Giannetto Fieschi

Figliol prodigo,1968

Tecnica mista su tela. Firmato in alto, con firma spezzata in due, l'incipit nell'angolo a destra, le ultime lettere a sinistra. Al retro presenti ulteriore firma, con data e titolo dell'opera; presente inoltre etichetta della Galleria d'Arte 32 di Milano. La scena riprende la parabola evangelica del figliol prodigo, anche detta del Padre misericordioso. Giannetto Fieschi, pittore italiano di nobili origini nato in Val Brembana ma formatosi artisticamente a Genova, ha intrapreso, durante i suoi lunghi soggiorni all'estero (Parigi, Barcellona New York), studi di semantica grafica. Dopo un inizio informale-spaziale ha recuperato l'elemento figurativo anticipando tendenze dell'arte pop. Nelle sue composizioni introduce forti suggestioni surreali di segno decadente e di poetica escatologico-emblematica, affrontando temi che vanno dalla violenza, alla conoscenza e all'eros. Si è occupato di ogni forma d'arte , compresa l'arte postale, di calligrafia, è autore di libri di disegni e di saggi sull'arte sacra contemporanea e sul valore etico della pittura murale: è considerato l'intellettuale dell'arte. L'opera proviene da una importante collezione bresciana. E' presentata in cornice.

Composizione di Giannetto Fieschi

Dell'idealismo,1966

Tecnica mista su tela. Firmato in alto a destra. In basso a destra presente dedica e data 1966. Al retro il titolo. Giannetto Fieschi, pittore italiano di nobili origini nato in Val Brembana ma formatosi artisticamente a Genova, ha intrapreso, durante i suoi lunghi soggiorni all'estero (Parigi, Barcellona New York), studi di semantica grafica. Dopo un inizio informale-spaziale ha recuperato l'elemento figurativo anticipando tendenze dell'arte pop. Nelle sue composizioni introduce forti suggestioni surreali di segno decadente e di poetica escatologico-emblematica, affrontando temi che vanno dalla violenza, alla conoscenza e all'eros. Si è occupato di ogni forma d'arte , compresa l'arte postale, di calligrafia, è autore di libri di disegni e di saggi sull'arte sacra contemporanea e sul valore etico della pittura murale: è considerato l'intellettuale dell'arte. L'opera proviene da una importante collezione bresciana. E' presentata in cornice.

I Ketut Tagen

Composizione di animali esotici, 1972

Olio su tela. Firma, località Penestanan Kelod e data '72 in basso a destra. Grande composizione corale di molteplici varietà di animali esotici, tipici dell'habitat indonesiano. I Ketut Tagen è uno dei più apprezzati artisti della frizzante scena di Penestanan Kelod, villaggio dell'isola di Bali noto fin dal 1930 come villaggio di artisti in seguito al soggiorno di Walter Lies. Tagen, abile a combinare colori vivaci in scene che descrivono la vita quotidiana tradizionale del suo quel villaggio, si caratterizza per l'assenza sui volti delle sue figure di dettagli anatomici. Ha esposto in molti musei, tra cui il Museum of Modern Art di San Francisco (1964), il National Museum di Singapore (1970), il Singapore Art Museum (1994) e il Museum Nasional di Jakarta (1995). Opera in cornice. Presente uno strappo presso il bordo sinistro. Alcune cadute di colore diffuse.

Giannetto Fieschi

Nudo idealizzato,1966

Tecnica mista su tela. Firmato in alto a sinistra. AL retro presente ulteriore firma , con data e titolo. Presenti inoltre alcuni timbri mal leggibili di Gallerie d'arte, tra cui si riconosce quello della Galleria San Michel di Brescia. Giannetto Fieschi, pittore italiano di nobili origini nato in Val Brembana ma formatosi artisticamente a Genova, ha intrapreso, durante i suoi lunghi soggiorni all'estero (Parigi, Barcellona New York), studi di semantica grafica. Dopo un inizio informale-spaziale ha recuperato l'elemento figurativo anticipando tendenze dell'arte pop. Nelle sue composizioni introduce forti suggestioni surreali di segno decadente e di poetica escatologico-emblematica, affrontando temi che vanno dalla violenza, alla conoscenza e all'eros. Si è occupato di ogni forma d'arte , compresa l'arte postale, di calligrafia, è autore di libri di disegni e di saggi sull'arte sacra contemporanea e sul valore etico della pittura murale: è considerato l'intellettuale dell'arte. L'opera proviene da una importante collezione bresciana. E' presentata in cornice.

