Dipinto di Leonardo Roda  - Paesaggio Alpino Innevato

Bacco Ebbro

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Il dio è raffigurato in piedi a riempire la scena, rivestito solo di un telo che gli cinge i lombi e da foglie d'edera, poste sui fianchi e sulla testa, mentre regge in una mano un calice; lo sguardo è vacuo e stralunato. Alle sue spalle, un putto semisdraiato gioca con dell'edera. All'intorno, nuvole bianche, così come è bianco il terreno d'appoggio, con sprazzi di cielo azzurro e un cespuglio verde a creare gli unici contrasti. Al retro dell'opera è presente etichetta "Mario Galli Collezione d'Arte", con numero di catalogazione 64 e scritta autografa dell'artista. L'opera ben rappresenta la pittura di questo artista modenese d'origine, ma che si formò artisticamente prima a Roma poi a Firenze, ove trascorse gran parte della vita. La sua ricca produzione propose inizialmente soprattutto soggetti storici, ma poi si volse anche al ritratto e infine al paesaggio: la sua unicità si riconosce nella capacità di spaziare dal soggetto storico, spesso collocato in ambientazioni ricavate dall'antica Pompei, al naturalismo di stampo macchiaiolo, del suo secondo periodo, nel quale il Muzzioli ricercava una significativa percezione dell'atmosfera e della luce in soggetti ispirati all'ambiente rurale toscano, spesso collocati nell'antichità. In quest'opera, un ritratto di un personaggio mitologico, traspare fortemente l'intento luministico dell'artista, la ricerca dell'effetto della luce che gioca nei corpi nudi del dio e del putto, a sfumare poi nello sfondo. L'etichetta della Galleria d'arte riconduce al fiorentino Mario Galli (1877 -1946), scultore che fu anche importante collezionista di opere soprattutto di macchiaioli. L'opera presenta un cretto importante ed è stata ritelata. E' presentata in cornice in stile.

Ritratto Femminile

Olio su tela. Firmato a destra, a metà tela. E' il ritratto di una donna che porta il lutto, una giovane vedova, come si desume, non solo dall'abito nero, ma piuttosto dal copricapo e soprattutto dal cammeo con un ritratto maschile, che porta appeso al collo. Achille Zo fu un artista francese (di Bayonne, paese dei Pirenei che subì l'influenza culturale dei Paesi baschi) , che pur avendo soggiornato ripetutamente a Parigi e Bordeaux, ove si formò artisticamente, fece poi diversi viaggi in Spagna, sia a Madrid (nel 1856) che in Andalusia (1860) , producendo per diversi anni opere a soggetto storico o scene di genere spagnole. Alla fine degli anni '60, si volse invece all'orientalismo. Diversi anche i ritratti nella sua produzione. Il dipinto qui proposto, in prima tela, è presentato in bella cornice coeva della seconda metà del XIX secolo.

Olio su tela. Scuola italiana del XIX secolo. Il mito di Procri e Cefalo è una celebre e tragica storia d'amore, gelosia e tradimento raccontata nelle Metamorfosi di Ovidio. Cefalo, bellissimo cacciatore, e Procri, principessa di Atene, furono protagonisti di un susseguirsi di equivoci e tranelli che portarono alla morte accidentale di lei. In particolare la scena qui proposta raffigura l'epilogo tragico del mito: Cefalo trova Procri morente, ferita accidentalmente dalla lancia dell' ignaro marito. La scena qui raffigurata guarda al modello di Carlo Francesco Nuvolone importante esponente del barocco lombardo, per la stessa impostazione drammatica delle figure, collocate in un paesaggio peraltro molto differente, qui non abitato da altre figure. Il dipinto è stato in passato restaurato er itelato, con telaio nuovo professionale, estensibile.

Copia da Francesco Guardi

Olio su tela. Il dipinto originale, realizzato da Francesco Guardi nel 1746 e donato ai Musei civici veneziani nel 1830 dalla collezione dell'Abate Teodoro Correr, è esposto dal 1936 a Ca' Rezzonico. Il dipinto è una “veduta d'interno” in cui il pittore raffigura, con attenzione e leggerezza, la sala delle visite del monastero di San Zaccaria. Nel convento venivano monacate le figlie delle più importanti famiglie veneziane: nel parlatorio parenti e amici potevano avere colloqui con le religiose e nell'occasione di questi incontri venivano anche organizzate recite di burattini per i più piccoli, come si vede sulla destra. L'opera del Guardi è caratterizzata dal proporre tutti gli elementi familiari del Settecento veneziano, con la sua atmosfera galante e mondana che entrava anche nei conventi. La copia qui presentata è piuttosto fedele all' originale, seppur mancante della una parte sulla destra, dietro il teatrino. Già sottoposto a restauro e ritelatura in passato, attualmente il dipinto necessita di pulizia. È presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Fiume e Figure

