Volto Femminile 2001

Olio su tela. Datato e firmato al retro. Nato a Seregno, Danilo Martinis si è formato con Osvaldo Minotti. Pittore e designer, ha arredato residenze prestigiose in tutto il mondo, le sue opere sono particolarmente apprezzate negli Emirati Arabi e in Russia. Egli ama esprimere i suoi pensieri attraverso immagini grafico-figurative rese attraverso effetti geometrici e giochi cromatici, utilizzando come interpreti prevalentemente le figure femminili. In quest'opera propone un primo piano di un viso femminile, esaltandone l'espressività attraverso i giochi di colore nelle gamme del giallo.

Occhi 1995

Olio su tela. Datato e firmato al retro. Nato a Seregno, Danilo Martinis si è formato con Osvaldo Minotti. Pittore e designer, ha arredato residenze prestigiose in tutto il mondo, le sue opere sono particolarmente apprezzate negli Emirati Arabi e in Russia. Egli ama esprimere i suoi pensieri attraverso immagini grafico-figurative rese attraverso effetti geometrici e giochi cromatici, utilizzando come interpreti prevalentemente le figure femminili. In quest'opera propone un primissimo piano di un viso femminile, in particolare inquadrando gli occhi.

Un'ora fa 2000

Olio su tavola. Al retro è presente etichetta della Galleria Marescalchi di Bologna con il titolo, la data, i dati tecnici dell'opera e il numero di catalogo (cat. 91). Nato a Viareggio, Alessandro Tofanelli si è diplomato prima all'istituto d'arte di Lucca, per poi trasferirsi dal 1977 al 1980 a Milano per frequentare l'Accademia di Brera di Milano, collaborando in quegli anni come illustratore per diverse riviste edite da Rizzoli e Mondadori. Comincia fin da subito ad affermarsi, vincendo premi nazionali; le sue opere pittoriche sono esposte in importanti gallerie d'arte italiane e straniere e fanno parte di importanti collezioni private e pubbliche, nazionali e internazionali. All'attività pittorica Tofanelli ha da sempre abbinato anche quella di fotografo e video documentarista professionista. Numerosi sono infatti i suoi lavori video trasmessi dalle reti RAI, così come i suoi servizi fotografici sono stati ospitati in pubblicazioni specializzate. In tutte le sue forme artistiche, Tofanelli esprime il forte legame con la natura: immerso in essa, una natura amica, egli lui la vive, la respira, la fa sua, la interpreta dandogli voce e la dipinge trasformandola in poesia e rappresentandola in un un mondo che pare immaginario, ma è piuttosto un mondo che fu, un mondo a sé, una realtà al confine con il sogno, un eden in cui la vita è semplice e scandita dal ritmo lento di gesti quotidiani, ed è identificata in oggetti della quotidianità in cui si può percepire la presenza dell'Uomo, raccontandone la vita e la storia senza mai raffigurarlo. L'opera è presentata in cornice.

Piazza della Pittura, 1990

Acrilici su tavola. Firmata e datata al retro. Accompagnata da autentica su foto autografa dell'autore, con timbro della Galleria Verlato di Milano. L'opera qui presentata rientra nella ricca serie di opere denominate dall'artista Cristalli, per il richiamo alle geometrie di tali minerali, che egli considera contenitori di energie e di luce. Su una tavola sagomata tridimensionalmente con asimmetriche punte sporgenti, a richiamare la struttura di un cristallo, Jori dipinge elementi che emergono dallo sfondo, con scelte cromatiche che rimandano tutte alla stessa gamma ma con sfumature differenti, ad emulare i riflessi della luce. L'opera proviene da un'importante collezione privata milanese.

