Serigrafia di Andy Wharol

Ladies and gentlemen,1975

Serigrafia su carta. Il portfolio di serigrafie firmate, create nel 1975 da Andy Warhol, Ladies and Gentlemen è una serie di 10 tele realizzate in edizione limitata di 125 esemplari, su suggerimento di Luciano Anselmino, un editore italiano, Sul retro delle opere sono presenti sia il numero di tiratura che la firma di Andy Warhol, entrambi a matita: quella qui proposta porta il N. 51/125, con la firma e la data. Protagonisti di questa serie sono i volti sconosciuti di drag queen afroamericane. Warhol ritrae dal collo in su i loro volti ricchi di espressività e di provocazione; le larghe pennellate di colore non rispettano i profili delle figure, andando oltre le linee di contorno, riflettono la trasgressione dei personaggi. In realtà Wharol intende catturare con la sua polaroid il connubio tra sfarzo e solitudine di queste personalità, tra l'innocenza di una tenera ragazza e la sicurezza di un uomo virile. Presentato in cornice.

Opera di Marco Lodola

Old man trio,2000

Smalti su perspex. Al retro la firma, il titolo e la data dell'opera. Formatosi prima all'Accademia di Firenze poi a quella di Milano, Marco Lodola si è affermato come artista poliedrico ed eclettico, che all'arte visiva ha affiancato altre discipline (letteratura, design, musica). Si è specializzato in particolare nella produzione di opere in materie plastiche,sagomate e colorate con tinte acriliche mediante una tecnica personale. Alle sue ssculture ha in una seconda fase affiancato la luce, creando delle sculture luminose, statue in plexiglas illuminate internamente con tubi luminosi, che caratterizzeranno tutta la produzione artistica. Ha lavorato nel settore pubblicitario e grafico, scenografico e musicale, in collaborazione con diverse amministrazioni pubbliche e private in tutta Italia.

Dipinto di Sergio Sergi

Ritratto di tigre

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Sergio Sergi, nato a Piacenza, vive e lavora a Parma. Il suo viaggio artistico si è sviluppato intorno alla ricerca del processo evolutivo naturale, indagando lo sviluppo dell'Ordine dei Primati, da cui trae la propria origine l'Uomo, attraverso la rappresentazione di tutte le Famiglie, con relativi Generi, tra le più importanti delle oltre 200 specie viventi sul pianeta. Ciò lo ha portato a specializzarsi come ritrattista di animali. Tra le sue mostre ricordiamo quella del 2019 sui "Leoni futuristi".

Dipinto di Sergio Sergi

Il ruggito ,2007

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro sul telaio presente ulteriore firma con il titolo e la data di realizzazione. Sergio Sergi, nato a Piacenza, vive e lavora a Parma. Il suo viaggio artistico si è sviluppato intorno alla ricerca del processo evolutivo naturale, indagando lo sviluppo dell'Ordine dei Primati, da cui trae la propria origine l'Uomo, attraverso la rappresentazione di tutte le Famiglie, con relativi Generi, tra le più importanti delle oltre 200 specie viventi sul pianeta. Ciò lo ha portato a specializzarsi come ritrattista di animali. Tra le sue mostre ricordiamo quella del 2019 sui "Leoni futuristi".

Dipinto di Sergio Sergi

Ritratto di leone

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Piacenza, vive e lavora a Parma. Il suo viaggio artistico si è sviluppato intorno alla ricerca del processo evolutivo naturale, indagando lo sviluppo dell'Ordine dei Primati, da cui trae la propria origine l'Uomo, attraverso la rappresentazione di tutte le Famiglie, con relativi Generi, tra le più importanti delle oltre 200 specie viventi sul pianeta. Ciò lo ha portato a specializzarsi come ritrattista di animali. Tra le sue mostre ricordiamo quella del 2019 sui "Leoni futuristi".

Dipinto di Sergio Sergi

ritratto di tigre bianca

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Sergio Sergi, nato a Piacenza, vive e lavora a Parma. Il suo viaggio artistico si è sviluppato intorno alla ricerca del processo evolutivo naturale, indagando lo sviluppo dell'Ordine dei Primati, da cui trae la propria origine l'Uomo, attraverso la rappresentazione di tutte le Famiglie, con relativi Generi, tra le più importanti delle oltre 200 specie viventi sul pianeta. Ciò lo ha portato a specializzarsi come ritrattista di animali. Tra le sue mostre ricordiamo quella del 2019 sui "Leoni futuristi".

Loredano Rizzotti

Milano:vecchie ringhiere

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. L'artista milanese Loredano Rizzotti ha il scelto nel 1982 di collocare il suo atelier a Milano nella la zona del Naviglio Grande, luogo di ispirazione profonda fin dalle prime sue espressioni pittoriche, con immagini suggestive di ringhiere e ballatoi, di cortili e scene di vita quotidiana che hanno caratterizzato a lungo il suo stile iniziale. In questo primo periodo è collocabile l'opera proposta. Mentre perviene ad un ampio riconoscimento a livello nazionale e internazionale, si evolvono e variano gli stili e i soggetti delle sue opere, che sono peraltro riconducibili ad alcuni filoni principali: dopo le ringhiere, i portoni, i libri, il viaggio, gli strumenti musicali. In cornice.

Giuseppe Ajmone

Movimento,1982

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presenti titolo e firma. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.

