre au dos. Né et formé à Milan, où il travaille toujours, Alessandro Papetti a commencé dans les années 1980 et continue d'exposer dans des expositions et des galeries, d'abord en Italie, puis à l'étranger, en Europe et aux États-Unis. Depuis 1995, son activité se situe entre Milan et Paris. La production artistique de Papetti a été réalisée par thèmes: à partir de la série Portraits dans les années 1980 et 1990, il s’est ensuite consacré, au XXIe siècle, à la Reperti (intérieurs d’usine) et à l’archéologie industrielle, au cycle de 'Acqua, pour ensuite atteindre les paysages, les intérieurs et la série de chantiers navals, à laquelle l'œuvre proposée appartient. Ports industriels, cales sèches et coques gigantesques, corps de navires exprimant leur taille et leur fragilité, sont présentés sous forme de coups de pinceau frénétiques et pâteux, dotés de caractéristiques matérielles, dans le but de "sortir" de la réalité, de faire face aux "Conteneur" avec une attitude psychologique différente, pour rechercher une dimension insaisissable de l'existence. Dans un cadre.

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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter
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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter

Le reniement de Pierre

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Hieronymus III Francken (1611-1661), Le déni de Peter

Le reniement de Pierre

Huile sur chêne, provenant d'une importante collection historique florentine. La collection a commencé par un ancêtre de la famille qui était à Vienne en 1798 et ensuite à Wurzburg jusqu'en 1813, en tant que compagnon de l'exil du Grand-Duc de Toscane Ferdinand III. La collection a été transférée à Florence après la chute de Napoléon, et son importance est prouvée par une copie d'un inventaire compilé en 1881. Au numéro 14 (correspondant à celui figurant sur le cartouche au fond de la table) Description du compilateur: ... un pied de lit en bois de deux pieds et quatre pouces de long, et un pied et huit pieds et demi, représentant Pierre qui renie Jésus-Christ devant la jeune fille dans la maison d'Anna. Nous voyons le Sauveur lointain porté à ce pontife pour être examiné, au milieu d'une foule et d'une quantité de soldats. Dans les années 1960, une attribution initiale à Bruegel a été refusée et déménagée à Francken. La composition a évidemment été couronnée de succès parce que d'autres versions de l'atelier étaient connues (voir, par exemple, une huile sur le cuivre avec un sujet et des dimensions identiques dans l'enchère de Koller le 18/09/2015). Présenté dans un cadre remis à neuf.

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Statue de pierre
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ARTART0000095

Statue de pierre

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Statue de pierre

Statue en marbre de Vérone, représentant la figure féminine placé dans le pied avec une main appuyée sur un tronc, et dans l'autre un bouquet d'épis de blé, symbole de la fécondité; vous pouvez voir une coiffe en ruine qui ressemble à une couronne. L'iconographie se réfère à la déesse grecque de la Fortune des Politiques. La base carrée renforcée avec du ciment qui est typique des statues dans la région de Veneto orné le palais et leurs apports.

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