Francesco Mantovano

Ghirlanda di Fiori con Annuncio ai Pastori

Olio su tela. Di raffinata qualità e in ottimo stato di conservazione, il dipinto raffigura una ghirlanda di fiori variopinti che incornicia la scena evangelica dell'Annuncio ai pastori. L'opera è corredata dall'expertise del dr. Gianluca Bocchi, che la attribuisce alla produzione di Francesco Caldei, detto il Mantovano dalla sua città d'origine. Il Mantovano si formò artisticamente a Roma, ove rimase dal 1613 e il 1625, acquisendo una formazione da fiorante. La sua produzione difatti è costituita prevalentemente di vasi con fiori. Trasferitosi successivamente a Venezia, ove rimase sino alla morte, Il Mantovano importò nella città i canoni pittorici romani acquisiti, in particolare il guasto per le rappresentazioni botaniche, ma anche la tipologia della ghirlanda, che gli artisti romani avevano attinto dalla tradizione fiamminga . La produzione di ghirlande prevedeva l'inclusione di scene di figura, a soggetto mitologico o sacro, spesso prodotte in collaborazione con pittori di figura, a cui anche il Mantovano non disdegnò di ricorrere. La scena dell'Annuncio ai pastori di questo dipinto rimanda piuttosto fedelmente all'omonima opera realizzata da Jacopo da Bassano (1515-1592), la cui produzione di carattere bucolico ebbe tale successo da essere riproposta in numerose copie dai figli dello stesso artista e in numerose incisioni circolanti in tutta Europa, che consentirono a diversi altri artisti di ispirarsi ad esse, come probabilmente fece il Mantovano. Si può concludere quindi che l'opera qui presentata sia un dipinto di Francesco Mantovano realizzato a Venezia intorno al 1640-1650. Il dipinto è stato ritelato in antico. E' presentato in cornice del XVIII secolo riadattata e ridorata. Al retro riporta etichette che documentano l passaggio dell'opera sul mercato francese dell'800.

Comò Francese Restaurazione

XIX Secolo - 1800

Comò francese restaurazione, sul fronte presenta tre cassetti inquadrati tra due lesene che sorreggono la fascia sottopiano lievemente aggettante, nella quale è celato un altro cassetto. Impiallacciato in piuma di mogano, è ornato con applicazioni bronzee dorate al mercurio nelle bocchette, dalla caratteristica forma ad antemio, nelle basi e nei capitelli delle lesene, dove sono raffigurati due volti femminili. Gli interni sono in rovere, il piano in marmo fossile grigio è stato sostituito successivamente.

Vaso Sèvres

Neoclassico

Vaso biansato in porcellana; finemente decorato a tutto tondo a motivi vegetali e oro zecchino. Marchio della manifattura sotto la base.

Coppia di Applique Restaurazione

XIX Secolo - 1800

Coppa di applique in bronzo dorato, si agganciano alla parete per mezzo di un rosone in bronzo brunito decorato da due fregi fitomorfi con girali fiorite ed antemi, il rosone trattiene un cerchio in cui si legano i tre bracci porta lume. I bracci arricchiti da foglie che sostengono le corolle che fungono da bugie, terminano con una testa di Cigno. Tutta la superficie è finemente cesellata e dorata al mercurio ad esclusione del rosone brunito. Le candele, oggi elettrificate sono dotate di para lume in ottone traforato con stoffa. Piccoli restauri.

Grande Cornice Barocca

XVII Secolo - 1600

Grande cornice in legno di Tiglio traforato, intagliato e dorato. La cornice presenta un articolato susseguirsi di volute fogliacee legate nei centri dei quattro lati da cui si sviluppano incontrandosi negli spigoli. Doratura a guazzo.

Gruppo di Quattro Sedie da Musica

XIX Secolo - 1800

Sedie da concerto rette da balaustro centrale poggiante su tre gambe mosse con terminali torniti e sormontati da puntale. Sedute tonde e schienali a giorno sagomati con traversa e appoggio imbottito. Seduta e schienale in cuoio impresso e dorato con stemma Napoleonico raffigurante l'aquila coronata. Alcuni cuoi sono stati sostituiti nella fine dell'800 riproducendo lo stemma di appartenenza di cui resta la testimonianza originale su di uno.

