Serigrafia di Giuseppe Migneco

Senza titolo

Serigrafia su tela. Firmata in basso a sinistra. Al retro è presente il numero di serie 114/200. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. Le sue opere girano il mondo. Assolutamente conforme alla sua produzione più nota questa serigrafia, che si inserisce nella serie di figure di pescatori, ampiamente riproposta dal Migneco in tante variazioni. In questo caso, è un pescatore a riposo, che propone alla sua compagna il frutto del suo lavoro. La serigrafia presenta tracce di un lievissimo strappo, individuabile solo dalla riparazione al retro.

Serigrafia di Luca Alinari

Biliardo 1990

Serigrafia su carta. Firmata in basso a destra; numero di serie 57/125 in basso a sinistra. L'artista fiorentino Luca Alinari ha sviluppato la sua produzione artistica, sia pittorica che grafica, su una serrata ricerca del libero accostamento di oggetti e figure all'interno di atmosfere fantastiche e sospese, sulla suggestione delle ricerche Neodada e della Pop Art. Sperimentò diverse tecniche pittoriche, nelle quali coniugava colori fluorescenti, decalcomania, collage, trasposizioni fotografiche. Ha esposto in tutta Italia e nel mondo. L'opera è presentata in cornice.

Xavier Bueno

Ragazze

Olio su cartone telato. Firmato in basso a sinistra. Dopo l'infanzia trascorsa tra la Spagna, suo paese natale, Ginevra e Parigi, nel 1940 Xavier Bueno si trasferì in Italia, a Fiesole, ove aderì con il fratello Antonio, Pietro Annigoni e Gregorio Sciltian. al gruppo dei "Pittori Moderni della Realtà", il cui manifesto proponeva un'osservazione “oggettiva” del vero, della natura e la sua riproduzione il più possibile fedele. L'esperienza della guerra civile spagnola prima e di quella italiana poi, indirizzò sempre più l'artista verso un realismo legato a motivi di forte contenuto sociale. Il 1953 rappresentò una svolta importante per la carriera di Xavier: fu l'anno dell'esplicita adesione alle poetiche del realismo socialista, adesione che giunse dopo un itinerario personale che lo vide praticare pittura “impegnata” fin dall'anteguerra, con netto anticipo sull'arte di sinistra italiana. Altra tappa fondamentale nella carriera di Xavier fu il viaggio in Brasile del 1954: l'artista tornò da questa esperienza pieno di entusiasmo e con una serie di chine i cui principali protagonisti sono bambini, ragazzi, braccianti. Da questo momento la tematica dell'infanzia divenne sempre più ricorrente, un po' per volta i personaggi vennero raffigurati immobili, in una sorta di nebbia irreale, priva persino di profondità, di rigore prospettico, nella quale essi emergono come evocati. A tale produzione appartiene l'opera qui presentata. Tra il 1959 e il 1964 Xavier creò il ciclo dei "Bambini", immagini sofferenti e malinconiche opere simboliche di un'umanità avvilita ed oppressa, che l'artista presentò alla rassegna "España libre". Anche la sua tecnica subì un'evoluzione, che lo portò a ricercare un ispessimento della materia, addensata dall'aggiunta della sabbia alla vernice; il ricorso al collage, già da lui sperimentato nelle nature morte, divenne cospicuo anche in ambito figurativo-ritrattistico. La materia dei suo quadri divenne tale da arrivare a definirli “affresco su tela”. Opera presentata in cornice.