"L.O.V.E.", 2014

Multiplo in cemento. Edizione limitata della Seletti, datata 2014, presentata in scatola originale di legno. Si tratta di una riproduzione in scala 1:28 della celebre installazione di Maurizio Cattelan in Piazza Affari a Milano. L' installazione originale, realizzata nel 2010, che pare raffigurare un gesto osceno, ha un significato preciso: la sigla che la titola significa Libertà, Odio, Vendetta, Eternità ed in realtà raffigura una mano protesa nel saluto fascista con quattro dita mozzate, quindi intesa come gesto di irriverenza nei confronti del simbolo fascista. Maurizio Cattelan è l'artista italiano vivente attualmente più quotato; sue opere sono proposte in tutti i musei del mondo. Partendo dall'avanguardismo novecentesco, con un approccio critico, Cattelan nelle sue opere fonde insieme vita e arte, realtà e fantasia; con il passare del tempo, le sue azioni diventano sempre più sensazionalistiche e mass-mediatiche, mirando a "dire" l'avanguardia, ma "mostrare" l'impossibilità di essa, facendo incontrare l'avanguardismo con il nichilismo. Le sue opere suscitano al primo impatto un sorriso, ma al tempo stesso disturbano lo spettatore, spingendolo ad una riflessione. I temi celati nelle opere dell'artista sono seri e profondi: la morte, l'amore, il senso della vita, il fallimento. In parecchie opere usa animali imbalsamati o finti, manichini e statue in ceroplastica. L'artista si è anche rappresentato in alcune delle sue opere. L

Natura morta 1987

Tarsia in legno naturale. Firmata in basso a destra. al retro presente certificato di autenticità dell'opera firmato dall'artista, con i dati dell'opera (tecnica, titolo e data di realizzazione). Si tratta di lavoro realizzato con la tecnica "a coltello" dal noto maestro di Anagni (FR) Carlo Turri: coniugando lo stile rinascimentale con il gusto e la creatività dell'alto artigianato contemporaneo, egli ha realizzato le sue opere interamente a mano, impiegando tecniche del XV secolo e dedicando particolare attenzione alla ricerca cromatica e della tridimensionalità. La sua tradizione è stata continuata dalla figlia Rita che, nel laboratorio di Anagni, applica motivi ornamentali classici e moderni non solo su quadri ma anche su boiserie, elementi di arredo e di design. L'opera è inserita in cornice.

La Caduta di San Paolo 2003

Acrilico su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro presenti: ulteriore firma dell'artista con i dati tecnici dell'opera, certificato di autenticità dell'opera firmato dall'artista, sua dedica autografa a un sacerdote amico e descrizione autografa dei dati dell'opera. E' allegato inoltre dépliant di mostra personale della pittrice, con diversi "Omaggi" a pittori dell'antichità, tra i quali questa opera. Il motivo ricorrente di queste opere è il cavallo, che nella produzione dell'artista parmigiana Roberta Musi è un tema ricorrente in modo dolcemente ossessivo, che l'ha portata fino a ripercorrere all'indietro l'iconografia storico/artistica legata a questo animale: ha ripreso le opere di Vitale da Bologna e Paolo Uccello, Cosmé Tura e Delacroix, o del Parmigianino qui proposto, reinterpretandole con ampi margini di libertà e immettendo in essi aliti profondi di vitalità. In particolare, quest'opera omaggia il dipinto omonimo del Parmigianino, realizzato nel 1527 e conservato nel Kunsthistorisches Museum a Vienna. L'opera è presentata in cornice.

Senza Titolo 1977

Acrilico su tela. Al retro la firma dell'autore, la data 12-5-1977 e il luogo di realizzazione Milano. Keizo Morishita nato a Kitakyushu in Giappone, all'età di diciannove anni si trasferisce in Italia grazie ad una borsa di studio, frequenta l'Accademia di Brera di Milano sotto la guida di Marino Marini e nel 1968 si laurea in scultura. In seguito sceglie però di esprimersi pittoricamente, sviluppando uno stile personale che nasce da un meditato e coltissimo incontro tra la cultura orientale e l'espressione artistica europea. Dagli Arcipelaghi degli anni settanta - di cui fa parte l'opera qui presentata -, ai più recenti Paesaggi della memoria, i suoi dipinti presentano paesaggi ideali di assoluta purezza formale e di grande intensità cromatica, ordinati secondo una perfetta geometria delle forme e immersi in una luce cristallina. E' stato protagonista di un'intensa attività espositiva in gallerie pubbliche e private sia italiane che estere.

