'Clelia traverse le Tibre' Domenico Lupini attribué à

Le tableau représente Clélia traversant le Tibre. Clélia était une héroïne romaine, qui a été donnée en otage, avec d'autres filles, au roi étrusque Porsenna lors des négociations de paix avec la ville ; il réussit cependant à s'échapper en traversant le Tibre à la nage. Porsenna demanda aux Romains de le rendre, qui acceptèrent, mais admiré par son héroïsme, il décida de la libérer en lui permettant d'emmener avec elle d'autres prisonniers, que Clélia choisit parmi les plus jeunes. Le moment de la représentation est précisément celui de la traversée du fleuve, dont il y a la personnification au premier plan à droite, avec un vieil homme aux cheveux gris, accompagné d'une jeune femme avec une corne d'abondance. La scène est très dynamique, avec Clélia et les autres filles qui forment un groupe important et vivant, avec le cheval monté par le protagoniste, comme le rappellent certaines versions de l'histoire ; derrière eux les tentes du camp du roi étrusque avec quelques soldats. De l'autre côté de la rivière, il y a un autre groupe de femmes, la traversée déjà terminée, tandis qu'en arrière-plan, vous pouvez voir l'étendue avec la ville du Capitole au visage classique. L'œuvre, comme en témoigne un petit rouleau, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut émettre des hypothèses sur l'étendue de l'activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une « Madeleine convertie » et une « Annonciation », mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par la savante Federica Nurchis et placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Ces peintures présentent un chromatisme chaleureux et raffiné qui, associé à l'élégance des personnages et à la modalité de composition, suggère un séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. Présenté dans un cadre doré du 17ème siècle, restauré et rentoilé.

Portrait de Musicien

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne. L'homme est représenté alors qu'il écrit de la musique sur la partition posée sur la table. En haut à gauche l'inscription identifie le personnage : il s'agit de Giovanni Francesco Sillani, qualifié de "très expert dans l'art de la musique". La famille Sillani ou Silani, originaire d'Urgnano dans la province de Bergame, était une lignée d'organistes et de compositeurs qui ont occupé des postes dans divers chœurs de Bergame, de la fin du XVIIe siècle aux premières décennies du XIXe siècle. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre contemporain relaqué.

'Jugement de Paris' Domenico Lupini attribué à

Le modèle dérive d'une gravure de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël, spécialement réalisé pour le travail graphique, dérivant d'un tableau placé dans la Stanza della Segnatura (1513-1515). Ce modèle fut repris et modifié par Hans von Aachen dans une toile datée de 1588 et aujourd'hui conservée au Musée de la Chartreuse de Douai, reprise à son tour dans une gravure de l'année suivante par Raphaël Sadeler, dans le Cabinet des Dessins et Estampes de l' « Académie de Bergame Carrara. La toile en question est dérivée de cette dernière version, qui reprend les mêmes modifications apportées par rapport à l'original raphaelesque. Au centre de la scène, qui se déroule immergée dans un paysage naturel, se trouvent les trois déesses qui se disputaient le titre de la plus belle : Junon avec le paon, son animal symbolique, Vénus accompagnée de Cupidon et Minerve à côté de laquelle se trouvent les casque, lance et bouclier. Paris, de dos, remet la pomme d'or qui décerne vainqueur à la déesse de l'amour, sous le regard du juge Mercure. Deux angelots virevoltent autour des protagonistes, tandis qu'au premier plan, toujours de dos, figure un personnage masculin. Un pensionnat de campagne prend place sur la pelouse arrière. L'œuvre, comme en témoigne un petit rouleau, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais pour qui il est possible d'émettre des hypothèses sur l'étendue de son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par la savante Federica Nurchis et placées au monastère de Santa Chiara à Bergame. Ces peintures présentent un chromatisme chaleureux et raffiné qui, associé à l'élégance des personnages et à la modalité de composition, suggère un séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. Présenté dans un cadre doré du 17ème siècle, restauré et rentoilé.

Saint Michel Archange Défend le Diable Huile sur Toile Italie XVII S

Huile sur toile. L'œuvre est une copie du célèbre tableau de Guido Reni (1575-1642), réalisé entre 1635 et 1636 et actuellement conservé à l'intérieur de l'église Santa Maria della Concezione dei Cappuccini à Rome. L'iconographie de l'œuvre est basée sur la vision de saint Jean l'évangéliste décrite dans l'Apocalypse dans laquelle il apparaît "... un ange qui est descendu du ciel avec la clé des Abysses et une grande chaîne à la main [. .. qui ...] saisit le dragon, le serpent ancien - qui est le diable, satan - et l' ont enchaîné ... ». L'œuvre, dans l'original fortement baroque d'une grande intensité et force, est ici reprise avec fidélité et bon rendu, bien que les couleurs soient moins brillantes et les dimensions réduites, au détriment des grandes ailes de l'archange et du fond du paysage rocheux du monde souterrain. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre du début des années 1900.

