Mosè e le Figlie di Jetro

Tempera su carta, applicata a faesite. L'episodio biblico raffigurato, narrato nel libro dell'Esodo, racconta di come il giovane Mosè, ancora alla corte del faraone d'Egitto, difende le sette giovani figlie del sacerdote Jetro, importunate da alcuni pastori madianiti mentre attingono acqua al pozzo. A seguito di questo suo intervento, Mosè riceverà in moglie una delle figlie di Jetro, Sefora. Soggetto ampiamente riproposto nell'arte, è qui presentato con un'attenzione particolare alla componente ritrattistica, con un'esacerbazione particolare dei tratti espressivi, sia nei volti che nelle pose, dei personaggi. La scena è molto movimentata, con la figura di Mosè centrale, vigorosa e combattiva, che divide in due il campo: alla sua sinistra le sette ragazze, ognuna caratterizzata da un comportamento diverso; alla destra i pastori importuni, che subiscono l'ira di Mosè. Di sfondo, un paesaggio tipico delle produzioni dl XVIII secolo, con una rovina architettonica dietro il pozzo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Serigrafia di Giuseppe Migneco

Senza titolo

Serigrafia su tela. Firmata in basso a sinistra. Al retro è presente il numero di serie 114/200. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. Le sue opere girano il mondo. Assolutamente conforme alla sua produzione più nota questa serigrafia, che si inserisce nella serie di figure di pescatori, ampiamente riproposta dal Migneco in tante variazioni. In questo caso, è un pescatore a riposo, che propone alla sua compagna il frutto del suo lavoro. La serigrafia presenta tracce di un lievissimo strappo, individuabile solo dalla riparazione al retro.

Ritratto di Principe

Olio su tela. Al retro è presente scritta di fantasia "Principe Hansen Frederik Lodewik 1779"; l'abbigliamento è consono a nobile del XVIII secolo, ma non è possibile ricondurlo ad alcun personaggio reale. Il dipinto è stato restaurato e ritelato; è presentato in cornice in stile.

Coppia di nature morte con vaso di fiori e uccellini

Olio su tela. Scuola del Nord-Italia. Belle composizioni con mazzo di fiori assortiti nelle tonalità dei rossi (che rimandano alle coperture dei tavoli), bianchi e bruni, presentate in preziosi vasi in metallo sbalzato; peculiare la presenza in entrambe le tele dell'uccellino posato sul tavolo di fianco al vaso. Le due composizioni rimandano all'ampia produzione di nature morte, che iniziò a svilupparsi largamente dal XVII secolo grazie a Caravaggio che riteneva “che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure”. Questa sua affermazione diede dignità e autonomia alla natura morta e il via ad una produzione di opere da parte di diversi autori, a partire dalla scuola romana caravaggesca ma poi allargatasi ampiamente alla produzione del Nord-Italia e fiamminga, che arrivò fino al '900. Questa tipologia di dipinto si ritrova spesso in coppia per una richiesta specifica della committenza, dato lo scopo espressamente d'arredo che essa aveva. Le due opere qui proposte sono presentate in notevoli cornice coeve, in legno intagliato a volute fogliacee e dorate.

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice.

Giovanni Sottocornola copia da

Luce e Lavoro

Olio su tela. In basso a destra la dicitura "Da Sottocornola". Copia quasi coeva del noto dipinto di Giovanni Sottocornola, che presentato alla Permanente nel 1914, ottenne il Premio Cassani. L'opera ritrae Maria, la figlia del pittore, intenta al lavoro di cucito. Negli anni successivi al 1898 il pittore milanese si dedicò difatti al ritratto intimista e alle scene di genere, prevalentemente a soggetto femminile e dell'infanzia, ispirate agli affetti familiari e del proprio ambito domestico, riproducendo con frequenza la moglie e le figlie. Il dipinto presenta qualche caduta di colore lungo il margine destro. In cornice.

Figura maschile

Olio su tela. E' lo studio dal vero, probabilmente per una scena più grande, di una figura di rematore: il modello è nella posa richiesta per il personaggio, con il piede che poggia su un gradino e le mani che impugnano un bastone generico alla guisa di un remo. Benchè di taglio accademico, risulta comunque ben rifinito, nelle forme, nell'anatomia già completa, nelle scelte cromatiche. Restaurato e ritelato (purtroppo con alcune zone di restauro del colore poco efficaci), è' presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Casolare

Olio su tela. Scuola inglese. Firmato in basso a destra (L. Weston). Il dipinto è accompagnato da foto con perizia degli anni '70-'80, che lo attribuisce a Lambert Weston (1804-1895). E' presentato in cornice in stile.

Natura Morta con Aragosta

Olio su tela. L'opera è accompagnata da una autentica su foto degli anni '70-'80 di perito del Tribunale di Milano, che la attribuisce ad ambito olandese della prima metà del '700, ipotizzando il nome di Tomas Smith (1680-1750). La composizione, molto sobria e spoglia, è divisa in due fasce orizzontali piuttosto nette, quella superiore data dallo sfondo buio e vuoto, quella inferiore creata dal bianco variegato del piano d'appoggio, che evoca il marmo di un altare; al centro, elemento di raccordo tra le due parti, la natura morta, composta da pochi elementi, l'aragosta, un pane, un calice, una fiaschetta. Al retro presenti diversi rattoppi. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Gruppo di quattro Pannelli dipinti

Scene Pastorali

Olio su tavola. Decorati a scene pastorali su sfondo monocromo verde chiaro, con coppie, bambini, singoli contadini ripresi durante momenti di riposo e di conversazione, alla guisa di modelli del XVIII secolo, Probabilmente formelle in legno di ante di mobili, i dipinti sono stati montati più recentemente su telai in legno. Presentano diverse cadute di colore e macchie, soprattutto in corrispondenza dello sfondo.