Olio su tela. Scuola nord-europea del XVIII secolo. Una targhetta sulla cornice attribuisce l'opera a Meindert Hobbema (1638 -1709) uno dei massimi paesaggisti olandesi. Pur non confermando l'attribuzione, si apprezza la buona qualità pittorica del paesaggio alberato, animato da figurine e con un grazioso cottage che spicca al centro, ove spiccano i giochi di luci ed ombre creati dal sole tra le fronde degli alberi. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di metà '900.

Olio su tela. Scuola bolognese del XVII -XVIII secolo. Maria e il Bambin Gesù, che sta in braccio alla madre in piedi, con le braccia allargate già a richiamare la Croce, sono collocati su uno sfondo naturalistico, che sfuma in un cielo rosato in lontananza, mentre sulla destra si erge il fusto di una colonna. I volti delle due figure denotano una forte somiglianza nei tratti somatici, in particolare risaltano gli occhi, fortemente espressivi nella loro serietà. I modi pittorici guardano alla pittura di Elisabetta Sirani (1638 -1665), che influenzò la pittura bolognese introducendo assai precocemente modalità espressive ed emotive negli sguardi dei suoi personaggi. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice antica.

Incisioni su carta. Cinque sono da disegni di Giuseppe Zocchi (1711-1767) e le altre cinque da disegni di Jacopo Amigoni (1682-1752). Raffigurano tutte episodi dell'Antico Testamento, con personaggi ed episodi diversi. Di Zocchi si hanno scene della vita di Tobia, di Iefte, di Mosè (il roveto ardente), di Agar e di Lot. Di Amigoni, scene della vita di Giacobbe, di Davide con Abigail, di Abramo e altre due di Mosè (Mosè salvato dalle acque e Mosè che difende le figlie di Ierto al pozzo). Il tedesco Joseph Wagner si formò come pittore a Venezia, nella bottega del pittore rococò Jacopo Amigoni, il quale lo invitò a dedicarsi all'incisione a bulino su rame. Nel 1739 fondò a Venezia la Calcografia Wagneriana, che divenne in breve tempo il più importante centro di produzione di stampe della Serenissima; la sua bottega fu molto frequentata da numerosi acquafortisti veneti (il Volpato, il Brustolon, il Piranesi per citarne alcuni). Nella prolifica bottega i più valenti incisori attivi all'epoca vennero impiegati nella realizzazione di centinaia di stampe riproducenti tutti i generi della variegata cultura figurativa lagunare del Settecento, realizzando opere di alto livello qualitativo, in cui ad avere un ruolo di primo piano furono da subito le stampe tratte da prototipi di Amigoni, Le scene riproposte sono di gusto rococò, ambientate in paesaggi dominati da una natura gentile e impreziositi dalla presenza di ruderi antichi, e inserite in leggiadre cornici rocaille. Le incisioni presentano lievi gore di umidità. Sono presentate in cornici coeve dorate, con vetri d'epoca.

Olio su tela. Nel grande paesaggio campeggiano in primo piano colline boschive, verdi e ombrose, nelle quali vivono la loro quotidianità alcuni e figure di pastori: alcuni accudiscono un grande cumulo di paglia a cui stanno dando fuoco, altri si riposano, altri ancora conducono le greggi sul sentiero. Di sfondo il cielo azzurro-grigio fa contrasto con il dominante colore della terra rossa. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di metà '900.

Les Gueux, 1622 (serie completa)

Incisioni ad acquaforte. Si tratta della serie completa di 25 incisioni su carta dei "Mendicanti" (Les Gueux), realizzata dall'incisore francese a Nancy, e ampiamente riprodotta per la popolarità che ottenne; Rembrandt, che possedeva una collezione di stampe di Callot, si ispirò ad esse per le sue figure di mendicanti.. Vengono raffigurati mendicanti o popolani di origine italiana (Callot eseguì i disegni in Italia) che simboleggiano le povertà e le piaghe della condizione umana. Le incisioni non sono state firmate dall'autore, ma sono state numerate; solo la prima incisione, che raffigura un umilissimo personaggio che porta una bandiera con la scritta "Capitano De Baroni", e che rappresenta anche il frontespizio della raccolta, riporta il nome del disegnatore ed incisore. Tutta la serie è presentata in cornici in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda del XVIII secolo. Una composizione quasi a ghirlanda di fiori variegati, che occupano tutto il campo pittorico, su uno sfondo scuro da cui emergono da soli, senza alcun altro elemento d'arredo. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile di inizio '900.

Olio su tela. Scuola centro-Europa. La scena è ambientata nella bottega di un barbiere, che è intento a tagliare i capelli di un uomo sotto lo sguardo attento di altri clienti e, soprattutto, di alcune donne con i bambini, una delle quali osserva addirittura con degli occhialini il risultato dell'opera. Gli occhiali nell'arte furono introdotti dapprima come segno di distinzione, e poi anche come segno di attenzione scientifica, delineando progressivamente la figura dello studioso, del medico e del chirurgo: in questa tela in realtà sottolineano l'ironia della scena, utilizzati come strumento per un attento esame femminile del taglio di capelli del coniuge! Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

Olio su tela. Scuola centro-Europa. Nella scena ambientata all'interno di una taverna, è descritta una rissa tra due uomini, che sono trattenuti dagli altri avventori e dalla locandiera; sul tavolo, di fianco al pranzo interrotto, le carte della partita che ha scatenato la lite. Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

Olio su tela. Scuola Nord-Italia. Nella scena quattro fanciulle danzano, accompagnandosi con diversi strumenti: Venere, che si distingue per la corona sul capo, batte su un triangolo, le tre Grazie hanno un tamburello e delle nacchere. In basso al centro, un fanciullo le accompagna con il flauto, mentre sulla sinistra, seduto su una roccia appoggiato alla sua spada, le osserva il dio Marte. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica ridorata.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. In un ampio paesaggio collinare piuttosto brullo, che si allarga sfumando sulla destra, si inserisce un alto roccione, conformato ad arco, sotto il quale vi è San Gerolamo penitente, raffigurato in atto di preghiera e di adorazione della Croce. Conformemente ai canoni della pittura del XVII-XVIII secolo, la figura del Santo, adeguata all'iconografia nelle vesti e nell'atteggiamento, è però inserita in un paesaggio poco consono, vicino a quello del pittore che si rifaceva alla realtà paesaggistica a lui nota. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.