Dipinto Copia da Francesco Trevisani - Madonna Leggente con Bambino

Olio su tela. Già attribuito a Jan Wouwerman (pittore fiammingo del XVII secolo) ma in realtà più tardo, il dipinto è collocabile nell'ambito romano, per le caratteristiche paesaggistiche: un ampio fiume scorre lento in una campagna ricca di vegetazione, con dolci colline in lontananza; sul sentiero che lo costeggia transitano diverse figure di viandanti ad animare la scena. Il dipinto è stato restaurato e ritelato a metà '900. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. L'episodio biblico raffigurato si riferisce alla storia di Daniele, il profeta alla corte di re Dario il Medo che, per aver pregato il suo Dio, venne condannato ad essere gettato nella fossa dei leoni. Ma Dio salvò Daniele, mandando un angelo a chiudere le fauci delle belve, e il re graziò Daniele facendo invece condannare chi lo aveva denunciato. Il soggetto è stato più volte raffigurato nell'arte, per il fascino legato alla storia ma anche per il suo sapore esotico per la presenza delle belve; in particolare si ricorda la versione di Rubens del 1615, ove il profeta è raffigurato, nudo nella fossa sottoterra, mentre prega ardentemente, circondato da una folla di leoni feroci. L'opera qui presentata propone invece una versione centrata sul dialogo tra il profeta e l'angelo, che si fronteggiano spiccando con i colori vividi delle loro vesti sullo sfondo scuro di una prigione; c'è un solo leone, accucciato mansuetamente ai piedi dell'angelo, e prevale quindi la dimensione spirituale e salvifica dell'evento biblico. Secondo il famoso storico dell'arte Maurizio Marini specialista nella pittura di Caravaggio e dell'arte barocca, che aveva avuto anni fa l' occasione di visionare il dipinto, l'opera potrebbe essere attribuibile ad Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) per le scelte compositive e cromatiche. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato con cornice listello.

Olio su tela. Scuola napoletana del XVIII secolo. L'opera deriva da quella realizzata da Francesco Solimena, ripresa ripetutamente nei secoli prima dalla sua stessa bottega poi da altri artisti anonimi. Questa copia è peraltro raffigurata specularmente rispetto all' originale, e su tela rettangolare, seppur inscritta in un ovale come nell' originale. La rappresentazione allegorica del continente americano lo vede proporre solitamente nella figura di una donna, nuda o seminuda, armata di arco e frecce, con una corona di piume esotiche sul capo, affiancata da un animale esotico, in questo caso un pappagallo, nell'atto di sottomettere un uomo sdraiato a terra, probabilmente un indigeno. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola emiliana del XVII secolo. Tradizionale rappresentazione della Sacra Famiglia, in primo piano a mezzo busto, con il piccolo Gesù che, mentre sugge il latte al seno materno, volge indietro lo sguardo verso lo spettatore, a indicare come sia già proiettato verso il suo futuro; Maria e Giuseppe guardano teneramente al Bambino, il padre putativo in secondo piano e nell' ombra, per non togliere centralità alle altre due figure. Sottoposto precedentemente a lavori di restauro e ritelatura, il dipinto è in buone condizioni ed è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Scuola toscana del XVII secolo. La Santa è tradizionalmente vestita del saio domenicano, con la corona di spine sul capo e, ai suoi piedi, un giglio, un teschio e un libro di preghiera; priva di sensi nell' estasi mistica, è sorretta da due angeli mentre Gesù le sta prendendo il cuore, a indicare la totale dedizione della santa al Cristo. Benchè la scena sia raffigurata in esterno, di sfondo compare una imponente struttura barocca, simbolo del tempio luogo di preghiera. L' estasi mistica di Santa Caterina è stata ampiamente rappresentata: questa versione deriva da un'opera di Francesco Vanini (1563 -1610), di cui si conoscono molteplici copie antiche. L'opera, in prima tela e con piccole cacute di colore lungo margini, è presentata in cornice in stile.

