Giorgio Bellandi - Decorazione Pittorica di Ante di Armadio

You you 1967

Pannello ad intarsi colorati con acrilici. Firmato e datato in basso a sinistra. Sul retro ulteriore firma, data e il titolo. Opera giovanile, appartiene al periodo di esordio dell'artista.

San Giorgio 1992

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro in cirillico presenti il titolo, la data e la localizzazione a Bergamo. L'artista lituano, che attualmente vive e lavora tra Mosca, l'Italia e il Regno Unito, è considerato uno dei più importanti artisti russi contemporanei. Nella sua ampia produzione si trovano paesaggi, nature morte, molti ritratti di personaggi famosi e le sue composizioni surreali, espressione di una sua peculiare "visione onirica" della realtà. Anche in questa tavola, seppur nello stile delle icone tradizionali, viene proposta la raffigurazione del famoso San Giorgio in una chiave surreale che rimanda a De Chirico, ove al drago viene sostituito un'oca, la testa del santo è un uovo, di contorno vi sono figure di maghe..... un'interpretazione chiaramente poco ortodossa! La tavola presenta una fenditura verticale. L'opera è presentata in cornice.

Senza Titolo

Tecnica mista su scampolo di tessuto, con elementi aggiunti di materiali vari. La tela quadrata disegnata ad olio, presenta un figura di donna a cavallo; la coda del cavallo, da applicare sopra, è realizzata in crini sintetici; accompagnano poi il dipinto, proposti in affiancamento, una piccola tela rettangolare su cui è scritto un testo in inglese, a guisa di stralcio di lettera, e un posacenere in ceramica a forma di cavallino. Jenny Watson è un'artista australiana (nata e formatasi a Melbourne) che ha adottato diversi approcci stilistici alla sua pittura, utilizzando una gamma di materiali e tessuti diversi, come elementi in velluto e collages, e coniugando spesso immagini e parole. I soggetti da lei proposti sono stati sempre tendenzialmente autobiografici: a partire da ispirazioni punk e femministe, Jenny Watson ricrea un intimo diario in cui figure e parole s'intrecciano a comporre brevi narrazioni quotidiane. La sua personale iconografia è fatta di autoritratti (la donna dai capelli rossi non è altri che la stessa artista), cavalli, gatti, interni domestici e lettering, resi con freschissime pennellate che molto spazio lasciano all'immaginazione, anche se le figure sono rese in modo molto rigido e fisso, quasi a denunciare la assenza di movimento sociale, soprattutto nei confronti delle donne. Le sue opere sono spesso accompagnate da piccole tele colorate che riportano poetiche descrizioni del suo lavoro, rendendo immediato il processo di immedesimazione dello spettatore. L'opera qui proposta è stata presentata ad una personale di Jenny Watson tenutasi nel 2018 a Trento, presso lo Studio d'Arte Raffaelli, dal titolo "Jenny around the world". E' corredata di foto che mostra come è stata realizzata la sua presentazione a tale mostra ed è allegato anche il biglietto d'invito alla mostra degli acquirenti dell'opera in tale sede. Allegato inoltre piccolo catalogo di mostra dell'artista tenutasi nel 1993 a Como.

Busto femminile

Scultura in argilla. Firmata in basso al retro. Otto Gutfreund fu scultore ceco-cecoslovacco che, dopo aver studiato arte a Praga e Parigi, divenne famoso negli anni '10 per le sue sculture in stile cubista. Dopo aver prestato servizio attivo nella prima guerra mondiale, passò ad uno stile più realistico,seguendo la fase di "ritorno all'ordine" del dopoguerra, che caratterizzò anche le arti. La sua produzione scultorea, prevalentemente in bronzo, si avvalse però anche dell'uso della creta e della ceramica.

Lavandaie

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Ricco di luci e colori, il dipinto propone in chiave impressionista un momento di vita quotidiana di due lavandaie, intente alla loro opera sul limitare di un canale cittadino. L'opera rimanda alle influenze impressioniste che il Flumiani, artista triestino, riportò dal suo soggiorno di studi a Monaco di Baviera e dall'incontro con il concittadino Umberto Veruda (1868 -1904): impressioniste appaiono la pennellata breve e veloce ma larga, la ricerca dei giochi di luci e colori, mentre propriamente veneto resta il tonalismo cromatico. La produzione di Ugo Flumiani si caratterizza proprio per una produzione paesaggistica di marine: i suoi soggetti preferiti sono vedute della laguna veneta, borghi in riva al mare o imbarcazioni che veleggiano placide, comunque sempre soggetti in cui possono comparire superfici acquatiche, nelle quali l'artista può far riverberare vibrazioni cromatiche e luminose. Il paesaggio è sempre il protagonista delle opere del Flumiani, anche la dove si inseriscono delle figure umane: anche le due lavandaie del dipinto qui presentato, fanno parte del paesaggio, vi si inseriscono in maniera armonica, continua, senza interruzioni o stacchi cromatici e di linee. L'opera è presentata in cornice coeva.

