Grande Specchiera Liberty

Olio su tavola. Il dipinto riprende la composizione del capolavoro di Tiziano (del 1510, attualmente al Museo del Louvre), ma inserendolo in un paesaggio completamente diverso e sviluppandolo ai lati, con l'introduzione a destra di una capretta e a sinistra di un fauno che suona lo zufolo. Inoltre le quattro figure riprese da Tiziano sono sviluppate ribaltate, probabilmente perchè l'autore del nostro dipinto si è ispirato ad un'incisione. La scena centrale propone due giovani seduti su un prato che fanno musica affiancati, da una giovane donna di spalle mentre una seconda sta attingendo acqua in una vasca marmorea. Le due donne presenti sono entrambe nude, coperte appena da mantelli che scivolano via, mentre i due uomini, che parlano tra di loro, sono vestiti in costumi dell'epoca. Il soggetto dovrebbe essere un'allegoria della poesia e della musica, con le due donne dalla bellezza ideale, che sono come due apparizioni irreali generate dalla fantasia e dall' ispirazione dei due giovani. Il dipinto qui proposto presenta tracce di restauri pregressi. Attulmente presenti alcune cadute di colore e danni della tavola.

Olio su tela. Scuola bolognese di fine '600. In primo piano, ad occupare tutta la parte sinistra della scena, giace Gesù Bambino addormentato, reclinato all' indietro in una posa di abbandono completo al sonno, con un sorriso sereno sul volto; sulla parte destra, delimitata diagonalmente dal panno sollevato, due figure, presumibilmente due pastori, guardano il piccolo con sguardo di adorazione profonda e seria e compiono il gesto di coprirlo, gesto che indica tenerezza ma simbolicamente prefigura il sacrificio di Cristo (la deposizione del suo corpo dopo la Crocifissione). La posizione supina del Bambino, adorato da Maria o da pastori, fu introdotta da Guido Reni, che realizzò diverse opere con questo soggetto, poi ampiamente ripreso dai suoi seguaci e dalla scuola bolognese del Seicento. Come nelle opere di Guido Reni anche in questo dipinto la luce emana direttamente dal Bambino Gesù, illuminando i volti devoti di chi lo adora. Già in precedenza ritelato, il dipinto presenta tracce di ampi restauri. È presentato in cornice in stile.

Seguace di Pietro da Cortona

Olio su tela. Riprende l'affresco di Pietro da Cortona della Sala della Stufa di Palazzo Pitti, facente parte del ciclo delle Quattro età dell' uomo. Pregressi lievi restauri in antico. L'opera riprende l'affresco creato da Pietro da Cortona su una parete della Sala della Stufa di Palazzo Pitti, facente parte del ciclo delle Quattro età dell' uomo, ispirato alle Metamorfosi di Ovidio. Le scene delle Età del Bronzo e del Ferro contrappongono le immagini di una società civilizzata con quelle delle violenze attuate in tempo di guerra. Come dice Ovidio, durante l'età del ferro nacquero le frodi e gli inganni e gli uomini non solo pretendevano che la terra desse frutti, ma scavarono anche nelle sue viscere. Vennero così alla luce il ferro e l'oro e cominciò la guerra, e con essa gli atti di saccheggio e depredamento violento a danno anche degli indifesi, quali anziani, donne e bambini. In questa scena, detta anche "Gruppo di soldati che massacrano civili", sono quindi rappresentate drammatiche scene di violenza e sopraffazione, come il soldato in primo piano che sta per uccidere il vecchio inerme a terra o, sulla destra, l'uomo che taglia via i capelli di una giovane madre, per prenderne gli ornamenti, nonostante le sue suppliche. Il dipinto presenta tracce di pregressi lievi restauri in antico. Cornice a listello.

Ambito di Carlo Cignani

Olio su tela. Il dipinto riprende con cura quello realizzato da Carlo Cignani nel 1702/1704, ed è quindi opera di un suo allievo o comunque della sua bottega o ambito. La scena vede il piccolo Giove che viene allattato dalla capra Amaltea, circondato da ninfe e fauni, intenti a fare musica. Secondo il mito, la madre Rea, per salvare il bambino dal padre Saturno che divorava i figli, lo nascose sull' isola di Creta, dove il piccolo venne cresciuto dalle ninfe dei boschi. Il dipinto è stato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice antica in legno dorato.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII secolo. La grande scena è animata da numerose figure che s intrecciano: al centro, illuminati dal fascio di luce proveniente dall'alto, Maria con il Bambin Gesù tra le braccia, vegliati da S. Giuseppe sulla destra; sulla sinistra, i tre magi, che recano i loro doni nei ricchi scrigni, e tutto il loro seguito di contorno, insieme agli angeli che guardano dall'alto. Particolare curioso, i due angioletti in basso, che stanno preparando la mangiatoia per accogliere il Bambin Gesù. Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura. Cornice in stile.