Giannetto Fieschi

Giobbe,1967

Tecnica mista su tela. Firmato in alto, con firma ribaltata. AL retro presenti ulteriore firma, data e titolo dell'opera; presenti inoltre timbri di Galleria San Michele di Brescia e di Galleria Interarte di Genova. Giannetto Fieschi, pittore italiano di nobili origini nato in Val Brembana ma formatosi artisticamente a Genova, ha intrapreso, durante i suoi lunghi soggiorni all'estero (Parigi, Barcellona New York), studi di semantica grafica. Dopo un inizio informale-spaziale ha recuperato l'elemento figurativo anticipando tendenze dell'arte pop. Nelle sue composizioni introduce forti suggestioni surreali di segno decadente e di poetica escatologico-emblematica, affrontando temi che vanno dalla violenza, alla conoscenza e all'eros. Si è occupato di ogni forma d'arte , compresa l'arte postale, di calligrafia, è autore di libri di disegni e di saggi sull'arte sacra contemporanea e sul valore etico della pittura murale: è considerato l'intellettuale dell'arte. L'opera proviene da una importante collezione bresciana. E' presentata in cornice.

Opera di Ugo Carrega

Vaga nel pensiero...,1990

Incisione e smalto su tavola. Firma e data al retro. Artista e poeta originario di Genova ma attivo soprattutto a Milano, Carrega è stato uno dei principali esponenti della poesia visiva, sebbene egli prediligesse il termine di "Nuova Scrittura", ovvero una scrittura sperimentale che associa segni di estrazione diversi. Fonda inoltre nel 1965 la rivista "Tool: quaderni di scrittura simbiotica",ovvero una forma di poesia sperimentale in cui agiscono in modo paritetico segni di diversa natura, verbali e grafici L'opera proposta è un esempio di tale concezione dell'arte..

Piccola scultura firmata Cantoni (1946)

Scultura in bronzo raffigurante busto di figura maschile su base in legno patinato color nero. Bronzo in parte dorato. Ed. 117/120. Firma dell'autore incussa.

Franco Rognoni, Il pagliaccio

Franco Rognoni, Il pagliaccio. Olio su cartone, firmato e datato in basso a destra. Al retro sigla numerica a matita.

Piccola scultura firmata Cantoni

Scultura in bronzo raffigurante busto femminile su base in legno patinato color nero. Ed. 110/120. Firma dell'artista incussa.

Renzo Nucara

Aria,1978

Acrilico e china su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al verso presenti ulteriore firma,data, titolo e tecnica, nonchè timbro di Galleria d'arte di Bergamo. Renzo Nucara, artista di Crema formatosi all'Accademia di Brera, è uno dei cinque fondatori nel 1993 del Cracking Art Group, gruppo artistico d'avanguardia che sceglie come materia d'elezione la plastica, veicolo di impegno ecologico e sociale. La sua prima produzione, più tradizionale, si articola negli anni '80 intorno al tema del Diario: emozioni, sensazioni, 'fatti del giorno' vengono scritti di getto sulla tela, con frasi spesso al contrario o frammentate, perché volutamente collocate nello spazio tra l'esplicito e il celato. Appartiene a tale periodo l'opera qui presentata. Negli anni successivi alla scrittura subentra la tridimensionalità ed entrano in gioco nuovi materiali - legni, oggetti trovati, pellicole trasparenti. Tutta la sua attività artistica è incentrata sulla ricerca di nuove forme di espressione, mediate da materiali sempre nuovi, tra gli ultimi dei quali il plexiglass.

Antonio Stagnoli

Volto

Tecnica mista su cartone telato. Firmato in basso a sinistra. Un volto di una figura popolare, fortemente segnato dall'età e dalla vita, che pare quasi un clown. Antonio Stagnoli fu pittore di origine bresciana ma che si formò artisticamente a Milano. Ebbe un'infanzia sofferta per una importante disabilità e una condizione familiare difficile, che lo portò a vivere fin da piccolo presso il Pio Istituto Pavoni di Brescia; fu proprio il direttore di tale Istituto che scoprì e volle aiutare la sua abilità pittorica, mandandolo a Milano presso l'Accademia di Brera. Qui pur nelle difficoltà economiche del vivere quotidiano, compensate dalla vendita dei primi quadri, Antonio Stagnoli potè entrare in contatto con i protagonisti della Nuova Figurazione italiana, che lasceranno traccia nella sua produzione. Rientrato a Brescia al termine dell'Accademia, il pittore restò in Istituto fino all'età di quarantacinque anni, cominciando peraltro ad esporre nelle prime mostre locali e a farsi notare dalla critica. Dal decennio successivo fu un susseguirsi di presenze decisive, a Milano, Venezia, Roma, ma anche all'estero. I suoi temi ricorrenti sono quelli legati alla civiltà rurale e montana del territorio di Bagolino (paese natale), raffigurati con un'originale capacità interpretativa. L'opera è presentata in cornice.

