Dipinto di Ernst Gustav Doerell  - Paesaggio Montano

Ragazza con Fiore

Olio su tela. Firmato al centro (lungo lo scollo dell'abito della fanciulla). Proveniente dalla collezione aziendale Campari. Figura centrale della scapigliatura lombarda, Conconi sviluppò un linguaggio raffinato e sperimentale, portando alle estreme conseguenze le ricerche di Cremona e Ranzoni, poi rielaborate in chiave simbolico-divisionista. Realizzò diversi ritratti, nei quali si sente l'influenza di Tranquillo Cremona, mentre rivelò la sua originalità nei quadri di genere, nella paesaggistica e nelle costruzioni fantastiche e immaginifiche. Il dipinto è presentato in cornice della prima metà del '900.

Scena Campestre con Figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. La scena raffigura un gruppo di contadini e contadine che raccolgono cesti di fiori, facendo musica e danzando al suono di cornamuse e tamburello, e qualcuno ne approfitta per corteggiarsi. Si tratta quindi di una festa popolare campestre, soggetto tra i preferiti dal Barucci, pittore romano che raffigurò soprattutto la vita quotidiana della campagna. Il suo amore quasi totalizzante per la natura, quella più verace, brulla e realistica della campagna e della periferia romana, lo portò a diventare uno degli esponenti di spicco dello stile rusticano. La luminosità e la vivacità dei colori esaltano il sapore di festa della scena, sottolineano la spensieratezza e la serenità di questo attimo di vita popolare. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola emiliana della prima metà del '700. L'imponente struttura architettonica in rovina, con resti di un bassorilievo e grande sarcofago, è inserita in un paesaggio di campagna traversato da un piccolo corso d'acqua, lungo il quale vi sono diverse figure popolari impegnate in attività ben lontane al fasto classico: un pescatore conversa con una donna, un pittore che disegna il paesaggio, un viandante che si riposa con il suo cane. Lo stile pittorico dell' opera è vicino ai modi di Pietro Paltronieri, pittore emiliano (1673 -1741) conosciuto come il Mirandolese o Mirandolese dalle prospettive per il genere di pittura nel quale eccelleva. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. Proviene dalla collezione aziendale Campari. È presentato in cornice in stile

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Paesaggio con Figure

Olio su tela. La grande composizione propone un paesaggio che vede centrale un grande albero. a sormontare con le sue rade frasche la campagna sottostante, traversata da un corso d'acqua e animata da diverse figure di popolani intenti ad attività o a riposo; in alto a destra si erge una fortezza, che domina la vallata. Già attribuito al marchigiano Peruzzini, il dipinto si può ricondurre senz'altro al suo ambito, per i tratti pittorici veloci e poco aggregati. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Amore e Psiche

Olio su tela. Scuola nord -Italia del XVII secolo. La scena si rifà, con alcune variazioni ma molto vicina nelle dimensioni, ad una parte del grande affresco intitolato "Banchetto degli dei" nella Camera di Cupido ( o Camera di Amore e Psiche) di Palazzo Té a Mantova, grande raffigurazione di oltre nove metri realizzata da Giulio Romano con la sua bottega nel XVI secolo. La scena proposta (che a Mantova è collocata sulla destra del grande banchetto), vede Amore e Psiche sdraiati su un triclinio, mentre una piccola figura alata li incorona d'alloro e due ninfe lavano la mano di Amore; sullo sfondo a destra un gruppo di satiri sta sacrificando una capra all'ara di una divinità, mentre al centro, in lontananza, una città brucia. Il banchetto degli dei è il momento conclusivo del mito dei due innamorati, che, dopo molte prove e peripezie, ottengono il permesso di Venere per sposarsi. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice antica.

Salomone Adora Falsi Dei

Olio su tela raffigurante una scena biblica tratta dal Primo Libro dei Re, che mostra il re Salomone in un momento di idolatria all'interno di un tempio. Il sovrano, indotto dalle sue numerose mogli e concubine anche straniere, è rappresentato mentre in età avanzata depone corona e scettro, custoditi da due donne, per inginocchiarsi di fronte a una statua pagana, caratterizzata da corpo umano e testa di asino, richiamante il dio egizio Seth. L'opera è animata dalle numerose figure femminili che circondano Salomone e dalle vivaci scelte cromatiche che esaltano i ricchi dettagli degli abiti e gioielli e lo sfarzo della scena. Posizionato al centro in basso, un cagnolino (simbolo iconografico di fedeltà e amicizia) osserva la scena con aria sconsolata, simboleggiando la perdita della fedeltà divina. Il dipinto, già restaurato e ritelato in passato, è incorniciato in una cornice antica.

Olio su tela. Scuola fiamminga del XVII-XVIII secolo. La grande scena si svolge in un vasto paesaggio nordico, all'interno di un bosco ricco di piante ritorte, e sulla destra una città sormontata da picchi rocciosi. All'interno del bosco un folto gruppo di figure, figure popolari ma anche altolocate, tutti in abiti orientali, che fanno cerchio intorno a Giovanni Battista, ritratto nel suo costume iconografico tradizionale (vestito di pelli, con il bastone sormontato dalla Croce e avvolto dal cartiglio, un agnellino ai piedi): lo sguardo di Giovanni è rivolto verso l'alto, in linea con un uccello che vola sopra le cime degli alberi, raffigurazione simbolica dello Spirito Santo che ispira le parole del predicatore. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800 - inizio '900.