Xavier Bueno

Ragazzo,1966

Olio su cartone telato. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma, data e titolo. Dopo l'infanzia trascorsa tra la Spagna, suo paese natale, Ginevra e Parigi, nel 1940 Xavier Bueno si trasferì in Italia, a Fiesole, ove aderì con il fratello Antonio, Pietro Annigoni e Gregorio Sciltian. al gruppo dei "Pittori Moderni della Realtà", il cui manifesto proponeva un'osservazione “oggettiva” del vero, della natura e la sua riproduzione il più possibile fedele. L'esperienza della guerra civile spagnola prima e di quella italiana poi, indirizzò sempre più l'artista verso un realismo legato a motivi di forte contenuto sociale. Il 1953 rappresentò una svolta importante per la carriera di Xavier: fu l'anno dell'esplicita adesione alle poetiche del realismo socialista, adesione che giunse dopo un itinerario personale che lo vide praticare pittura “impegnata” fin dall'anteguerra, con netto anticipo sull'arte di sinistra italiana. Altra tappa fondamentale nella carriera di Xavier fu il viaggio in Brasile del 1954: l'artista tornò da questa esperienza pieno di entusiasmo e con una serie di chine i cui principali protagonisti sono bambini, ragazzi, braccianti. Da questo momento la tematica dell'infanzia divenne sempre più ricorrente, un po' per volta i personaggi vennero raffigurati immobili, in una sorta di nebbia irreale, priva persino di profondità, di rigore prospettico, nella quale essi emergono come evocati. A tale produzione appartiene l'opera qui presentata. Tra il 1959 e il 1964 Xavier creò il ciclo dei "Bambini", immagini sofferenti e malinconiche opere simboliche di un'umanità avvilita ed oppressa, che l'artista presentò alla rassegna "España libre". Anche la sua tecnica subì un'evoluzione, che lo portò a ricercare un ispessimento della materia, addensata dall'aggiunta della sabbia alla vernice; il ricorso al collage, già da lui sperimentato nelle nature morte, divenne cospicuo anche in ambito figurativo-ritrattistico. La materia dei suo quadri divenne tale da arrivare a definirli “affresco su tela”. Opera presentata in cornice.

Camino Barocco Lombardo

XVIII Secolo - 1700, XVII Secolo - 1600

Camino barocco lombardo dal fronte mosso e con cornici mosse intagliate; in marmo grigio antico.

Vassoio in Legno Laccato

XVIII Secolo - 1700

Grande vassoio in legno laccato su fondo rosso con decorazioni in oro e inserti in madreperla. Le pitture fanno riferimento a dignitari cinesi.

Sideboard Anni 60

Sideboard con ante battenti e ribalta, cassetti a vista. legno impiallacciato teak, particolari maniglie e gambe in alluminio.

Orologio da Appoggio

XIX Secolo - 1800

Orologio da tavolo in bronzo dorato con inserti in porcellana finemente dipinta con putti alati dentro riserve e composizioni di fiori. Ampia base in bronzo dorato e cesellato con decori a rilievo a motivi vegetali e al centro panoplia con strumenti musicali. L'orologio è sormontato da due amorini che giocano con farfalle. Mostra in metallo smaltato con ore a numeri romani e minuti a numeri arabi con al centro la firma Bollotte ft de bronzes, rue Vivienne 33. Meccanismo marcato Japy Fils medailles d'argent 1844-1849.

Coppa in Argento

Coppa in argento cesellato con applicazioni finemente traforate. Anse antropomorfe e presa del coperchio a foggia di putto su tritone. L'interno della coppa e del coperchio sono in argento vermeil. Sotto la base marchio incusso. Gr. 1130. Il termine francese vermeil indica una varietà di argento dorato. Le caratteristiche richieste per questo materiale sono una base di argento sterling, rivestita da una placcatura in oro ad almeno 10 carati e dello spessore di almeno 1 micron e mezzo. È però comune l'utilizzo di oro a 14 carati, con spessori superiori. L'affinità chimica fra argento ed oro conferisce alla placcatura buone doti di resistenza. Attualmente la placcatura è ottenuta per elettrolisi. Originariamente, quando questa lavorazione venne introdotta in Francia, alla metà del Settecento, veniva effettuata una doratura a fuoco. La placcatura consente di evitare i problemi legati all'ossidazione dell'argento, Il vermeil essendo più costoso dell'argento è un materiale usato per realizzare oggetti di pregio (monili, medaglie, penne stilografiche, posate, servizi da toletta, orologi, rinfrescatoi, tabacchiere, nécessaires da viaggio, cc.). Il suo costo infatti è intermedio fra quello dei due elementi che lo costituiscono.