Luigi Rocca

Harley-Davidson 1988

Acrilico su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma ad autentica, il titolo (la sigla HD), con data e sede di realizzazione (Torino). Presenta inoltre il cartiglio e i timbri di Galleria d'are di Portofino. Originario di Udine, ma trasferitosi precocemente a Torino ove completa i suoi studi, Luigi Rocca comincia a farsi conoscere a livello studentesco ancora sedicenne, con mostre cittadine e regionali, privilegiando il soggetto figurativo ma affascinato anche dal paesaggio. Seguace dell'Iperrealismo, che mira ad una rappresentazione della realtà oggettiva, e affascinato dall'America, dedica a questo paese una gran parte della sua produzione, raffigurando con stile e resa quasi fotografici, scorci delle grandi città, in particolare di New York, dalle grandi arterie ai piccoli angoli dei quartieri "stranieri". Peculiari anche i suoi "ritratti" di auto e moto di lusso, che l'artista raffigura con un realismo crudo e che non lascia nulla alla sua partecipazione emotiva: come nell'opera proposta, egli fa un' indagine approfondita della qualità dei materiali e degli effetti luminosi, registrando anche tutti i riflessi evocati dalla luce incidente sulla carrozzeria. Nel 1998 partecipa all'Art Expo di New York; è presente in numerose mostre e d esposizioni internazionali e italiane. Dal 1996 Rocca è tornato a vivere a Venezia, ed espone le sue opere presso la sua galleria di riferimento, Melori & Rosenberg, in Campo del Ghetto Nuovo. Da ottobre 2007 le sue opere – originali e riproduzioni su tela – si trovano in permanenza anche a New York presso le Arnot Galleries, 57th Street. Opere presentata in cornice.

Maurizio Bottarelli

Senza titolo1973

Acrilico su tela. Firma, data 1973, tecnica e luogo d'esecuzione (Bologna) al retro. Presente inoltre parziale etichetta di Associazione culturale d'arte di Milano. Nato a Fidenza (Parma) e formatosi artisticamente all'Accademia di Belle Arti di Bologna, Maurizio Bottarelli ha molto viaggiato all'estero (Londra, Stati Uniti, Austria, Australia,..) , cercando ispirazione alle sue opere nei luoghi da lui visitati. Il suo linguaggio si contraddistingue per l'incessante dialogo, che attraversa tutta la sua produzione, tra i due elementi protagonisti delle tele, la materia e il colore, giocato sulla sperimentazione, la ricerca, la stratificazione della materia – pigmenti, carta, colla, vernice, solvente – rese possibili da un'eccezionale abilità tecnica. I suoi paesaggi, ispirati inizialmente dai suoi viaggi, si proiettano poco a poco verso una sempre maggior astrazione, arrivando a prescindere da qualsiasi riferimento a luoghi reali. Così come i suoi ritratti di figure umane (le "teste"), sono piuttosto rappresentazioni che si potrebbero definire universali dell'uomo e della condizione umana, di cui indagano nei volti segnati, sofferenti, contratti in una smorfia forse di paura o dolore, una vera e propria “topografia della sofferenza” . Tutta la sua produzione viene presentata in più di cento mostre personali in Italia ed all'estero; partecipa a tutte le più importanti rassegne collettive e tematiche che documentano l'arte contemporanea in Italia dagli anni sessanta ad oggi.

Emanuele Pavarotti

Irradiance 2004

Tecnica mista su tela. Al retro la firma, la data e il titolo. Emanuele Pavarotti, formatosi all'Accademia di Brera di Milano, è artista che si esprime attraverso le più moderne tecniche figurative: in particolare si è affermato nel campo dell'animazione, approdando ai Blu sky studios, gli studio cinematografici americani specializzati nella realizzazione di film d'animazione e in grafica computerizzata: sono di Pavarotti bozzetti, acquerelli e soggetti dell'"era glaciale 5".