Olio su tela. Scuola emiliana del XVII-XVIII secolo. Si tratta di copia antica del celebre dipinto su tavola di Correggio, intitolato La Madonna di San Girolamo o Il Giorno, databile al 1528 circa e conservato oggi nella Galleria Nazionale di Parma. Il soggetto della rappresentazione è la presentazione a Gesù, da parte di san Girolamo, della traduzione della Bibbia dall'ebraico al latino popolare, lavoro svolto dal santo su richiesta di Papa Damaso e che egli compì rinchiudendosi in solitudine nella grotta di Betlemme. Nel dipinto, la centralità della scena è occupata da Maria seduta con in braccio il Bambin Gesù. Attorno a loro sono composte a semicerchio diverse figure. Sulla sinistra è collocata in piedi la possente figura del vecchio Girolamo, che guarda al Bambino, mentre stringe nella mano il rotolo della traduzione, con il leone, suo compagno di eremitaggio, accucciato ai piedi. Sullo stesso lato, un angelo sorregge la Bibbia rivolgendosi sorridente alla Madonna e al Bambino. Sull'altro lato giace semisdraiata la Maddalena, che abbraccia affettuosamente il piedino del bimbo, il quale a sua volta le accarezza i capelli, in un gesto intimo che sottolinea l' intenso legame tra le due figure. Dietro la Maddalena, un angioletto arriccia il naso annusando il vasetto degli unguenti della santa penitente. La scena è collocata sotto un tendaggio rosso, aperto su un ampio paesaggio. IL dipinto del Correggio ebbe ampio successo, tanto che ne esistono numerose copie e repliche antiche, tra le quali questa qui presentata. L'opera, restaurata e ritelata., è presentata in cornice antica coeva.

Olio su tela. Scuola italiana del XVII secolo. La grande composizione presenta una varietà di alimenti su un tavolo di cucina: a sinistra un grande canestro di vimini pieno di ortaggi, sormontato da un gruppo di pesci appesi; altri ortaggi sono posati sul piano del tavolo, accanto a un piatto di ciliege, ad uno con una forma di pane, e più indietro un altro con gamberi; sulla destra spicca un vaso colmo di fiori variopinti e, seduto sul rialzo di una madia, un gatto nero che si lecca tranquillamente la zampa. Spicca la nitidezza dei colori, esaltati dai riflessi di luce alcuni alimenti, come le ciliege o i gamberi, e sulla brocca in rame davanti ai fiori. Il dipinto, restauratoe ritelato, è presentato in cornice a listello.

Ragazzo con Galline

Olio su tela. Il dipinto rimanda nei modi pittorici e nel soggetto alla produzione dell'ambito di Giacomo Francesco Cipper detto il Todeschini, artista di origini austriache ma affermatosi a Milano. Egli fu uno specialista di scene di mercato, concertini all'aperto, giocatori di carte, scene di umile vita quotidiana realizzati con ridenti forzature caricaturali e una ricerca dell'effetto comico. Come in quest' opera, che ritrae un giovane popolano che accudisce due galline collocate in un cesto sul tavolo, anche se il coltello posato accanto fa pensare che ... le sacrificherà a breve! I personaggi del Cipper, seppur umili, sono caratterizzati da un' indole impertinente, manifestata dal loro sguardo fisso sullo spettatore, ad attirarne l'attenzione, come anche in questo caso: il ragazzo guarda davanti a sè ridanciano e ammiccante, cercando la' approvazione o addirittura la complicità di chi guarda. L'opera è pertanto riconducibile ad un autore molto vicino al Cipper. È stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. È presentato in cornice guilloché di inizo '900.

La grande scena racconta l'episodio biblico narrato nel libro dell' Esodo del miracolo compiuto da Dio per aiutare il popolo di Israele in fuga dall' Egitto: poichè gli israeliti non potevano procurarsi cibo nel deserto, Dio faceva ogni mattina piovere dal cielo la manna, che copriva il suolo come una rugiada e poteva essere raccolta e consumata, anche se la prescrizione divina imponeva che se ne raccogliesse solo il necessario per quel giorno, a segno della fiducia in Dio, avrebbe rinnovato il miracolo. Nella scena qui presentata vi sono al centro alcune donne, uomini e ragazzi raccolgono con tutti i contenitori a disposizione la leggera polvere bianca che piove dal cielo, dove un raggio di luce spiovente sulla scena indica la presenza divina; a destra si riconoscono Mosè e Aronne che assistono compiaciuti; a sinistra sullo sfondo l'accampamento degli israeliti con altre figure che accorrono per la raccolta. Mentre il profeta e il sacerdote vestono abiti consoni alla loro epoca, le donne al centro vestono eleganti abiti coevi alla realizzazione del dipinto. L'opera presenta tracce di precedenti restauri; attualmente sono presenti strappi della tela. Presentato in cornice in stile del XIX secolo.