Coppia di Leoni Sculture in Marmo

Coppia di leoni accovacciati in marmo di Carrara finemente scolpiti. Supporto in legno patinato effetto marmo non coevo.

Mobile Willy Rizzo

Mobile Buffet con ante battenti ai lati, ribalta centrale, cassetti a vista, legno laccato, profili e maniglie in allumino cromato.

Coppia di Colonne Porta Vaso Chinoiserie

XIX Secolo - 1800

Coppia di colonne porta vaso in legno, interamente laccate a chinoiserie. Dalla forma sagomata, la base presenta un alto plinto dipinto con riserve a scacchi rossi e neri. Sui quattro montanti sono presenti piccole formelle dal profilo movimentato, all'interno decorate con motivi floreali di gusto orientale. Sulle quattro facce principali sono presenti riserve dalle dimensioni maggiori, quelle centrali sono dipinte con scene orientali: piante esotiche con uccelli variopinti, paesaggi con pagode, abitati da aristocratici e portantine trasportate da servitori. Nella parte superiore si trova un pianetto sagomato ed ebanizzato.

Giovanni Beltrami

Madonna con Bambino

Olio su tavola. Al centro, sul bordo dell' abito rosso, è presente la dicitura in carattere antico "G.Beltrami fecit". Bella composizione in stile neorinascimentale, l'opera è riconducibile all'artista Giovanni Beltrami che, sulla scia della corrente in voga nel XIX secolo che riproponeva gli stili artistici del XV-XVI secolo, si cimentò in questa tavola a soggetto sacro. Pittore, illustratore e critico d'arte milanese, nonchè amante della pittura su vetro e del mosaico, Il Beltrami crebbe nella Milano della Scapigliatura, cercando con il suo stile una mediazione fra le tendenze moderne e la tradizione. Nell'ambito pittorico si affermò soprattutto come paesaggista, ma fu sempre considerato artista di grande e vario talento, che annovera nel suo repertorio numerose opere a soggetto sacro, soprattutto come decoratore di interni e chiese. Il dipinto è presentato in bella cornice coeva, a cappelletta, dorata e con decoro superiore.

Giovanni Baglione, attribuito a

Erodiade riceve la testa del Battista

Olio su tela. Ispirato ai racconti evangelici della vita di Giovanni Battista, la scena raffigura la regina Erodiade che riceve su un piatto la testa del predicatore, che la figlia Salomé aveva richiesto ad Erode in cambio della sua danza. Erodiade è qui raffigurata in tutta la sua regalità, con la corona e lo scettro, rivestita di abiti e gioielli, ma con un'espressione scostante e indifferente, quasi annoiata, anche davanti al macabro spettacolo, mentre compie il gesto di allontanare sdegnosamente da sè il trofeo che un servitore le sta porgendo su un vassoio. L'opera, già passata in asta da Dorotheum nel 2008, è stata pubblicata e ben descritta nel testo "Studi di storia dell'arte in onore di Fabrizio Lemme", pubblicato nel 2017, nel capitolo ad opera di Michele Nicolaci (storico dell'arte esperto della pittura del Seicento), che la presenta come un dipinto inedito di Giovanni Baglione. Questi fu artista e scrittore romano, conosciuto soprattutto per aver scritto "Le vite de' pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a' tempi di Papa Urbano Ottavo" nel 1642, prima raccolta edita di biografie d'artista nella Roma del secolo XVII. Di notevole importanza anche il suo scritto "Le nove chiese di Roma", edito nel 1639. La sua attività pittorica si svolse tra Roma e Napoli; inizialmente di stampo tardo manierista, conosciuto il Caravaggio, si adeguò al suo stile arrivando fin quasi all'imitazione, tanto da suscitare lo sdegno del Merisi e la sua derisione, nonchè la scarsa considerazione dei colleghi romani; isolato e insultato, il Baglione tornò quindi ad un suo stile personale, ma seppe comunque conseguire un buon successo presso l'alta società romana, grazie anche alla capacità di entrare nelle grazie dei potenti e di reinventarsi quale letterato della corte dei Barberini. La sua svolta stilistica con il ritorno ad una impostazione manierista avvenne intorno al 1630 e si definì in una produzione caratterizzata da forzature compositive e da personaggi quasi caricaturali. Si può collocare in questo periodo anche questa Erodiade: seppur nella maniera ridondante ed eccessiva, quasi ironica, di raffigurare il personaggio, quest'opera non manca di eleganza, nella posa teatrale della donna, ma anche del servitore, nell'abile gioco dei contrasti cromatici (nella veste della regina, ma anche nelle differenze tra gli incarnati), nella sovrabbondanza delle vesti e dei gioielli. La tela è stata restaurata e ritelata. E' presentata in cornice dorata di fine '800. Pubblicazione allegata al dipinto.