Scorcio Veneziano

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Gustavo Boldrini, nato a Venezia nel 1927, frequenta nella città natale, prima l'Istituto d'Arte e poi l'Accademia di Belle Arti. La sua pittura dopo un avvio sperimentale si concentra in una ricerca “espressionista”, alternando accensioni cromatiche fauviste, a studi di paesaggio quasi monocromi, a severe composizioni di figura, dai quali traspare la sensibilità dell'artista per le tematiche sociali ed esistenziali. Egli tende sempre alla sintesi formale, in cui gli oggetti e i personaggi sono rappresentati con una grande libertà lirica e narrativa, caratterizzata da tratti essenziali ed inconfondibili. Ricorrente è lo scorcio della sua città, come in quest'opera ove al centro campeggia una chiesa bianca, che si affaccia su un canale con una gondola stilizzata. In cornice.

Il Ventaglio Rosso 1973

Olio su sabbia applicata a tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro etichetta dell'artista con i dati dell'opera (titolo, tecnica, misure, data) e timbro di Galleria di provenienza. Vittorio Maria di Carlo è nato a San Marco in Lamis, nel Gargano. E' stato riconosciuto come giovane artista emergente al tempo della "Nuova Figurazione" ed ha riscosso notevole successo in numerose mostre collettive e personali. In seguito, si è stabilito a Milano alternando la residenza lombarda con periodi trascorsi a Manila. L'opera propone una figura femminile che si sventola on un ventaglio rosso, nello stile caratteristico dell'artista, che propone figure realizzate con tratti geometrici e colori brillanti. In cornice.

Poster pieghevole, stampato ad otto colori, della mostra "Vanitas: Skulls and self-portraits 1976-1986", tenutasi presso la Anthony d'Offay Gallery di Londra da novembre 1985 a gennaio 1996. Sul fronte è presentata una composizione di otto "teschi di Warhol, simbolo della caducità della vita; al retro, in bianco e nero, il titolo della mostra, una recensione critica e il catalogo delle opere di Andy Warhol, sui due temi dei teschi e degli autoritratti. Dimensioni del pieghevole aperto: 83,8 X 53,2 cm.

'Si fanno in 4 per Paolo' 2010

Laminato sottile di alluminio spruzzato con colori acrilici. Al retro è presente la scheda di autocertificazione dell'opera, con la firma e tutti i dati (titolo, dimensioni, tecnica, data e dedica). Il titolo è espresso anche al verso, mediante punzonatura al centro. "Eugenio Sgaravatti nasce a Roma. Frequenta scuole in Italia, Svizzera, Olanda e Inghilterra. La passione per viaggiare lo porta in cento nazioni diverse, approfondendo le sue conoscenze umanistiche. La grande mole di messaggi recepiti nei suoi viaggi stimolano la sua vocazione e spingono l'artista a dedicarsi esclusivamente alla pittura. Opera nel suo studio nella capitale a villa Iris in Via Appia Antica 107. Dipinge composizioni e paesaggi astratti con qualche sussulto figurativo. Le sue opere contengono elementi di ripetitivitá, che rispecchiano il carattere ossessivo e seriale della vita contemporanea. Dipinge a olio ma sperimenta anche vernici acriliche, resine poliuretaniche e pigmenti in polvere. Data la sua versalità i supporti, variano: tela, cartone, legno e laminati metallici." (biografia tratta dal sito dell'artista). Opera presentata in cornice.

Senza Titolo 1960

Tecnica mista su carta. Firma e data al retro. Artista milanese, formatosi all'Accademia di Brera, Ettore Sordini è stato amico, collaboratore e discepolo di Lucio Fontana; dopo la prima fase futurista, la pittura di Sordini lascia decantare il valore materico e diventa sempre più rarefatta. Cresce e si definisce il suo interesse per il segno, un segno esile e scarno, primario ma sinuoso, e per una cromia tenue e delicata, quasi impalpabile. Sordini “si avvale di una tecnica tutta grafica per costituire sulla tela, nel cui campo domina una sola tonalità cromatica, tracce rade e sottili di colore che rimandano a memorie di immagini antropoidi filamentose". Verso la fine degli anni '50 attua un approfondimento del rapporto tra segno-gesto e natura e l'opera acquista così una spazialità lirica maggiore, accompagnata da un cromatismo tenue e delicato. Come ben è avallato anche dall'opera qui presentata, si può dire che Sordini “parte dal segno per arrivare alla pittura servendosi del colore in funzione spaziale e luminosa”. L'opera è presentata in cornice.