Edouard Pignon

"La plage", 1981

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro ulteriore firma e data, sul telaio il titolo; presente inoltre timbro di provenienza con firma di autentica della Galleria "La Barcaccia" di Roma. Figlio di minatori, a Parigi dal 1927, lavorò come muratore, operaio, litografo, frequentando corsi serali e l'Associazione degli artisti e scrittori rivoluzionari; nel 1936 conobbe Picasso, al quale fu legato da profonda amicizia. Impegnato nella Resistenza, nel 1944 partecipò al Salon de la libération. Tutte le sue opere, da quelle degli anni Trenta, dai colori vivaci e volumi saldamente costruiti, a quelle dopo il 1948, più fluide nella pennellata ma cariche sempre di violenza espressiva, costante rimane il contatto con la realtà oggettiva, tradotta in forme, spazi e movimenti mai descrittivi. Accanto ai soggetti d'ispirazione sociale ha elaborato (anche in ceramica) varie serie tematiche: Ulivi, Combattimento di galli, Teste di guerrieri, Mietitori e Nudi. L'opera proposta appartiene alla serie delle "spiagge". In cornice. E' corredata di autentica su foto.

Giuseppe Ajmone

Movimento,1982

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presenti titolo e firma. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.

Giuseppe Ajmone

Nudo,1964

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra; titolo e ulteriore data al retro. Giuseppe Ajmone, artista della Valsesia formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, è stato uno dei firmatari del Manifesto del Realismo del 1946. Oltre alle nature morte e ai paesaggi, dominanti nel suo primo periodo artistico, Ajmone si interessa al filone dei nudi che caratterizzeranno gran parte della sua produzione pittorica realizzata dalla metà degli anni Sessanta ad oggi. In cornice.

Otto Gutfreund scultura in argilla

Busto femminile

Scultura in argilla. Firmata in basso al retro. Otto Gutfreund fu scultore ceco-cecoslovacco che, dopo aver studiato arte a Praga e Parigi, divenne famoso negli anni '10 per le sue sculture in stile cubista. Dopo aver prestato servizio attivo nella prima guerra mondiale, passò ad uno stile più realistico,seguendo la fase di "ritorno all'ordine" del dopoguerra, che caratterizzò anche le arti. La sua produzione scultorea, prevalentemente in bronzo, si avvalse però anche dell'uso della creta e della ceramica.

Opera di Ugo Carrega

Vaga nel pensiero...,1990

Incisione e smalto su tavola. Firma e data al retro. Artista e poeta originario di Genova ma attivo soprattutto a Milano, Carrega è stato uno dei principali esponenti della poesia visiva, sebbene egli prediligesse il termine di "Nuova Scrittura", ovvero una scrittura sperimentale che associa segni di estrazione diversi. Fonda inoltre nel 1965 la rivista "Tool: quaderni di scrittura simbiotica",ovvero una forma di poesia sperimentale in cui agiscono in modo paritetico segni di diversa natura, verbali e grafici L'opera proposta è un esempio di tale concezione dell'arte..

Disegno di Vladimir Velickovic

Senza titolo

China su carta applicata a pannello di faesite.. Firmato e datato 30 /3/1965 in basso a sinistra. Bozzetti di teste e corpi umani deformati. Nato a Belgrado (ex Yugoslavia) e laureatosi in Architettura nella sua città, passa presto alla pittura affermandosi al punto da diventare il rapresentante della Yugoslavia alla Biennale id Venezia del 1972. Testimone nella sua infanzia delle atrocità commesse dai nazisti nel suo paese, la sua pittura esprime il dolore e la violenza di questi ricordi. dipingendo uomini o animali (soprattutto topi o cani) i cui corpi sono confrontati a situazioni drammatiche e terrorizzanti, tentando di "lasciare innanzittutto una cicatrice" nella memoria dell'osservatore del suo quadro.