Disegno di Vladimir Velickovic

Senza titolo

China su carta applicata a pannello di faesite.. Firmato e datato 30 /3/1965 in basso a sinistra. Bozzetti di teste e corpi umani deformati. Nato a Belgrado (ex Yugoslavia) e laureatosi in Architettura nella sua città, passa presto alla pittura affermandosi al punto da diventare il rapresentante della Yugoslavia alla Biennale id Venezia del 1972. Testimone nella sua infanzia delle atrocità commesse dai nazisti nel suo paese, la sua pittura esprime il dolore e la violenza di questi ricordi. dipingendo uomini o animali (soprattutto topi o cani) i cui corpi sono confrontati a situazioni drammatiche e terrorizzanti, tentando di "lasciare innanzittutto una cicatrice" nella memoria dell'osservatore del suo quadro.

Cioni Carpi

"Struttura a 3 nD",1971

Olio su tela. Sul retro è presente la firma; sul telaio ulteriore firma, data e il titolo per esteso ""Struttura a 3 nD",modulata da linee". Cioni Carpi, artista milanese impegnato nell'arte di matrice concettuale e minimalista, si produsse in lavori in cui l'immaginazione, la sensibilità, l'estro espressivo erano fondamentali. Opera in cornice.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu,2009

Tecnica mista su cartone. Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone, sovrastati da segno di bruciatura dipinto. Pezzo unico, firmato e datato in basso a destra. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è presentata in cornice.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu,2009

Tecnica mista su cartone. Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone, sovrastati da segno di bruciatura dipinto. Pezzo unico, firmato e datato in basso a destra. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è presentata in cornice.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone metallo. Al retro è presente etichetta di Galleria Centro di Brescia con i dati dell'opera e la firma dell'artista. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di Autentica rilasciata dall'Archivio opere Bernard Aubertin, con N. Archiviazione DFEA47-1000237523.

Arazzo di Pablo Echaurren

Senza titolo

Arazzo. Firmato in basso a destra. Pittore ,fumettista e scrittore italiano, nato a Roma ma figlio d'arte del pittore surrealista cileno Roberto Matta, Pablo Echaurren dà vita ad una ampia produzione sviluppata all'insegna della contaminazione fra generi, fra arte e arti applicate, secondo un approccio progettuale, manuale e mentale, tipico del laboratorio, secondo la concezione che un artista è di fatto un inventore a tutto campo. Si sperimenta perciò nella pittura, ceramica, illustrazione, fumetto, scrittura, video. L'opera proposta, pur senza titolo, propone un soggetto naturalistico, delle farfalle in volo, viste in uno stile da illustrazione. L'opera è presentata in cornice nera guilloché.

Bernard Aubertin

Alvéoles,1990

Cartone dipinto su tavola. Il cartone, dipinto di rosso, è lavorato a evocare le celle di un alveare; è applicato su una tavola dipinta di nero. Al retro presenti firma, titolo e data dell'opera. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di autentica rilasciata dall'Archivio opere Benard Aubertin, N. Archiviazione MAR09-1000230523

Opera di Paolo Masi

Senza titolo, anni '90

Smalti su legno. Firma e data al retro. Paolo Masi, nato a Firenze, fin in dagli anni Cinquanta partecipa a quella elaborazione sperimentale di nuove tendenze artistiche che nella sua città si caratterizzerà, con una frattura profonda e mai più rimarginabile nei confronti del passato, come liberazione dai canoni del formalismo e di ogni tipo di accademismo perseguita con intensità e coerenza. Il Masi passa dalle iniziali esperienze della pittura informale e dell'astrattismo concreto a un'attività articolata, complessa e diversificata sul piano tecnico-linguistico. La sua intensa attività trova riconoscimenti sia in Italia che all'estero.

Francesco Pogliaghi

Composizione astratta

Tecnica mista su lastra di metallo (piano di scaffale metallico). Una grande scritta centrale "Nature", applicata a collage, è preceduta da una lettera S pennellata, che traforma la parola in "Snature", ed è contornata da parole dipinte e incise nel colore. Nato a Madrid e poi trasferitosi spessissimo con la famiglia in tutta Europa, grazie al nomadismo familiare questo giovane pittore e street artist ha potuto mettersi in contatto con le prime manifestazioni europee di arte pubblica. L'incontro con i graffiti risale al 1996 ed è subito amore a prima vista: il giovanissimo Pogliaghi frequenta conventions entrando i contatto con i più prestigiosi esponenti sia italiani che esteri. I suoi graffiti si evolvono di anno in anno, si sviluppano graficamente e contaminano sempre di più le produzioni creative dell'artista. Pogliaghi si cimenta peraltro con le più diverse tecniche espressive, acquisendo un'ampia e specifica conoscenza della lavorazione dei materiali: nella sua produzione troviamo illustrazioni, scultura, opere materiche, studi di strutture metafisiche, esperimenti cromatici. Motivo dominante delle sue produzioni è comunque sempre il segno urbano che si fa disegno: il segno calligrafico, la “tag”, diventa infatti illustrazione, figura, disegno, concetto.