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Emilio Donnini, artista fiorentino, si affermò come paesaggista dal vero e segnò il passaggio da una interpretazione prettamente romantica al realismo macchiaiolo. Amò ritrarre soprattutto paesaggi marini ricchi di romanticismo, dipingendo le scene dal vero, per lo più nella sua amata isola d'Elba. Le sue opere sono ricche di cromatismi dai toni molto delicati, da una luminosità diffusa che si estende dal cielo alle superfici, spesso d'acqua, sottostanti con particolare brillantezza, mentre le figure che animano la scena sono descritte con rapide pennellate ma al tempo stesso con ordinata precisione. Questo scorcio paesaggistico ritrae un corso d'acqua nella campagna, traversato da un moncone di un antico ponte; lavandaie sono intente alla loro opere sulla riva pietrosa. Il dipinto presenta traccia di restauro. È presentato in cornice dorata di metà '900.

Ritratto di Giovane Donna

Olio su tavola. Firmato in basso a sinistra. Il pittore parigino Edouard D'Otemar si affermò soprattutto come ritrattista di figure femminili, che dipingeva con sfumati cromatici ed effetti luministici di stampo impressionista. L'opera è presentata in cornice di inizio '900, con mancanze.

Casolare con Popolana e Anatre

Olio su tavola. Firmato e localizzato Roma in basso a destra. Domenico Pennacchini si specializzò in scene di genere, spesso ambientate nella Roma antica, ma molte di soggetto rurale come quest' opera, a ritrarre momenti della vita quotidiana dei contadini delle campagne romane. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola francese di fine '700 - inizio '800. Ritratto di gentiluomo in elegante abito borghese. La tela presenta lievi strappi e necessita di pulizia. E' presentato in cornice dorata del XIX secolo.

Olio su tela. Scuola nord - italiana di fine '600 - inizio '700. La grande rappresentazione propone il momento evangelico dell' incontro tra Maria, in attesa di Gesù, e la cugina Elisabetta, incinta di Giovanni, il futuro Battista. L'emozione di questo incontro, che vede le due donne abbracciarsi mentre, come dice Elisabetta, il piccolo Giovanni le sussulta nel grembo, darà poi origine alla splendida preghiera del Magnificat, proclamata da Maria a ringraziamento e lode del suo Signore "che ha guardato l'umiltà della sua serva". Inconsueta è la presenza, in questo dipinto, anche dei due mariti, Giuseppe a sinistra e Zaccaria a destra, non menzionati nel Vangelo e solitamente non raffigurati. Tutte le figure sono rappresentate secondo i canoni iconografici tradizionali. e campeggiano su uno sfondo in cui spicca il tempio alle spalle di Zaccaria, sacerdote, ed un paesaggio italiano lontano sulla sinistra. Sul retro della tela è presente una vecchia attribuzione dell' opera a Giacomo Barbelli. Il dipinto manca totalmente del colore lungo tutti i bordi; è stato in passato sottoposto a restauro e saldamente ritelato. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. È ritratta a mezzo busto una coppia di reali, con manti di ermellino, gli scettri in mano. Entrambi sono coronati, ma la particolarità è che la figura femminile tiene tra le mani una seconda corona: l'altra figura che pare più giovane porta una corona più semplice, simbolo di grado inferiore, ed è in atteggiamento di estasi, la mano sul cuore e lo sguardo rivolto verso il cielo. Si ipotizza trattarsi di Teodolinda, regina cristiana dei Longobardi, che incorona martire il giovane figlio Adaloaldo, di cui fu reggente, e che fu il primo sovrano longobardo a essere battezzato e morto assassinato per la sua politica filo-cattolica e filo-romana. Ancora in prima tela, il dipinto presenta toppe di pregresso restauro, ma necessita di ulteriore restauro e pulizia.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. In un ampio paesaggio collinare piuttosto brullo, che si allarga sfumando sulla destra, si inserisce un alto roccione, conformato ad arco, sotto il quale vi è San Gerolamo penitente, raffigurato in atto di preghiera e di adorazione della Croce. Conformemente ai canoni della pittura del XVII-XVIII secolo, la figura del Santo, adeguata all'iconografia nelle vesti e nell'atteggiamento, è però inserita in un paesaggio poco consono, vicino a quello del pittore che si rifaceva alla realtà paesaggistica a lui nota. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola lombarda di fine '600-inizio '700. La ricca composizione propone un grande mazzo di fiori variopinti in un vaso sbalzato, vicino a un ciotola piena di funghi porcini e ad un grappolo d'uva: con diverse intensità di colore, i vari elementi naturalistici emergono dallo sfondo completamente scuro, creando effetti di luci ed ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.