Martyre de saint Jacques le Mineur

Huile sur table. Le cadre rectangulaire externe et un autre cadre interne, qui inscrit la peinture, sont sculptés dans la table. La scène propose le martyre de Saint Jacques d'Alfeo, l'apôtre dit le Mineur, pour le distinguer de l'autre apôtre du même nom, Giacomo di Zebedeo, dit le Majeur. Selon la tradition, Jacques le Jeune, condamné à mort par lapidation, fut plutôt tué d'un coup à la tête que lui donna un blanchisseur. La scène peinte propose des personnages habillés à l'ancienne mode de leur temps, mais insérés dans un habitat contemporain au peintre. Il fait partie d'un groupe de petites plaques qui racontent le martyre de divers saints, probablement faites à des fins d'illustration pour le peuple.

Martyre de saint Jacques le Majeur

Huile sur table. Le cadre rectangulaire externe et un autre cadre interne, qui inscrit la peinture, sont sculptés dans la table. La scène propose le martyre de saint Jacques de Zébédée, l'apôtre dit le Majeur, pour le distinguer de l'autre apôtre du même nom, Giacomo di Alfeo, dit le Mineur. Jacques le Majeur a été le premier apôtre martyr et a subi la mort par décapitation. La scène peinte propose le martyre infligé aux mains des soldats romains, mais inséré dans un habitat contemporain au peintre. Il fait partie d'un groupe de petites plaques qui racontent le martyre de divers saints, probablement faites à des fins d'illustration pour le peuple.

Scène de martyre

Huile sur table. Le cadre rectangulaire externe et un cadre interne supplémentaire, qui inscrit la peinture, sont sculptés dans la table. La scène propose le martyre d'un saint par lapidation ; bien que le saint le plus célèbre pour avoir subi cette condamnation fût Etienne (mais il fut martyrisé encore jeune, contrairement au martyr proposé ici), nombreux furent les chrétiens qui subirent cette forme de martyre, car la lapidation était le châtiment envisagé par le Mosaïque la loi pour les délits considérés comme plus graves, comme le blasphème. La scène peinte propose des personnages habillés à l'antique, mais s'insère dans un habitat contemporain au peintre. Il fait partie d'un groupe de petites plaques qui racontent le martyre de divers saints, probablement faites à des fins d'illustration pour le peuple.

Saint Martyr

Huile sur table. Le cadre rectangulaire externe et un autre cadre interne, qui inscrit la peinture, sont sculptés dans la table. La scène représente un saint chrétien agenouillé priant Dieu, refusant de participer au sacrifice à une divinité païenne que les prêtres font; à gauche un homme le pointe vers le soldat romain, l'accusant. La scène est un prélude au martyre de l'homme ; les costumes des personnages et l'autel païen correspondent à la période historique du martyr, mais le paysage est celui de l'artiste. Il fait partie d'un groupe de petites plaques qui racontent le martyre de divers saints, probablement faites à des fins d'illustration pour le peuple.

Sic Transit Gloria Mundi

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française du XVIIe siècle. La scène se déroule devant une arche ouverte dans une structure en pierre, qui donne accès à des pièces inhabitées et nues. Deux personnages, une femme et un putto, flattent avec différents instruments: elle joue une mandoline et, éparpillés sur le sol, il y a une palette de couleurs, des livres, des bijoux, des armures et des armes, d' autres instruments de musique, et un globe. où se dresse le putto, produisant des bulles de savon ; au sol au centre, un cartouche mentionne le dicton "Sic transit gloria mundi". Ceci est une célèbre expression latine qui signifie en italien « Ainsi passe la gloire du monde », utilisé pour mettre l' accent sur la valeur éphémère des choses de la vie, symbolisée par divers objets (arts, littérature, richesse ...), destinés à disparaissent comme des bulles de savon. Toute la scène a donc une forte signification allégorique/symbolique : même le coucher de soleil, qu'on aperçoit à gauche, exprime le même concept, tout dans le monde est destiné à finir. Le thème de la fugacité de la vie, toujours présent dans l'art, a connu son développement maximal au XVIIe siècle, étroitement lié au sentiment de précarité qui a frappé le continent européen suite à la guerre de Trente Ans et à la propagation des épidémies de peste. Avec des scènes allégoriques comme celle-ci, plutôt qu'avec les Vanitas ou Memento mori, ou des scènes ou des natures mortes avec des éléments symboliques faisant allusion au thème de la fugacité de la vie (le crâne, la bougie qui se consume, une horloge, une fleur brisée), nous voulions justement souligner l'état éphémère de l' existence, de l' homme et des biens terrestres. Au dos de l'ouvrage se trouve un cartouche qui indique une probable attribution à Simon Vouet. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre ancien réadapté.