Olio su tela. La scena racconta un episodio biblico del secondo libro di Samuele: durante il conflitto per la successione dopo la morte di Saul, primo re d'Israele, Isbaal, figlio di Saul, fu sostenuto dal generale Abner come re sulle tribù del nord, mentre Davide regnava su Giuda. Isbaal però fu ucciso da due dei suoi capi briganti, Recab e Baana, che portarono la sua testa a Davide sperando in una ricompensa, ma Davide li punì per l'atto iniquo. Nel dipinto appunto il re Davide si straccia le vesti per lo sdegno, con la testa dl re Isbbal ai suoi piedi, mentre i due traditori vengono fermati con la forza dai suoi soldati. La scena è ambientata nell'accampamento di Davide. Il dipinto è stato sottoposto in passato a restauro e ritelatura. È presentato in cornice di inizio '900, ridorata.

Il Mattino delle Rose

Olio su tela. Si tratta di una copia con piccole varianti del celebre dipinto di Giovanni Giani, conservato attualmente presso il Quirinale di Roma (acquistato nel 1906 dalla Regina Margherita). L'opera raffigura una giovane donna in bianco in un momento di sospesa attesa, seduta in giardino sul davanzale di una finestra, in mezzo a cespugli fioriti di rose. La figura evoca atmosfere delicate e malinconiche, ponendosi come simbolo di attesa, purezza e giovinezza. L'opera è esempio dello stile verista-liberty dell'artista piemontese Giani. Il nostro dipinto, di grandi dimensioni, ripropone il forte impatto decorativo dell' opera originale. È presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola centro-europea di metà '800. Nel mezzo della scena, davanti ad un trono sormontato da un baldacchino di velluto rosso e con le insegne regali di fianco, un re sta dirimendo una questione tra due gruppi di uomini, rappresentati da alcuni dignitari in abiti civili, alle cui spalle svettano tra la folla due diverse bandiere; probabilmente si tratta di due fazioni politiche della stessa città. Il profilo della città sullo sfondo della scena, la colloca in un contesto geografico centro-europeo. Il dipinto è stato applicato ad inizio '900 su tavola di compensato. È presentato in cornice di fine '800 ridorata.

Copia da Francesco Guardi

Olio su tela. Il dipinto originale, realizzato da Francesco Guardi nel 1746 e donato ai Musei civici veneziani nel 1830 dalla collezione dell'Abate Teodoro Correr, è esposto dal 1936 a Ca' Rezzonico. Il dipinto è una “veduta d'interno” in cui il pittore raffigura, con attenzione e leggerezza, la sala delle visite del monastero di San Zaccaria. Nel convento venivano monacate le figlie delle più importanti famiglie veneziane: nel parlatorio parenti e amici potevano avere colloqui con le religiose e nell'occasione di questi incontri venivano anche organizzate recite di burattini per i più piccoli, come si vede sulla destra. L'opera del Guardi è caratterizzata dal proporre tutti gli elementi familiari del Settecento veneziano, con la sua atmosfera galante e mondana che entrava anche nei conventi. La copia qui presentata è piuttosto fedele all' originale, seppur mancante della una parte sulla destra, dietro il teatrino. Già sottoposto a restauro e ritelatura in passato, attualmente il dipinto necessita di pulizia. È presentato in cornice in stile.

Ritratto di Signora

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Il Celada amò dipingere la donna sia nella ritrattistica che nei suoi studi di figure, proponendo un corpo femminile, sodo e classicheggiante sia nelle forme sia nei riferimenti alla pittura del passato. La sua pittura, qualunque sia il soggetto - nature morte, ritratti, figure..-, è capace di bloccare nel tempo e nello spazio la realtà, in una maniera che appare distaccata, analitica e scientificamente esatta (colori, riflessi, trasparenze), ma comunicando - al contrario di una totale irrealtà - un grande pathos narrativo. Il ritratto di signora qui presentato rivela la capacità del Celada di ritrarre la persona con un realismo quasi fotografico, seppure circondandola di un'aura di surrealismo, grazie allo sfondo monocromatico privo di ogni riferimento alla realtà circostante. Il dipinto presenta segni di restauro pregresso per lievi strappi. Cornice in stile.

Ritratto di Ufficiale

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Giuseppe Amisani si affermò come ritrattista di personaggi famosi o comunque altolocati. La sua pittura considerata tardo - impressionista, fu influenzata dalla Belle Epoque che lo portò verso scelte cromatiche vivaci e pennellate rapide, seppur sempre attente all'eleganza. Il personaggio qui ritratto è un alto ufficiale che posa seduto, seppur molto militarmente dritto e impettito, in un salotto con arredi lussuosi. L'opea è in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola francese di metà '800. La scena, ambientata all' ingresso del parco di una villa durante un tramonto che crea un' atmosfera romantica, propone il primo incontro tra una bella fanciulla, accompagnata dal padre, e un pretendente, che viene presentato dal personaggio al centro vestito di nero, il sensale di matrimonio. Il dipinto rientra nel filone pittorico storico-letterario del XIX secolo, che raccontava in chiave romantica episodi tratti dalla letteratura. Le figure di questa scena indossano abiti del XVI-XVII secolo, e potrebbero essere i personaggi di un romanzo famoso. Ad esempio l'abbigliamento del vecchio padre rimanda alla figura di Pantalone, il personaggio della Commedia dell'arte che cerca di imporre alla bella figlia Rosaura un matrimonio di interesse, tema ampiamente diffuso nella letteratura. Il dipinto presenta lievi restauri. È presentato in cornice in stile.