Max Marra

Composizione astratta con figure, 1985

Tecnica mista su cartone telato. Firmato Max Marra e datato '85 in basso a destra. Max Marra, nato a Paola (Cosenza), attualmente vive e lavora a Lissone (Monza). Artista multidisciplinare, dagli anni '80 indirizza la propria ricerca verso l'integrazione del disegno, della pittura e scultura utilizzando materiali di forte valenza comunicativa che si coniugano al linguaggio artistico delle avanguardie storiche. Numerose le sue presenze in rassegne nazionali e internazionali, così come numerose la mostre personali presso istituzioni pubbliche e gallerie private in Italia ed all'estero. L'opera è presentata in cornice.

Otto Gutfreund,scultura in argilla

Busto femminile

Scultura in argilla. Firmata in basso al retro. Otto Gutfreund fu scultore ceco-cecoslovacco che, dopo aver studiato arte a Praga e Parigi, divenne famoso negli anni '10 per le sue sculture in stile cubista. Dopo aver prestato servizio attivo nella prima guerra mondiale, passò ad uno stile più realistico,seguendo la fase di "ritorno all'ordine" del dopoguerra, che caratterizzò anche le arti. La sua produzione scultorea, prevalentemente in bronzo, si avvalse però anche dell'uso della creta e della ceramica.

Opera di Ugo Carrega

Vaga nel pensiero...,1990

Incisione e smalto su tavola. Firma e data al retro. Artista e poeta originario di Genova ma attivo soprattutto a Milano, Carrega è stato uno dei principali esponenti della poesia visiva, sebbene egli prediligesse il termine di "Nuova Scrittura", ovvero una scrittura sperimentale che associa segni di estrazione diversi. Fonda inoltre nel 1965 la rivista "Tool: quaderni di scrittura simbiotica",ovvero una forma di poesia sperimentale in cui agiscono in modo paritetico segni di diversa natura, verbali e grafici L'opera proposta è un esempio di tale concezione dell'arte..

Piccola scultura firmata Cantoni (1946)

Scultura in bronzo raffigurante busto di figura maschile su base in legno patinato color nero. Bronzo in parte dorato. Ed. 117/120. Firma dell'autore incussa.

Piccola scultura firmata Cantoni

Scultura in bronzo raffigurante busto femminile su base in legno patinato color nero. Ed. 110/120. Firma dell'artista incussa.

Disegno di Vladimir Velickovic

Senza titolo

China su carta applicata a pannello di faesite.. Firmato e datato 30 /3/1965 in basso a sinistra. Bozzetti di teste e corpi umani deformati. Nato a Belgrado (ex Yugoslavia) e laureatosi in Architettura nella sua città, passa presto alla pittura affermandosi al punto da diventare il rapresentante della Yugoslavia alla Biennale id Venezia del 1972. Testimone nella sua infanzia delle atrocità commesse dai nazisti nel suo paese, la sua pittura esprime il dolore e la violenza di questi ricordi. dipingendo uomini o animali (soprattutto topi o cani) i cui corpi sono confrontati a situazioni drammatiche e terrorizzanti, tentando di "lasciare innanzittutto una cicatrice" nella memoria dell'osservatore del suo quadro.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu,2009

Tecnica mista su cartone. Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone, sovrastati da segno di bruciatura dipinto. Pezzo unico, firmato e datato in basso a destra. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è presentata in cornice.

Bernard Aubertin

Dessin de Feu,2009

Tecnica mista su cartone. Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone, sovrastati da segno di bruciatura dipinto. Pezzo unico, firmato e datato in basso a destra. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è presentata in cornice.

Arazzo di Pablo Echaurren

Senza titolo

Arazzo. Firmato in basso a destra. Pittore ,fumettista e scrittore italiano, nato a Roma ma figlio d'arte del pittore surrealista cileno Roberto Matta, Pablo Echaurren dà vita ad una ampia produzione sviluppata all'insegna della contaminazione fra generi, fra arte e arti applicate, secondo un approccio progettuale, manuale e mentale, tipico del laboratorio, secondo la concezione che un artista è di fatto un inventore a tutto campo. Si sperimenta perciò nella pittura, ceramica, illustrazione, fumetto, scrittura, video. L'opera proposta, pur senza titolo, propone un soggetto naturalistico, delle farfalle in volo, viste in uno stile da illustrazione. L'opera è presentata in cornice nera guilloché.

Bernard Aubertin

Dessin de feu,1974

Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone metallo. Al retro è presente etichetta di Galleria Centro di Brescia con i dati dell'opera e la firma dell'artista. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di Autentica rilasciata dall'Archivio opere Bernard Aubertin, con N. Archiviazione DFEA47-1000237523.

Bernard Aubertin

Alvéoles,1990

Cartone dipinto su tavola. Il cartone, dipinto di rosso, è lavorato a evocare le celle di un alveare; è applicato su una tavola dipinta di nero. Al retro presenti firma, titolo e data dell'opera. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di autentica rilasciata dall'Archivio opere Benard Aubertin, N. Archiviazione MAR09-1000230523

Scultura di François Thevenin e Sido

Formazione arborea,1973

Scultura in metalli ritagliati, forgiati e saldati. Firma e data in basso a sinistra. François Thevenin è stato artista eclettico e poliedrico, che si è espresso come architetto, designer e poeta, ma soprattutto come scultore, attraverso l' utilizzo del materiale da lui privilegiato, il bronzo. Nelle sue sculture in bronzo si fondono la genialità tecnica e l'ispirazione poetica. Ha lavorato molti anni in coppia con la moglie, Gisèle Sidoti, in arte Sido.