Femme avec Collier Huile sur Toile - Italie XVII Siècle

Huile sur toile. École d'Europe du Nord. L'agréable portrait d'une jeune femme vêtue d'une élégante robe de soirée agrémentée d'un tour de perles autour du cou, rappelle les manières picturales de Peter Lely (1618 -1680), le peintre hollandais qui se consacra principalement au portrait, devenant à la cour de Londres et dans tout le royaume d'Angleterre successeur, dans le rôle de portraitiste, de Antoon van Dyck. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré d'époque.

Portrait d'une Femme avec Partition Huile sur Toile - XVII Siècle

Huile sur toile. École d'Europe du Nord. Une jeune femme veut rappeler sa passion, ou peut-être son engagement, dans le monde de la musique, en se faisant représenter une partition à la main. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre de style doré.

Vue des forums impériaux de Rome

Peinture à l'huile sur toile. La vue dégagée sur les Forums impériaux de Rome fait partie de la vaste production de paysage de la période Grand Tour, destinée aux riches aristocrates européens voyageant en Europe - et notamment en Italie, où a été considéré comme Rome un must - qui voulait un souvenir du lieux visités. Les Forums impériaux romains sont un complexe architectural composé d'une série de bâtiments et de places monumentaux, le centre de l'activité politique de la Rome antique, construit sur une période d'environ 150 ans, entre 46 av. et 113 après JC Malgré les agrandissements, les incendies, les restaurations et les reconstructions, durant l'Antiquité les Forums impériaux ont conservé intactes tant leur conformation architecturale que leur fonction. Leur destruction quasi définitive eut lieu à la Renaissance aux mains du pape Jules II (1503-1513), qui utilisa toute la zone comme carrière de matériaux à réutiliser dans la construction et la rénovation artistique de la ville qu'il a initiée. Les protestations d'artistes de premier plan tels que Raphaël et Michel-Ange ont été de peu d'utilité. Au cours des siècles suivants, diverses campagnes de fouilles ont été entreprises, avec une plus grande vigueur à partir du XIXe siècle, mais la zone a été complètement fouillée au début du XXe siècle et l'architecture ancienne a été presque complètement effacée pour faire place à la construction de via dei Fori Imperiali, qui relie la Piazza Venezia avec le Colisée. Le Forum a été redécouvert à partir du XVIe siècle également grâce aux peintres de vues romains qui, à l'époque, aimaient peindre les ruines émergeant dans la zone de pâturage. La vue proposée ici présente les Forums impériaux avant les fouilles commencées au XIXe siècle, alors que la route qui les traverse encore n'avait pas encore été construite : ils sont encore entourés d'une campagne verdoyante et les collines romaines se détachent en arrière-plan. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre restauré du XIXe siècle.

Scène bachique

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord. La peinture dans des tons calme propose au spectateur, personnifiée par la figure de l'homme en bas à droite qui observe l' ascension d' une branche d'arbre, une scène de divertissement orgiaque entre les hommes et les femmes dans un paysage qui évoque Eden avec des animaux libres et en paix ( le paon, les lapins..). Parmi les autres, à gauche, un enfant joue avec des bulles de savon : l'intention d'opposer la fugacité de la vie aux plaisirs des sens est évidente ; haut dans les nuages, une divinité observe la scène, Chronos, le dieu du temps, qui avec sa faux souligne la mortalité humaine. Une étiquette sur le cadre attribue l'œuvre au Flamand Philippe-Augustin Immenraet (1627-1679), en raison de la proximité du paysage sujet à son style. L'œuvre, restaurée et rentoilée, présente une chute de couleur centrale. Il est présenté dans un cadre élégant.

Saint-Jean-Baptiste

Peinture à l'huile sur toile. Jean-Baptiste était représenté, enveloppé dans la traditionnelle peau de bête, assis sur un rocher contemplant le crucifix ; en bas à droite, une source d'eau, symbole baptismal, jaillit du rocher. Ses signes iconographiques traditionnels apparaissent alors, témoins de ses particularités missionnaires, bien que la pose du saint soit atypique, plus contemplative que celle d'un prédicateur. Les modalités picturales sont proches de l'école espagnole de dérivation à Murillo, le plus grand artiste espagnol du baroque religieux, qui imprégnait ses figures d'une intense interprétation psychologique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre contemporain ancien, avec de petits manques.

