Adrien Manglard, Paesaggio con scena cavalleresca

Olio su tela. Nel dipinto campeggia in primo piano una scena cavalleresca, probabilmente ispirata alla "Gerusalemme Liberata" del Tasso, che vede due guerrieri bardati con corazza ed elmo piumato, scudi imbracciati e spade sguainate, entrambi fiancheggiati da due dame, in procinto di affrontarsi in duello per il possesso di una cassetta posta al suolo tra i due contendenti; assistono alla contesa un terzo cavaliere con drappo rosso su un cavallo baio e un quarto in piedi di spalle, appoggiato a un doppio bastone, anch'essi in completa tenuta di guerra. La scena è ambientata in una gola montuosa con un torrione sulla destra, dinanzi a una "marina con il mare in tempesta" e una "veduta costiera" sullo sfondo. Il dipinto si inserisce con significativo rilievo nel catalogo di Adrien Manglard per la singolarità della scena figurativa abbinata alle conclamate doti di paesaggista, espresse queste ultime dal gusto della originale inventiva e della sua esplicazione prospettica, dalla resa sia delle rocce che delle onde e delle isole lontane. L'attribuzione al Manglard può essere confermata dai raffronti con diverse sue opere di simile ambientazione, essendo egli stato un affermato pittore di "marine", tanto in tempesta che in serene atmosfere di quiete. A tal scopo è possibile consultare la monografia di S. Maddalo (Adrien Manglard 1695-1760, Multigrafica editrice, Roma 1982) con particolare riferimento alle figure 34-39 e 41, incentrate su "marine" di simile ambientazione, tra cui il Ciclo di Palazzo Ducale Colorno, le tele del Museo Guéret e del Palazzo Boncompagni Ludovisi e l'affresco di Palazzo Chigi. In tali dipinti ritroviamo analoghi e talvolta quasi corrispondenti parametri inventivi, con una combaciante veste pittorica, della tela in oggetto. In essa va sottolineata in particolare la suggestiva resa del cielo tempestoso e del mare in burrasca, attestante l'attenta osservazione di questi fenomeni da parte del Manglard. Peraltro la sua validità anche come pittore di figura è comprovata da un esame generale del suo curriculum, tra cui in particolare la "Chiamata dei primi apostoli", databile al 1731. Nel dipinto è presente sigla AM sulla cassetta raffigurata in basso al centro. L'opera è accompagnata da expertise attributiva del prof. Giancarlo Sestieri. Restaurata e ritelata; è presentata in cornice in stile.

Scena mitologica di Giovanni Battista Recchi

Danae e la pioggia d'oro

Olio su tela. In questa splendida rappresentazione, di committenza certamente privata e laica, il pittore si confronta con il tema della Danae, soggetto della mitologia greca amato e praticato da pittori del calibro di Tiziano, Correggio, Orazio e Artemisia Gentileschi, Rembrandt e altri ancora, fino a Klimt. Il mito narra che Zeus fecondò la mortale Danae attraverso una pioggia dorata; da questa unione fu generato il semidio Perseo. Nel nostro dipinto la pioggia dorata si trasforma in monete d'oro, ciascuna individuabile con un conio del periodo. Su una delle monete che cadono dal cielo vi è apposta la firma del pittore, cosa rara per un dipinto antico, che permette di attribuire con certezza il dipinto e che testimonia l'importanza che l'opera aveva all'epoca per l'autore e che riveste attualmente per gli studi della pittura Lombarda del Seicento. Sullo sfondo si intravede una città che si affaccia su un lago, con tutta probabilità una raffigurazione d'epoca della città di Como, città natale del Recchi. E' plausibile che il committente privato del dipinto avesse a che fare con il cambio delle valute data la precisione con cui sono descritti i conii delle monete che cadono dal cielo. Lo stile del dipinto appartiene ancora al tardo manierismo lombardo, praticato anche da pittori del calibro di Simone Peterzano (il maestro di Caravaggio), ma già attento alla descrizione della realtà, del dato naturale, come appare chiaro nella rappresentazione delle foglie appassite sopra la testa di Danae, una lezione che in Caravaggio troverà piena maturazione. Il dipinto, ritelato e con tracce di restauro coerente con lo stile e l'epoca, è in condizioni molto buone. Presentato in cornice dorata in stile.

