Giulio Cesare Vinzio - Libeccio

Olio su tela. La grande composizione, non firmata, propone un insieme di alimenti sul tavolo di una semplice cucina: un grande cesto ricolmo di verdure dell'orto, sparse anche sul piano sottostante, un piatto con formaggi, due pesci già puliti; spicca poi, sulla parete retrostante, l'altarino con l'immagine sacra ... affiancata da una treccia d'aglio! Il dipinto è presentato in cornice dorata della prima metà del '900.

Ritratto di Bambino

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Pittore palermitano, Francesco Camarda si distinse per la pittura di figura, dedicata ai ritratti e al nudo, e soprattutto per la pittura animalista, sulla scia della produzione verista dei fratelli Palizzi. Seppe esprimere una pittura dal colore vivace e fresco. In questo piccola tela è proposto il ritratto di un bambino seduto su una seggiolina, incappucciato a incorniciare il viso paffuto e sorridente, lo sguardo diretto, le manine pienotte poggiate sulle ginocchia in una posa fiera e risoluta. L'opera è presentata in cornice coeva.

Nudo di Donna

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Istvan Mero fu un pittore ungherese di stampo impressionista che si formò prima a Budapest, poi a Parigi e a Monaco. La sua produzione pittorica propone spesso soggetti figurativi popolari, come questo ritratto femminile che raffigura una giovane donna nuda colta tra le lenzuola, ... mentre legge un giornale, perdendo ogni significato erotico per sottolineare piuttosto un momento di intimità domestica. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva con piccole mancanze.

Paesaggio Fluviale

Olio su faesite. Firmato in basso a sinistra. Pittore, scultore e architetto, Carlo Bonomi, dopo la formazione presso l' Accademia di Brera, aprì a Milano uno studio insieme a Carlo Carrà, a Giannino Castiglioni e a Barilli. La sua pittura è caratterizzata da colori accesi - gialli, rossi e bruciati - stesi con sostanza materica, come se intuisse nella pittura una terza dimensione. Ha realizzato opere a grandezza monumentale, piene di figure, viste nella loro quotidianità: persone umili e operose, con profonde motivazioni religiose e umane. Non ha mai dimenticato anzi ha piuttosto esaltato la sua estrazione popolare. In quest'opera l'artista propone un ampio paesaggio di campagna ove scorre un fiume, forse il Ticino dei luoghi abitati dall'artista: a differenza di molte altre sue opere, le cromie, che prediligono le gamme del verde, giallo azzurro, sono stese con ampie pennellate in sfumature morbide, senza contrasti. L'opera è in cornice.

La Femme au Chien 1924

Acquatinta a colori. Firmata in basso a sinistra e a destra a matita; numero di serie 160/200 in basso a sinistra. Pierre Bonnard, pittore, incisore e fotografo francese, cominciò a dipingere mentre compiva gli studi di legge a Parigi, ma ben presto abbandonò l'arte forense per dedicarsi solo alla pittura. Nel 1888, all'Accademia Julian di Parigi, Pierre bonnard fondò con Paul Sérusier, Maurice Denis e Paul Ranson, il gruppo dei pittori Nabis (Profeti), gruppo che si rifaceva, nei propri ideali estetici, alle opere e alla poetica di Paul Gauguin, per il superamento del naturalismo impressionista tramite un ritorno all'arte primitiva e giapponese. Nel 1891 Pierre Bonnard realizzò la sua prima etichetta per una ditta produttrice di vini, alcune litografie per "La Revue Blanche" (presso la cui sede si riunivano i Nabis) e disegnò anche progetti di mobili e decorazioni per paraventi interessando Toulouse-Lautrec con la qualità decorativa dei suoi quadri e il suo uso personale del colore. Nel 1892 espose alcuni suoi pannelli decorativi al Salon des Indépendants, cominciando ad interessare i critici d'arte. Poco per volta il pittore egli abbandonò i grigi toni accademici e sperimentò con entusiasmo l'incontro dell'arte con il mondo delle colorate cose comuni. I suoi lavori, presto riconoscibili dei colori iridescenti, i tratti vivaci e la prospettiva aperta, vennero largamente apprezzati. Nel 1896 egli tenne la sua prima mostra personale, e la sua sua fama si si diffuse in Europa con le esposizioni in Svezia e in Norvegia. Passato sotto l'influenza della corrente dell' Art Nouveau, Bonnard si interessò alle stampe giapponesi, molto di moda nel mondo artistico parigino alla fine dell'Ottocento, fino a trasportarne alcuni tratti nei suoi quadri: Bonnard sarà soprannominato il “Nabi giapponese”. Con l'amico Edouard Vuillard, egli sviluppò inoltre un nuovo interesse per le scene di intimi interni domestici, un genere che diventerà noto come "Intimismo" e che propone il mondo parigino negli anni prima della prima guerra mondiale. Nel 1910 Pierre Bonnard scoprì il sud della Francia iniziando così a dipingere paesaggi luminosi. Negli ultimi vent'anni della sua carriera artistica egli continuò a dipingere, spaziando in tutti i soggetti e in tutte le tecniche a lui congeniali, realizzando dipinti decorativi ma anche numerosi schizzi e disegni, lavori litografici a colori oppure in bianco e nero, manifesti, illustrazioni per libri e riviste che hanno influenzato l'arte moderna. L'acquatinta qui presentata rientra in una ampia produzione degli anni '20 di questo soggetto, la "donna con cane", riproposto in molte varianti. E' presentata in cornice.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Inchiostro su carta. Firma, data e titolo in basso. Accompagnato da autentica su foto della Galleria Giò Marconi di Milano e timbro di archivio privato. Si tratta di disegno del giovane artista che diverrò presto uno dei più importanti esponenti del surrealismo mondiale, che fu poeta e pittore, ma anche cineasta, critico d'arte e cinematografico, fotografo e disegnatore umoristico. Nato nel nord della Francia, nel 1927 si stabilisce a Parigi, dove entra in contatto con un gruppo di giovani poeti e filosofi, con cui fonda il movimento ''Grand Jeu'': il gioco è inteso come arte di vivere. Dal 1928 collabora con testi, poemi e disegni alla rivista del movimento e intanto collabora come redattore e reporter con diverse testate parigine, Nel 1932, esauritasi l'esperienza del ''Grand Jeu'', passa al movimento surrealista, collaborando alle sue pubblicazioni e partecipando alle sue mostre. Il suo umorismo vira verso l'insolito e la crudeltà, sempre più derisorio dell'assurdità del quotidiano, del lato tragico dell'esistenza comune, a cui spirito e inconscio si ribellano, tentando di accedere all'inosservabile. Conosce Salvador Dalí. Nel 1939 inizia anche l'attività di cineasta, Nel 1941 ha luogo la sua prima mostra personale a Parigi: il primo acquirente è Pablo Picasso. Partecipa a tutte le mostre surrealiste, tra cui quella internazionale del 1947 a Parigi. Nel 1951, per questioni relative alla disciplina interna al gruppo, abbandona con altri il movimento surrealista, pur continuando a praticarne la poetica. Nel 1955 si appassiona anche alla fotografia. Dal 1968 si dedica quasi esclusivamente alla pittura, abbandonando l'attività di disegnatore umoristico. Nello stesso anno si stabilisce definitivamente a Milano: in Italia espone in diverse mostre personali , quelle di Milano presso la Galleria Marconi. L'opera qui presentata, un disegno giovanile, proviene da importante collezione privata milanese. E' presentato in cornice.