Stan Diggei senza Denaro 1996

Tecnica mista su tavola. A retro presenti firma, titolo e data di realizzazione. Paolo Barrile, artista ambientalista comportamentale, si distingue per una pittura fortemente materica, che utilizza per portare messaggi di forte impatto ecologico e ambientalista; in particolare è l'artista del Messaggio Terra e dell'Arte Amplificata, in cui esprime la sua "follia ecologica" su scala planetaria. L' opera presentata appartiene al suo periodo delle scritture e dei graffiti (1993-2005): in queste sue opere Barrile parte dalle tag più belle che trova per la strada, scritte di getto, e le riprende con amore, disponendole con i suoi colori e i suoi equilibri compositivi, con l'intento di salvare e tramandare ai posteri i grafiti con cui i giovani riempiono le mura delle città. Anche in questa opera Barrile riprende un graffito urbano firmato e lo ripropone secondo la sua personale interpretazione. Con cornice.

Stratosfera 1962

Olio su tela. Al retro presenti titolo, data e firma dell'artista. Presente cartiglio di provenienza dalla Galleria Falchi di Milano. Felice Canonico nasce a Messina, ove esordisce da autodidatta , facendosi notare all'interno del circuito delle esposizioni cittadine; segue poi un periodo di formazione a Firenze con Ardengo Soffici e Pietro Annigoni. Dal '51 al '60, collabora con i maggiori cantieri dell'edilizia messinese. Trasferitosi a Milano, frequenta la galleria Blu, entrando in contatto con gli artisti più innovativi dell'epoca: Fontana, Burri, Vedova, Borlotti, Santomaso. Espone a Roma, Venezia, Parigi, Londra, Stoccarda, Copenaghen, Los Angeles, vincendo pure diversi premi. Nella sua lunga e versatile attività sperimenta le più diverse e alternative tecniche artistiche. L'opera è presentata in cornice.

You you 1967

Pannello ad intarsi colorati con acrilici. Firmato e datato in basso a sinistra. Sul retro ulteriore firma, data e il titolo. Opera giovanile, appartiene al periodo di esordio dell'artista.

Nudo, 1964

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra; titolo e ulteriore data al retro. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.

San Giorgio 1992

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro in cirillico presenti il titolo, la data e la localizzazione a Bergamo. L'artista lituano, che attualmente vive e lavora tra Mosca, l'Italia e il Regno Unito, è considerato uno dei più importanti artisti russi contemporanei. Nella sua ampia produzione si trovano paesaggi, nature morte, molti ritratti di personaggi famosi e le sue composizioni surreali, espressione di una sua peculiare "visione onirica" della realtà. Anche in questa tavola, seppur nello stile delle icone tradizionali, viene proposta la raffigurazione del famoso San Giorgio in una chiave surreale che rimanda a De Chirico, ove al drago viene sostituito un'oca, la testa del santo è un uovo, di contorno vi sono figure di maghe..... un'interpretazione chiaramente poco ortodossa! La tavola presenta una fenditura verticale. L'opera è presentata in cornice.

Fiore Urbano 2016

Tecnica mista: su legno dipinto fiore in tessuto in un campo geometrico. Firmato e datato al retro. L'artista dice di sè: "E' il grande amore per l'arte che mi ha spinto a concretizzare emozioni e visioni coloristiche che da sempre vivevano nella mia vivace immaginazione. Suggestioni che derivano da varie influenze pittoriche che ho rivisitato in una personale interpretazione".

Serratura Indiscreta 2019

Tecnica mista: opera su plexiglas con inserti in tessuto e rifiniti con oli. Firmato e datato al retro. L'artista dice di sè: "E' il grande amore per l'arte che mi ha spinto a concretizzare emozioni e visioni coloristiche che da sempre vivevano nella mia vivace immaginazione. Suggestioni che derivano da varie influenze pittoriche che ho rivisitato in una personale interpretazione".