Copia da Guido Reni

Olio su tela. L'opera è una delle numerose repliche, con alcune varianti, del celebre soggetto realizzato dal pittore bolognese Guido Reni (1574 -1642) e dalla sua bottega. La composizione, che vede la Vergine in preghiera piegata ad adorare il Bambino addormentato, è considerata una invenzione della geniale vena del Reni, la quale, in seguito al grande successo tra i collezionisti del tempo, venne poi ripresa da altri autori del XVII secolo, tra cui spicca il nome di Giovan Battista Salvi detto "Il Sassoferrato". Le due varianti più celebri di questa affascinante scena vedono la Vergine con le mani giunte in preghiera, come in questo caso, fatta propria dal Salvi, oppure quella con le mani al petto tipicamente reniana. Altre variazioni riguardano la posizione del capo del Bambin Gesù addormentato, rivolto verso l'alto come in questa versione, piuttosto che reclinato di lato; infine cambiano i tessuti di sfondo. Comunque spicca anche in questa replica l'intensità della scena: ad occuparla trasversalmente il corpo abbandonato nel riposo del bambino, ove la natura divina soggiace nel sonno a quella umana; sopra di esso, inclinato in gesto protettivo e allo stesso contemplativo, il corpo di Maria, che esprime tutta la tenerezza materna ma anche, nel gesto delle mani, l'adorazione del mistero incarnato rappresentato dal figlioletto. Le cromie vive dei tessuti - il cuscino su cui è adagiato Gesù, il tendaggio retrostante, gli abiti della Madre -, fanno risaltare la luminosità degli incarnati. Il dipinto, ritelato a metà '900.

Olio su tela. La Sacra Famiglia si rivolge in quest' opera ad un giovane frate in saio francescano, che probabilmente rimanda alla committenza dell' opera: le mani protese del Bambino si protendono ad accoglierlo, sotto lo sguardo protettivo di Maria e Giuseppe. Già in precedenza restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica del XVIII secolo, ridorata.

Olio su tela. Paesaggio di campagna in cui scorre un piccolo corso d'acqua, in prossimità del quale si erge un aggregato di edifici rurali; sul sentiero alcune figure. L'opera presenta tracce di restauro pregresso e ritelatura. Macchie di sporco. È presentato in cornice antica coeva.

Olio su tela. Paesaggio di campagna in cui scorre un piccolo corso d'acqua, su cui navigano barchette ed è costeggiato da piccoli aggregati di abitazioni rurali. In primo piano transitano sul sentiero una donna con il suo bambino. L'opera presenta tracce di restauro pregresso e ritelatura. Macchie di sporco. È presentato in cornice antica coeva.

Gesù sul Cammino del Calvario

Olio su tela. L' opera è una replica di quella eseguita da Pierre Mignard e donata a Luigi XIV, conservata oggi al museo del Louvre di Parigi. La drammatica scena è ambientata subito fuori delle mura di Gerusalemme; un corteo di persone accompagna Gesù nella sua salita al Calvario, che si intravvede sullo sfondo a destra, con già le croci dei due ladroni erette. Invece la Croce del Cristo è trasportata da Simone il Cireneo, obbligato dalle guardie dopo l' ennesima caduta di Gesù, che viene rudemente sollecitato con un flagello ad alzarsi. Davanti al Cristo camminano legati i due ladroni, accompagnati da alcuni servitori; sulla sinistra il gruppo delle pie donne che accompagnano e sostengono Maria, affranta dal dolore. Contrapposto a questo gruppo, vi è sulla destra un altro gruppo di donne del popolo, che assistono in atteggiamento di pietosa compassione, distogliendo lo sguardo dei figlioletti dallo spettacolo terribile. Il paesaggio di sfondo è aspro e brullo, sotto un cielo che si sta caricando di nuvoloni grigi e cupi. L'opera è stata restaurata e ritelata a metà '900., e montata su un telaio nuovo. È presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVII -XVIII secolo. La scena biblica ampiamente conosciuta del diverbio tra i due fratelli, figli di Adamo ed Eva, che sfocia poi nel fratricidio di Abele per mano di Caino, è qui raffigurato all' interno di un paesaggio italiano, ricco di vegetazione, con il complemento di due fuochi particolari. Infatti ai lati delle due figure, che occupano il centro della scena, vi sono due pire del sacrificio con un fuoco acceso: però mentre da quello di Abele, sulla sinistra, si leva un alto fumo che viene risucchiato dalle nubi sopra di esso, a indicare che Dio ha accettato tale sacrificio, invece il fuoco di Caino è basso, quasi schiacciato sulle braci, e no si alza da esso nessun fumo, segno che Dio lo rifiuta. Anche il colore rosso della tunica di Abele vuole sottolineare il suo valore sacrificale, il suo martirio. Il dipinto necessita di pulizia. In cornice in stile.

Olio su tela. In un paesaggio italiano, la scena è centrata su un gruppo di popolani che tentano di allontanarsi dalla città assediata e incendiata, portando i loro beni sul carro e conducendo il piccolo gregge; un gruppetto di soldati nemici però li ha rincorsi e sta cercando di fermarli, con le armi sguainate. Sul retro del telaio compare una scritta a matita che attribuisce l'opera a Jan Both (1618 -1652), pittore olandese noto soprattutto come autore di paesaggi all'italiana, spesso animati da figure. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. Attualmente necessita di pulizia. E' presentato in cornice in stile.