Sujet Historique Huile sur Toile - Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. École vénitienne. La scène, qui se déroule dans un territoire désertique près de montagnes enneigées, voit une caravane itinérante, avec une figure féminine importante au centre sur le dos d'un chameau, s'adressant à un serviteur en dessous ; la classe sociale élevée des femmes est inférée, dominante sur toutes les autres, et la représentation de la reine de Saba, la reine biblique très riche venant d'Orient pour rencontrer le roi Salomon, est hypothétique. Les méthodes picturales rappellent la production de Francesco Fontebasso (1707-1769), l'un des principaux représentants de la peinture vénitienne de la période rococo. Le petit travail était probablement un croquis pour une toile ou une fresque plus grande. Au dos se trouve une étiquette de la collection historique Simonetti à Rome. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Jacob Reçoit la Tunique Sanglante de Joseph

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le tableau dépeint l'épisode biblique tiré du livre de la Genèse, où les frères de Joseph, jaloux de la prédiliction de leur père Jacob pour lui, lui vendent comment esclave à des marchands qui vont à l'Egypte et déclarent à leur père qu'il est mort: ils portent sur éprouver la tunique souillée du sang d'un animal, cette tunique spéciale que Jacob avait fait tisser spécialement pour son fils bien-aimé. Dans cette représentation, où les couleurs vives soulignent le drame, ressort le mouvement intense du vieux patriarche, qui, défiguré par la douleur au visage, essaie de garder ce tissu taché loin de lui, déplaçant tout son corps vers la gauche et étendant son bras. ne pas lui permettre de l'approcher, presque une tentative de nier l'évidence. A droite, le groupe de trois frères, rapprochés dans une attitude complice, qui se racontent et se pointent le drame paternel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien réadapté.

Adoration de l'Enfant Jésus Huile sur Toile XVII Siècle

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Eau Fort sur Papier par Frederik De Wit XVII Siècle

Carte du duché de Toscane vers 1680

Eau-forte sur papier, réalisée par le cartographe hollandais Frederik De Wit. le titre latin "Status Ecclesiasticus et Magnus Ducatus Thoscanae" est indiqué dans le cartouche en haut à droite, avec la date. C'est la carte géographique du territoire de l'Italie centrale à la fin du XVIIe siècle, correspondant à l'État pontifical et au Grand-Duché de Toscane. Présenté dans le cadre.

Tobiolo et Tobia Huile sur Toile Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Un épisode biblique tiré du livre de l'Ancien Testament de Tobie est représenté, dans lequel il est raconté comment Tobiolo, de retour d'un long voyage initiatique, dans lequel il était accompagné de l'ange Raphaël et du chien, a rendu la vue à son père aveugle. Dans la scène, se détachent au centre les figures des deux protagonistes, le vieux père, assis sur un banc et surveillé par sa fidèle épouse, et le jeune Tobiolo à genoux ; derrière eux l'ange les domine, avec ses grandes ailes protectrices ouvertes sur les deux hommes et qui enveloppe Tobiolo dans une étreinte, signe de participation divine et de protection pour l'homme qui accomplit le miracle. La scène est construite autour de la dynamique gestuelle de la guérison - Tobias touchant les yeux aveugles de son père en les oignant avec le fiel du poisson qu'il a pêché pendant le voyage et qu'il tient dans son autre main - qui est interprétée selon la tradition comme une sorte de onction qui produit le salut. La vivacité chromatique et le mouvement des corps, entrelacés, superposés, interagissant pour donner du dynamisme mais en même temps presque pour créer un unicum, enfermé dans une forme presque circulaire, bien délimitée par les ailes d'ange, ressortent de cette œuvre. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien réadapté.

Scène d'Intérieur Huile sur Table XVII Siècle

Huile sur table. Ecole flamande. Signature non déchiffrée en bas à droite. Installée dans la chambre d'une maison rurale, la scène dépeint un moment de la vie quotidienne d'une famille paysanne : le père regarde la marmite au-dessus de la cheminée, la mère coud, la fille joue par terre avec le chien ; dans la pièce attenante, une jeune femme entre par la trappe qui mène à la cave, une cruche à la main. La perspective marquée de la pièce se détache, jouée à travers les poutres et les planches de bois du plafond; les détails du mobilier simple sont bien définis. La toile présente des traces de restauration. Il est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.