Scorcio Veneziano

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Pittore, scultore e ceramista, l'artista torinese Giovanni Riva partecipò a numerose rassegne e mostre nazionali, tra cui la Biennale di Venezia dwel1940 e 1942. Tra la sua produzione di ceramista si ricordano in particolare i volti di molte bambole Lenci. In pittura si dedicò soprattutto a scorci di Torino, Milano e Venezia, resi con grande spontaneità e immediatezza, oltre che a scene di genere. Lo studio sistematico dell'arte antica, l'adesione agli ideali rinascimentali della scultura di Donatello, Michelangelo e Giambologna spinsero Giovanni Riva verso l'adozione di un codice espressivo affine al gusto dell'Ottocento romantico, piuttosto che al dinamismo futurista o alle visioni surrealiste. Lo scorcio veneziano qui proposto è presentato in cornice in stile.

Composizione con Armatura Clessidra e Libri

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Nato a Milano nel 1913 e formatosi all'Accademia di Brera (di cui in seguito diverrà insegnante), Adriano Gajoni si appassionò allo studio dei pittori seicentisti lombardi e alla pittura olandese e fiamminga del XVII secolo, dal cui minuzioso realismo si lasciò ispirare. Di stretta osservanza figurativa, Il Gajoni predilesse i paesaggi, i ritratti e soprattutto le nature morte, che espresse in composizioni fiabesche e allegoriche. Praticò soprattutto la pittura a olio su legno e faesite. Questa composizione propone un'armatura, poggiata su un tavolo insieme ad alcuni testi miniati e ad un clessidra. Si ritrova il gusto per le composizioni di sapore antico. In cornice.