Scatola in Legno Intagliato

XIX Secolo - 1800

Scatola in legno di ciliegio finemente intagliata a forma di urna ottagonale. Otto piedini a foggia ferina sostengono la scatola e sono la base di otto cariatidi che decorano gli spigoli. Nelle riserve intagli con Venere e putti, stemmi, motivi vegetali e animali. Cappello ad urna con decorazioni vegetali che si alternano con riserve a squame.

Coppia di Candelabri Napoleone III

XIX Secolo - 1800

Coppia di candelabri in bronzo dorato a tre luci. Bracci sostenuti da putto in bronzo a patina scura poggiante su sfera e plinto a forma di vaso decorato da elementi fogliacei, base quadrangolare. Doratura a mercurio. Marchio sotto bicchiere incusso "H. D.".

Camillo Procaccini, ambito di

Adorazione dei Pastori

Olio su tela. La scena dell'adorazione si sviluppa intorno alla centralità della Sacra Famiglia, verso la quale convergono diversi pastori e pastorelle, con flauti, pecore, cani; tra essi anche, in alto a sinistra, un'altra famiglia che giunge a dorso d'asino, quasi un'anticipazione della fuga in Egitto; in alto a destra si intravvede, all'esterno dell'edificio, un angelo che annuncia la nascita ad altri pastori. L' opera, di bella qualità, è identica nel soggetto al dipinto conservato presso i Musei Civici di Pavia, donato alla città nel 1838 dal legato Malaspina e anch'esso riferito all'ambito di Camillo Procaccini. Il nostro e' pressochè identico anche nelle dimensioni al gemello di Pavia, se non per pochi centimetri in più imputabili all'aumento della dimensione del telaio in fase di restauro, che ha comportato la necessità di uno "stiramento" della tela su di esso lungo il bordo, come si evidenzia da una analisi dei bordi. Questa analogia di soggetto e di dimensioni, oltre che la medesima collocazione temporale, depongono a favore dell'appartenenza dei due dipinti alla stessa bottega. Entrambi rimandano peraltro alla "Adorazione dei pastori" di sicura autografia di Camillo Procaccini, tra le più vivide della sua produzione, conservata nella chiesa di Sant'Alessandria in Zebedia a Milano, che pur con un'evidente differenza nello svolgimento più verticale e nella disposizione delle figure, presenta la stessa impostazione scenica e la stessa modalità di realizzazione delle altre due tele gemelle. Balza all'occhio soprattutto l'uguaglianza compositiva del gruppo centrale della Sacra Famiglia, così come la medesima identità di alcuni personaggi, quali il pastorello con il cane nell'angolo in basso a sinistra, ma anche il volto di un suonatore di flauto, quello in secondo piano a destra nelle due opere gemelle con quello quasi nascosto a sinistra nell'opera di S. Alessandro. Nell'opera qui proposta come nella gemella di Pavia, l'evidente realismo della scena che dettaglia i ruoli dei personaggi, la plasticità intensa di ogni figura, mai statica anche quando è ferma e intrecciata alle altre in un gioco di sovrapposizioni e contrasti di colore, le scene di sfondo a scopo didascalico, ben si collocano nell'adesione del Procaccini al programma di Controriforma promosso dal Cardinal Borromeo a Milano, ove l'artista parmense visse e lavorò a lungo. Il dipinto è stato precedentemente restaurato e ritelato.