Bernard Aubertin

Dessin de feu, 1974

Applicazione di fiammiferi bruciati su cartone metallo. Al retro è presente etichetta di Galleria Centro di Brescia con i dati dell'opera e la firma dell'artista. Aubertin è considerato il " pittore monocromo", che focalizzò le sue ricerche artistiche sul colore rosso, inteso come fuoco, energia: a partire dal 1958 cominciò a realizzare le sue celebri tele monocrome rosse, i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animandole con svariati elementi, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d'Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Nella sua concezione metafisica della pittura, attraverso il rosso egli intese trasporre sulla tela l'energia dell'anima, l'essere spirituale. A partire dagli anni '60 Aubertin introdusse nel suo repertorio anche il fuoco, la manifestazione fisica del suo colore rosso. Produsse quindi molteplici composizioni astratte usando fiammiferi che, una volta accesi, creavano variazioni spontanee generate dalla natura della fiamma. Tra gli anni '80 e gli anni '90 la sua produzione artistica si volse alle performances in cui egli stesso dava alle fiamme pianoforti e automobili, mentre negli ultimi anni il colore rosso dei monocromi venne sostituito dal bianco, dal nero e dall'oro. L'opera è corredata di Autentica rilasciata dall'Archivio opere Bernard Aubertin, con N. Archiviazione DFEA47-1000237523.

Figura di Saverio Terruso

Terremotata

Tempera su carta. Sul retro è presente la firma dell'artista, con il titolo e una dedica. Saverio Terruso, pittore di temperamento essenzialmente mediterraneo, legato culturalmente ed emotivamente alla sua terra d'origine, la Sicilia, annovera tra la sua produzione un'ampia gamma di opere che vogliono trasmettere il fascino autentico di un mondo rurale che è ormai sul punto di scomparire definitivamente; in esse vengono rappresentati soprattutto personaggi rurali, quali i contadini con la coppola, al lavoro o in trattoria, o donne melanconiche rinchiuse nei loro scialli, curve sulle loro attività quotidiane in casa, oppure protagoniste di processioni. La sua pittura è caratterizzata da toni piuttosto drammatici, con forti tensioni deformanti e con colori molto accesi e spesso contrastanti. Il disegno proposto esprime notevole intensità drammatica, sia nei colori che nelle forme, con l'intento di richiamare l'emozione forte del tragico evento a cui rimanda. Presentato in cornice.

Disegno di Gianni Colombo

China su carta argento. Firmato in basso a destra. L'opera è corredata da autentica su foto (recto e verso) rilasciata dalla Commissione Artistica dell'Archivio Gianni Colombo (Autentica N. 1333), che colloca l'opera nella serie di opere grafiche "Senza titolo" eseguite dall'artista indicativamente intorno al 1970. Gianni Colombo nato a Milano e formatosi all'Accademia di Belle Arti di Brera, ha sperimentato sin da giovane materiali e linguaggi diversi, dalla ceramica alla grafica, dalla fotografia al cinema; nel 1959 è stato uno dei fondatori del Gruppo T le cui manifestazioni collettive e personali avevano un programma comune volto a recuperare temi delle avanguardie storiche (in particolare di futuristi, dadaisti e costruttivisti), rielaborati in funzione delle sperimentazioni e delle ricerche artistiche più recenti, con lo scopo di abolire ogni frontiera statica tra pittura, scultura e architettura. Dagli anni '60 si è cimentato con le sue prime opere cinetiche, nelle quali per superare la concezione tradizionale d'opera d'arte, ha sperimentato nuove strutture percettive attraverso giochi di luce, mediante plexiglass, proiezioni di luce su specchi posti in vibrazione, forme e movimenti virtuali apparenti, strutture a movimento, fino ad arrivare alla realizzazione degli ambienti abitabili, tra i quali il più noto è Spazio elastico, che rappresenta l'esito più alto della sua fase cinevisuale. L'opera proposta è presentata in cornice.

Fotopittura di Marco Nereo Rotelli

Senza titolo,1990

Vetro dipinto su foto. Firmato e datato al retro. Corredato di autentica su foto con timbro dell'atelier, firma dell'artista e data. Marco Nereo Rotelli è pittore e scultore veneziano che crea le sue opere coinvolgendo filosofi, musicisti, fotografi e soprattutto interagendo con la poesia che, con il tempo, è divenuta un riferimento costante per il suo lavoro, nel quale persegue prevalentemente una ricerca sulla luce e sulla dimensione poetica. Ha realizzato o partecipato alla realizzazione di grandi installazioni, sia in Italia che all'estero.