La Strada di Campagna

Olio su faesite. Firmato in basso a sinistra. Trasferitosi da piccolo con la famiglia a Milano, nel 1898, ancora molto giovane, Raoul Viviani si iscrive all'Accademia di Brera, dove studia sotto la guida di Giuseppe Mentessi (1857-1931). Contemporaneamente frequenta la scuola di nudo della Famiglia Artistica, con la quale espone per la prima volta a soli 17 anni, riscuotendo subito un grande successo di pubblico e di critica, come pittore di paesaggio dalla forte personalità e modernità e per il suo originalissimo stile caratterizzato da forti sperimentazioni cromatiche. Nel 1912 partecipa alla biennale di Venezia e partecipa successivamente a numerose mostre nazionali ed internazionali. Dal 1926 inizia la sua carriera nel campo della critica d'arte, scrivendo per diverse testate giornalistiche, ma la sua opposizione al fascismo lo porta a scegliere l'esilio volontario: nel 1931 si trasferisce in Uruguay, ove fonda e dirige l'Accademia di Belle Arti di Montevideo. Rientrato a Milano nel 1937, riprende la sua attività sia pittorica che di critico. Negli anni '50 si trasferisce a Rapallo per motivi di salute e vi resta sino alla morte. Originalissimo paesaggista, che si cimenta nella pittura d olio ma anche nell'acquarello e nell' incisione, si avvicina molto alla pittura divisionista sviluppando però una sua tecnica personale, caratterizzata da sottilissimi filamenti di colore dalla forma di sottili virgole, che definiscono le strutture dei suoi paesaggi. Con il suo trasferimento in Liguria, diventa protagonista delle sue opere il paesaggio ligure i e anche la sua tecnica muta, allontanandosi dall'originale divisionismo per aprirsi ad una pennellata ampia e sommaria, che sfocia infine nell'ultimo periodo in una produzione di nature morte dai colori violenti e contrastanti. In quest'opera in cui ben si apprezza la caratteristica tecnica del Viviani, lungo il sentiero di campagna che costeggia il canale, compare una figura di donna, che costituisce un'eccezione nella sua produzione, solitamente piva di elementi figurativi. Opera in cornice.

Ritratto Femminile

Tecnica mista (pastelli e tempera) su cartone. Firmato in alto a sinistra. Originaria di Alessandria e formatasi all'Accademia Albertina di belle arti di Torino, si dedicò prevalentemente ai paesaggi, alle figure, e soprattutto ai ritratti, eseguendone di diversi personaggi del mondo dello spettacolo e del cinema italiano. Dina Bellotti è conosciuta peraltro come "la pittrice dei papi". A partire della prima metà degli anni settanta, realizzò infatti alcuni ritratti di Paolo VI e, più tardi, di Giovanni Paolo II, conservati in Vaticano e utilizzati come immagini ufficiali dei pontefici. Il ritratto qui proposto è quello di una raffinata signora, che si lascia ritrarre in una posa disinvolta e languida: il bianco con ombreggiature azzurre della camicetta della donna spicca sulla monocromia beige dello sfondo, della gonna, della poltroncina, che sfumano senza contrasto anche nel colore dell'incarnato. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Volto maschile

Olio su tela. Firmato in basso a destra. L'artista milanese Carlo Jacono è stato illustratore e pittore: il suo stile inconfondibile, la maestria nell''esecuzione, la prolificità e la capacità artistica in oltre 50 anni di carriera, il sapersi prestare anche a generi diversi e il grande successo presso i lettori e gli editori, lo resero uno dei maestri della illustrazione italiana e una delle firme più apprezzate e conosciute sulla scena dell'illustrazione nazionale e internazionale. Era noto anche come l "Uomo del cerchio", pseudonimo dovuto all'impaginazione di molte sue copertine di carattere rosa, poliziesco, fantascientifico, italiane, inglesi svedesi, norvegesi, americane (ricordiamo, tra tante, le copertine della collana "Il giallo Mondadori"), o più semplicemente col solo cognome, Jacono, con cui si firmava. A partire dal 1970 Jacono intraprese anche una carriera pittorica, esponendo in mostre personali sia in Italia sia all'estero, prediligendo un filone figurativo di connotazione romantica che trova il suo capolavoro nella serie de “I guerrieri”. Hanno detto di tale produzione: "sono apparizioni di guerrieri di altri tempi, che la fantasia arriva a concretare anche nei minuti tratti del volto, e ad immaginare nelle azioni più spericolate". Probabilmente anche il dipinto qui presentato rientra in tale serie: è il volto di un guerriero nordico, come si desume dal copricapo di pelliccia che incornicia il volto fiero e concentrato in cui spiccano gli algidi occhi azzurri, e dal collare in metallo brunito inciso con segni grafici che rimandano alle rune nordiche; a mezzo busto, si intravvedono gli spallacci dell'armatura. Il dipinto è presentato in cornice.

Ritratto del dott. Libero Mazza 1972

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro la scritta a mano "Ritratto del dottor Libero Mazza, prefetto di Milano, eseguito nel mio studio", seguita da ulteriore firma dell'artista e dalla data. Veneto ma milanese di adozione, Attilio Melo studiò all'Accademia di Brera e insieme al padre, un apprezzato affreschista. Fin da giovane si affermò come ritrattista; nella sua lunga e brillante carriera posarono per lui personaggi di fama nazionale ed internazionale, di mondi differenti: politici (quali De Gasperi, Gronchi) e religiosi (Cardinal Martini), artisti del mondo dello spettacolo, della musica, del teatro (Ingrid Bergman, Frank Sinatra, Sophia Loren....) e della danza (Rudolf Nureyev). Fu anche paesaggista, anche di luoghi esteri, ma prediligendo sempre il paesaggio delle sue terre d'origine e d'ispirazione, Milano e Venezia. Peculiare è il suo stile, fatto di pennellate lunghe, quasi delle strisce di colore, che creano intorno alle figure ritratte un' ambientazione cromatica suggestiva. Il dipinto qui proposto è presentato in cornice coeva.