Don Chisciotte della Mancia 1962

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro presenti ulteriore firma con la data e il titolo dell'opera. Presente inoltre cartiglio della Galleria Gussoni di Milano, relativo a mostra personale dedicata all'autore, riportante oltre i dati dell'opera, il numero 41 di catalogo e il nome del collezionista proprietario. Artista milanese discendente da un ramo cadetto dei nobili Gonzaga mantovani, Giovan Francesco prese parte ancora ventenne alla Seconda Guerra Mondiale con il Savoia Cavalleria partecipando, con lo squadrone “Fantasma” ad azioni di pattuglia nella steppa russa. I mesi passati a strettissimo contatto con il cavallo durante la guerra, accesero in lui una vera e propria passione per i cavalli, che divennero soggetto privilegiato di numerosissimi dipinti, sculture e poesie. Artista autodidatta, dichiarò "la mia vera maestra è la Natura", e ad essa fedele, dopo i cavalli, si dedicò prevalentemente ai paesaggi e alle nature morte, sempre raffigurati “en plein air”. Ha scritto di lui Vittorio Sgarbi: "La sapienza di Giovan Francesco Gonzaga sta nel disegno, che è forte e deciso..... Le immagini vibrano di inquietudine, nel segno della lotta dell'uomo contro se stesso, nell'inferno di una storia che sembra ripetere sempre lo stesso dramma. Ma se il disegno preparatorio è mirabile, il colore di questo artista ha una regalità e una sensibilità che provengono da una percezione musicale della cromia, dove la tavolozza si esprime in improvvisi, in variazioni e in ritmi pulsanti". Le sue opere figurano in diversi musei, fra cui quello della Cavalleria di Pinerolo, il Museo Storico della Guardia di Finanza a Roma, il Museo di Tel Aviv, L'Art Museum di Los Angeles, in collezioni pubbliche e private in Italia, Francia, Spagna, Lussemburgo, Indonesia, Cina, Giappone, Singapore e America. Tra le diverse figure a cavallo rappresentate dall'artista, a denotare la sua passione per tale animale, particolare è questo Don Chisciotte della Mancia, accompagnato dal fido Sancho che cavalca il suo asino: la ripresa frontale crea un effetto di slancio con la smilza ma eretta figura di Don Chisciotte che si staglia nel cielo, di cui veste gli stessi colori, impugnando la lancia anch'essa azzurra; le cavalcature e Sancho invece nelle tonalità brune, riconducono alla terra, alla materialità. L'opera è presentata in cornice.

Sant'Ambrogio

Cartone originale, ad olio, per la preparazione della vetrata della chiesa di Viggiù (Varese), per la quale il maestro realizzò varie opere. Quest'opera è accompagnata da perizia su foto, firmata da Alessandro Grassi, maestro vetraio che, nel suo laboratorio di vetrate artistiche (che ha collaborato con numerosi architetti e artisti italiani e stranieri) ha poi realizzato le vetrate finali in collaborazione con il maestro. S.Ambrogio, patrono di Milano, è raffigurato nella sua veste di arcivescovo, nell'atto di negare l'ingresso in chiesa all'imperatore Teodosio I che si era macchiato di gravi delitti, pur professandosi cristiano. Opera in cornice.

Marmittone si Sposa 1950

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro è presente cartiglio della Galleria Ranzini di Milano, relativo a mostra personale dell'artista tenutasi nel novembre 1950, che indica il titolo dell'opera. Si tratta di originale e insolito soggetto del pittore ligure, che si ispira ad un fumetto pubblicato a partire dal 1928 sul Corriere dei piccoli, che racconta le avventure del soldato semplice Marmittone, un tipo non troppo sveglio ma di buona volontà che, per via di gaffes o semplicemente per pura sfortuna, finisce in prigione alla fine di ogni avventura. L'opera di Noelqui è di tipo fantastico: ai due protagonisti della scena, Marmittone e la sua sposa, sono affiancati personaggi dalle sembianze di animali, il contesto è rappresentato con casette geometricamente definite con semplici contorni, i colori sono vivaci e allegri. Pare quasi l'illustrazione di un racconto per bambini, che rimanda all'attività di scrittore, anche di fiabe e novelle, in cui si cimentò il Noelqui. Noel Quintavalle (noto con lo pseudonimo Noelqui), nativo di Ferrara ma cresciuto e formatosi artisticamente a Milano, fu artista poliedrico. Laureato in architettura, si formò alle arti da autodidatta, ma dopo la grande guerra a cui partecipò attivamente, si distinse velocemente ed espose in numerose mostre nazionali e internazionali; nel frattempo svolse anche quell' attività letteraria già sopracitata, pubblicando vari volumi (satira, fiabe, novelle memorie della guerra) e si cimentò anche con la scultura e la xilografia. La sua produzione pittorica, iniziata come divisionista, fu poi influenzata dalla sintesi della pittura moderna. I soggetti a lui più cari furono il ritratto e il paesaggio. L'opera presentata è in cornice coeva, con qualche piccola mancanza.

