Madonna con Bambino

Olio su cartone telato. In basso a destra presente la firma Matì. Produzione anni '30 circa, propone una Madonna con Bambino che guarda, come impostazione delle figure, ai modelli rinascimentali. L'opera è presentata in cornice lavorata di fine '800.

Maestro dei Riflessi attribuibile a

La Toeletta Mattutina

Olio su tela, applicata a cartone. Il Maestro dei riflessi, anonimo veneziano della metà del '700, fu artista appartenente alla cerchia dell'artista veneziano Pietro Longhi (1701-1785), il quale si specializzò e diede seguito ai dipinti di genere e di costume con scene di vita veneziana, che lo resero famoso a partire dalla metà del secolo. In essi venivano raccontati episodi accattivanti della bassa o dell'alta società veneziana, immersa nella sua vita quotidiana, rispondendo in pieno al desiderio illuministico di indagare la realtà che ci circonda. La fortuna di questi soggetti presso gli aristocratici e gli intellettuali veneziani (tra i quali il grande commediografo Carlo Goldoni) favorì la crescita di numerosi imitatori e seguaci, tra i quali appunto il Maestro dei Riflessi. La scena qui proposta è ambientata nella camera dal letto della signora, che si sta levando e, assistita dalle cameriere, procede alla toilette del mattino; nella poltrona di fianco, il marito, ancora in abiti da camera, legge il giornale. L'opera proviene da una importante collezione storica italiana. E' presentata in cornice dorata di fine '800-inizio '900.

Madonna con Bambino e Angeli

Trittico a fondo oro, fine '800

Tempera su tavola a fondo oro. Il trittico in stile neogotico, riproduce una struttura a tabernacolo, in legno intagliato e dorato, all'interno della quale, nelle tre distinte cappelle anch'esse a fondo oro, sono dipinti la Madonna con il Bambino al centro, due arcangeli musicanti ai lati. L'opera rientra in una produzione fiorente nella seconda metà dell'800, che recuperò lo stile del gotico soprattutto nell'architettura ma anche in ambito pittorico, ove, rifacendosi nel gusto e nella tecnica soprattutto alla produzione fiorentina del XII-XIV secolo, ripropose soggetti religiosi su tavole a fondo oro, recuperando il valore di tale prezioso elemento, simbolo della divinità , dell'irraggiungibile.

Maurizio Bottarelli

Senza titolo1973

Acrilico su tela. Firma, data 1973, tecnica e luogo d'esecuzione (Bologna) al retro. Presente inoltre parziale etichetta di Associazione culturale d'arte di Milano. Nato a Fidenza (Parma) e formatosi artisticamente all'Accademia di Belle Arti di Bologna, Maurizio Bottarelli ha molto viaggiato all'estero (Londra, Stati Uniti, Austria, Australia,..) , cercando ispirazione alle sue opere nei luoghi da lui visitati. Il suo linguaggio si contraddistingue per l'incessante dialogo, che attraversa tutta la sua produzione, tra i due elementi protagonisti delle tele, la materia e il colore, giocato sulla sperimentazione, la ricerca, la stratificazione della materia – pigmenti, carta, colla, vernice, solvente – rese possibili da un'eccezionale abilità tecnica. I suoi paesaggi, ispirati inizialmente dai suoi viaggi, si proiettano poco a poco verso una sempre maggior astrazione, arrivando a prescindere da qualsiasi riferimento a luoghi reali. Così come i suoi ritratti di figure umane (le "teste"), sono piuttosto rappresentazioni che si potrebbero definire universali dell'uomo e della condizione umana, di cui indagano nei volti segnati, sofferenti, contratti in una smorfia forse di paura o dolore, una vera e propria “topografia della sofferenza” . Tutta la sua produzione viene presentata in più di cento mostre personali in Italia ed all'estero; partecipa a tutte le più importanti rassegne collettive e tematiche che documentano l'arte contemporanea in Italia dagli anni sessanta ad oggi.

Grande Natura morta con vaso e Fiori

Olio su tela. La grande composizione, concepita a guisa di decoro con effetto di trompe l'oeil, propone un vaso straripante di una cascata di fiori variopinti, che poggia su un cornicione, dietro il quale di sfondo si intravvedono delle architetture, i capitelli di semicolonne. Il dipinto è stato sottoposto a restauro riparativo per alcune cadute di colore. E' presentato in cornice in stile.