Hieronymus III Francken

La negazione di Pietro

Olio su tavola di quercia, proveniente da un'importante collezione storica fiorentina. La collezione fu cominciata da un avo della famiglia che fu a Vienna nel 1798 e poi a Wurzburg fino al 1813, come compagno di esilio del Granduca di Toscana Ferdinando III. La collezione fu trasferita con sede definitiva a Firenze alla caduta di Napoleone, e dell'importanza della stessa abbiamo prova attraverso copia di un inventario compilato nel 1881. Al numero 14 dello stesso (corrispondente a quello riportato sul cartiglio presente al retro della tavola) abbiamo la descrizione del compilatore: "...quadro in legno di piedi due e quattro e mezzo pollici di lungo, e piede uno e 8 e mezzo pollici di alto, rappresentante il Pietro che nega Gesù Cristo alla fanciulla in casa di Anna. Si vede il Salvatore da lontano condotto avanti a quel pontefice per essere esaminato,in mezzo a una quantità di marmaglia e di soldati". Negli anni 60 una iniziale attribuzione a Bruegel fu negata e ricondotta al Francken. La composizione ebbe evidentemente successo perché se ne conoscono altre versioni di bottega (vedasi ad esempio un olio su rame di identico soggetto e dimensioni esitato presso l'asta Koller in data 18/09/2015). Presentato in cornice d'epoca riadattata.

Finto Asse con Natura Morta con Frutta e Cacciagione

Trompe l'oeil,1757

Olio su tela. Firma non decifrata al centro lungo la pentola di coccio con coperchio, con la data. Affascinante composizione, ricca di citazioni e riferimenti, che identificano sicuramente il proprietario come un dotto erudito o accademico. In alto a sinistra un finto dipinto con la frase "Ma fuori uscì la notte e il mondo ascose", della Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso (canto 11°, stanza LXXXII). Al di sotto l'immagine di due suonatori identificati come "Tradasso palatino" (Tradasso è l'antico nome del contrabbasso, ma anche allude all'appellativo Gradasso) e "Guido da Sury", coppia di mercenari. Il sottostante gatto è affiancato da altra frase "Aggiunge ora l'astuzia alla rapina", allusiva alle chiare mire del felino verso la lepre appesa al suo fianco, anch'essa accompagnata da una frase., "Nec dedit fuga salutem" alludente all'inutile fuga dell'animale dal cacciatore. Al di sopra dei due suonatori-mercenari, una lettera indirizzata a "Pisstoia- al sig. Gismondi (?)" o Giannoli(?). La composizione è completata in basso da un ricco repertorio di frutta, stoviglie ed un pollo arrostito. Il dipinto è presentato in splendida cornice emiliana coeva.

Sacra famiglia ed Angeli

Olio su rame in cornice ottagonale. Nel dipinto, attorno alla figura del Bambino addormentato in braccio a Maria, troviamo,adoranti, San Giuseppe e diversi angeli. Sul fondo, uno scorcio paesaggistico. Il dipinto è presentato in bella cornice ottagonale in legno ebanizzato e bronzo dorato.Trattenuta tra due cornici ebanizzate, una bordura in bronzo dorato cesellato contiene riserve in metallo argentato con rosoncini in bronzo. Esternamente una decorazione a merletti in bronzo traforato con cherubini si alterna a delle fiamme sempre in bronzo dorato. Una di queste fiamme risulta sostituita, vi sono segni di chiodini che indicano la mancanza di altri decori sulle specchiature argentate.

Ambito di Denijs Calvaert

Madonna con Bambino e San Giovannino

Olio su tela. Il dipinto, per costruzione, colori e fisionomie, rimanda all'ambito bolognese di fine '500, ed in particolare all'opera del pittore di Anversa e degli allievi operanti attorno alla sua scuola. Restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.