Ricami su tela, ritagliati ed applicati su pannello ligneo. Probabilmente appartenenti a composizione più grande, poi rielaborati per creare serie decorativa, la corolla a calice di un fiore dal lungo stelo, riempita di frutta ed altri fiori, dai colori variegati. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Si tratta di una copia in controparte dell'originale attribuito a Francesco Solimena (1657 -1747) e conservato come tela delle stesse misure presso la Galleria Doria Pamphilj a Roma, e tradizionalmente considerato bozzetto preparatorio per affresco. Questa copia ,dall'analisi materica, è databile alle metà del '700. L' allegoria, inscritta in un ovale, rappresenta una figura femminile seduta che con la mano sinistra regge il modello di un edificio architettonico, aiutata da un putto, mentre con l'altra mano indica una corona e una tiara, poggiate su un basamento che reca il nome Europa. Attorno a lei vi sono altri puttini, oggetti differenti, e un cavallo. Il dipinto presenta segni di restauro e ritelatura.

Ricami su tela, ritagliati ed applicati su pannello ligneo. Probabilmente appartenenti a composizione più grande, poi rielaborati per creare serie decorativa, la corolla a calice di un fiore dal lungo stelo, riempita di frutta ed altri fiori, dai colori variegati. E' presentato in cornice in stile.

Ricami su tela, ritagliati ed applicati su pannello ligneo. Probabilmente appartenenti a composizione più grande, poi rielaborati per creare serie decorativa, la corolla a calice di un fiore dal lungo stelo, riempita di frutta ed altri fiori, dai colori variegati. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda del XVIII secolo. Una composizione quasi a ghirlanda di fiori variegati, che occupano tutto il campo pittorico, su uno sfondo scuro da cui emergono da soli, senza alcun altro elemento d'arredo. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile di inizio '900.

Olio su tela. I due dipinti, sicuramente gemelli per la tipologia di soggetto e le modalità pittoriche, propongono due scorci paesaggistici tipici della produzione nordica del XVII -XVIII secolo, con ampi spazi di campagna abitata da casolari in prossimità di corsi d'acqua, figure di contadini e popolani intenti alle loro opere, le montagne azzurre sullo sfondo, precedute da colline dolci e sormontate da un cielo azzurro ma ricamato da nuvole bianche. Già ritelati e restaurati, i due dipinti presentano macchie e opacità del colore. Sono presentati in cornici in stile.

Olio su tela. La composizione pone al centro alcuni elementi musicali, un mandolino e uno spartito musicale, accompagnati da altri volumi chiusi , da un vaso in rame con fiori sulla sinistra, mentre a destra vi è una teiera riccamente lavorata in ceramica e metallo sbalzato, antistante ad un piatto di fichi. Completano la composizione alcuni tessuti, disposti sia sul piano d'appoggio che di sfondo come tendaggio. La ricca composizione di elementi differenti volva essere una sorta di estensione degli ambienti in cui l'opera veniva collocata. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice in stile, con mancanze.

Scena di Sacrificio a Venere

Acquarello su carta. In basso a sinistra il nome Giuseppe Cades, Benchè al retro, oltre all'attribuzione, sia proposto il titolo "Il giuramento della Vestale", la scena propone piuttosto una fanciulla che offre ghirlande di fiori alla statua della dea Venere, tradizionalmente raffigurata discinta, che trattiene con una mano il velo a coprire i lombi mentre l'altra va a coprire il seno, e il capo con i capelli raccolti e adorni di fiori. Alle spalle della ragazza un giovane uomo assiste alla scena, mentre un terzo sbircia da dietro la colonna del tempio: pare pertanto una scena di supplica alla dea, perchè favorisca l'amore dei due giovani: secondo la tradizione sia greca che romana, le giovani donne prima delle nozze si votavano a tale dea, considerata protettrice del matrimonio e della fedeltà coniugale. L'opera pare vicina alla produzione di Giuseppe Cades, che nel decennio 1780-90 divenne uno dei più noti ed apprezzati personaggi del mondo artistico romano, e fu anche disegnatore e incisore. L'opera è presentata in cornice.

Tecnica mista su carta, applicata su cartoncino. Scuola italiana. Al retro è proposto il nome di Londonio: la delicata opera richiama sicuramente nel soggetto e nei modi l'opera di Francesco Londonio (1723-1783), l'artista milanese che si specializzò nel genere animalista e pastorale. Si può considerare piuttosto opera ispirata al Londonio, di artista vicino al suo ambito.

Olio su tela. Scuola centro-Europa. La scena è ambientata nella bottega di un barbiere, che è intento a tagliare i capelli di un uomo sotto lo sguardo attento di altri clienti e, soprattutto, di alcune donne con i bambini, una delle quali osserva addirittura con degli occhialini il risultato dell'opera. Gli occhiali nell'arte furono introdotti dapprima come segno di distinzione, e poi anche come segno di attenzione scientifica, delineando progressivamente la figura dello studioso, del medico e del chirurgo: in questa tela in realtà sottolineano l'ironia della scena, utilizzati come strumento per un attento esame femminile del taglio di capelli del coniuge! Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.