Filippo Palizzi

Cagnolini in salotto 1886

Olio su tela. In basso a sinistra presenti la firma, la data e il nome "Fox" sotto il cane nero: un' etichetta cartacea al retro specifica, con il titolo, che Fox è corrisponde al nome del cane. Al retro è presente altra etichetta della Galleria d'arte di Montecatini, ove il quadro è stato esposto nel 1972. Originario di Vasto ma formatosi artisticamente a Napoli, Filippo Palizzi rappresenta con il fratello Giuseppe, il primo tentativo di un indirizzo verista nella pittura italiana dell'Ottocento, sulla scia della scuola di Posillipo. Definito anche il "pittore degli animali", oltre ad essi rappresentò prevalentemente scorci di angoli rustici e vedute di Napoli e dei suoi dintorni. Fu tra i primi pittori a interessarsi di fotografia e a praticarla, e utilizzava normalmente le immagini fotografiche, proprie o di altri, come modello per i suoi dipinti. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Roberto Aloi

Paesaggio, 1949

Olio su tavola. Firmato e datato in basso a destra. Al retro è presente cartiglio di partecipazione al "Premio nazionale di pittura Città di Gallarate". Pittore e scultore italiano del Novecento, originari odi Palermo, Roberto Aloi fu un artista schivo e versatile. Strinse profonde amicizie con importanti pittori e scultori quali Dudreville, Messina ecc. Si avvicinò al Novecento, all'Astrattismo, al futurismo e alle tendenze artistiche della sua epoca. Dal 1950 si occupò di architettura e design pubblicando libri di successo internazionale per l'editore Hoepli. Il paesaggio proposto, uno scorcio costiero, esprime il suo concetto di naturalismo, "così incantato e puro che un passo breve lo separa dall'astrazione". In cornice.

Ecce Homo

Olio su tela. Scuola italiana. Il Cristo incoronato di spine e rivestito del manto rosso, come tramanda il racconto evangelico della Passione, è qui presentato, inscritto in ovale, a mezzo busto, senza contorno di scena, a concentrare lo sguardo dello spettatore sul suo volto sofferente. La tela presenta segni di restauro e ritelatura.

Elemento decorativo neoclassico

Tempera su tavola. Si tratta di elemento decorativo proveniente da palazzo signorile lombardo. E' raffigurato un canestro ricolmo di fiori e steli, poggiato su una base marmorea, con disegnati anche gli effetti d'ombra; domina il monocromatismo nelle sfumature del marrone, sia nello sfondo che nella composizione floreale. Rientra perfettamente nel gusto neoclassico, che prediligeva la plasticità scultorea alla espressività pittorica, la predominanza della forma sul colore, e abbelliva le pareti con finti decori tridimensionali, con effetto "trompe l'oeil". La tavola presenta danni da cadute di colore e macchie di umidità. E' presentata in cornice

Erminio Soldera

Ritratto femminile

Pastello su cartone. Firmato in basso a destra. Delicato ritratto di giovane donna sorridente in abito da sera, su uno sfondo sfumato e incorporeo. Erminio Soldera si distinse nella produzione di paesaggi ma anche in quella dei ritratti le sue opere si distinguono per la delicatezza delle tinte, soffuse e sfumate. Il dipinto è presentato in cornice della metà '900.

Coppia angoliere

XVIII Secolo - 1700

Coppia di grandi angoliere da palazzo, montanti rudentati terminanti in piede tronco-piramidale, composte da un'anta ciascuna a due pannelli. I mobili sono laccati in avorio e blu nella cornice dei pannelli, nella modanatura superiore e nei collari dei piedi, le cornici sono argentate a guazzo. Al centro dei pannelli delle ante vi sono dei medaglioni dipinti con dei paesaggi con costruzioni e colline sullo sfondo, i rosoni sono trattenuti da nastri rosa e sormontati da un cesto di fiori. Serrature in ferro battuto coeve. le lacche sono originali.

Saverio Terruso

Composizione 1973

Olio su tela. Firmato e datato '73 in basso a destra. Saverio Terruso, pittore di temperamento essenzialmente mediterraneo, legato culturalmente ed emotivamente alla sua terra d'origine, la Sicilia, annovera tra la sua produzione un'ampia gamma di opere che vogliono trasmettere il fascino autentico di un mondo rurale che è ormai sul punto di scomparire definitivamente; in esse vengono rappresentati soprattutto personaggi rurali, quali i contadini con la coppola, al lavoro o in trattoria, o donne melanconiche rinchiuse nei loro scialli, curve sulle loro attività quotidiane in casa, oppure protagoniste di processioni. La sua pittura è caratterizzata da toni piuttosto drammatici, con forti tensioni deformanti e con colori molto accesi e spesso contrastanti. Benchè in linea con il suo peculiare stile pittorico, il soggetto qui proposto si discosta dalla sua produzione più nota, privo di figure umane: è di fatto una natura morta, composizione di frutti in un piatto sul tavolo, anche se il rimando è comunque al mondo popolare, rurale, a lui caro. Il dipinto è presentato in cornice.