Paesaggio 1927

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro è presente cartiglio con l'indirizzo dello studio dell'artista e il titolo dell'opera; a matita è presente inoltre annotazione del proprietario (anch'egli pittore) "Dono dell'autore, 19-03-1930". Noel Quintavalle (noto con lo pseudonimo Noelqui), nativo di Ferrara ma cresciuto e formatosi artisticamente a Milano, fu artista poliedrico. Laureato in architettura, si formò alle arti da autodidatta, ma dopo la grande guerra a cui partecipò attivamente, si distinse velocemente ed espose in numerose mostre nazionali e internazionali; nel frattempo svolse anche attività letteraria pubblicando vari volumi (satira, fiabe, novelle, memorie della guerra) e si cimentò anche con la scultura e la xilografia. La sua produzione pittorica, iniziata come divisionista, fu poi influenzata dalla sintesi della pittura moderna. I soggetti a lui più cari furono il ritratto (con predilezione per le figure femminili particolari, quali le ballerine) e il paesaggio. Il paesaggio qui presentato - uno scorcio collinare, con una ampia veduta che si apre dal sentiero sotto l'albero frondoso - appartiene al periodo del Noelqui ancora vicino al Divisionismo, in cui egli utilizzava una tecnica a pennellate piccole, quasi puntiformi, dando una maggiore luminosità e circondando ogni elemento o figura di una magica aura. L'opera è presentata in cornice coeva.

Ritratto Femminile

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Ritratto di giovane donna in abito da sera nero, rallegrato dal grande scialle a fiori che porta drappeggiato su una spalla. Opera dell'artista romagnolo Alberto Salietti, che pur avendo svolto la quasi totalità della sua carriera artistica in ambito milanese e ligure, Alberto Salietti – pittore, incisore, mosaicista e affreschista – rimase un punto di riferimento per i pittori romagnoli, soprattutto tra le due guerre. Trasferitosi con la famiglia a Milano, Salietti frequentò l'Accademia di Brera fino al 1914. Dopo la Biennale di Venezia del 1924 entrò a fare parte del movimento Novecento di cui diventò segretario nel 1925. Nel 1926 espose alla “Prima mostra del Novecento italiano” e nel 1927 fu tra i fondatori del “Gruppo dei sette pittori moderni” assieme a Funi, Sironi, Tosi, Carrà, Marussig e Bernasconi. Come ritrattista e paesaggista, Salietti – che attinse pazientemente alle influenze post-impressioniste, secessioniste e novecentiste – ha dato un originale contributo all'arte italiana tra le due guerre distinguendosi per una gioiosa e ottimistica adesione al reale. Il dipinto è presentato in cornice.

Paesaggio

Olio su tavola. Firmato e datato in basso a sinistra. Al retro presente timbro "Domenico De Bernardi -Besozzo", ad autentica. La pittura del De Bernardi si inserisce nel solco della tradizione paesaggistica lombarda di stampo otto-novecentesco. Egli visse sempre a Besozzo, suo paese natale della provincia di Varese, ma viaggiò parecchio, in Italia e fuori d'Italia raccogliendo impressioni e ricercando, per riviverli nella sua opera, paesaggi nuovi; in particolare raccolse nuove suggestioni da un viaggio in Libia negli anni trenta, dal quale tornò con una tavolozza più vivace e mediterranea. Il paesaggismo fu il genere che predilesse, ma fu spesso attratto anche, con risultati altrettanto significativi, dalla 'natura morta'. Il piccolo paesaggio qui presentato è uno scorcio di colline su cui svettano cime più alte sullo sfondo, forse proprio le zone prealpine d'origine dell'artista; un piccolo borgo riempie il centro della scena, nella quale spiccano in particolare i diffusi steccati delle coltivazioni. L'opera è presentata in cornice coeva.

Nudo femminile

Scultura in terracotta smaltata. La scultura raffigura una giovane donna seduta, mancante però delle gambe e delle braccia: si intuisce la posizione seduta con appoggio sulle braccia, il capo rivolto verso l'alto, sorridente, a lasciarsi illuminare dalla luce. Ben rientra nella ricca produzione scultorea di Virgilio Audagna, che diede ampio risalto al nudo femminile, proposto in molteplici pose ed espressioni. Lo scultore Virgilio Audagna ha realizzato sia grandi monumenti che opere di piccolo formato. Attivo non solo in Italia ma anche all'estero, dove ha spesso soggiornato, ha avuto modo di eseguire anche modelli per medaglie, di soggetto sacro e profano, per commemorare numerosi avvenimenti. Oltre che scultore è stato disegnatore e pittore.