Erté, Romain de Tirtoff

Grupo de quatro desenhos

Guaches sobre papel. Assinado para a frente. Cada desenho vai para a parte de trás é o selo de Erté, o nome da série a que pertencem, com o título e a data de realização, que acontece entre 1953 e 1954. Três deles pertencem à série "Les nouvelles", e, em particular, a "La nouvelle Calédonie": "Danseurs",Nº 12421; "Deuxième manequim",Nº 12418; "Manequim" Nº 12603. Quarto de design dispõe o N.º 12374 e apenas o título "Le corbeau volant imiter l'aigle" (O corvo que voa, imitando a águia). Ele é sofisticado e eficaz modelos de desenhos realizados pelo artista russo-nascido francês Romain de Tirtoff (pseudônimo de Erté derivada das iniciais de seu nome). Ele era um desenhista e designer, trabalhou para o alfaiate para paris Poiret, colaborou na revista Harper Bazaar, foi o autor de cortinas,cenários e figurinos para comédias musicais na França e nos Estados Unidos, e para o filme. Ele é considerado um dos maiores representantes da Arte Deco. As quatro obras são apresentadas em um quadro com vidro na frente e a de trás.

Alegoria de Pietro Bardellino

Alegórica cena com putti e flores,c.1780

Óleo sobre tela. Na cena, uma forma oval, e claramente concebido como sovraporta, algumas crianças gordinha brincando com crianças. A obra é atribuída a Pietro Bardellino, o pintor napolitano, na produção de que são encontradas inúmeras cenas alegóricas, semelhante, assumindo a moda francesa - em particular no '700 é uma reminiscência das invenções de François Boucher - usar o tema da infância, para encarnar alegorias da renascença e do barroco. O Bardellino foi particularmente ativo na decoração de interiores de residências de nobres napolitana, e, na verdade, existem várias obras atribuídas a ele que tinha uma função, muitas vezes, de sovraporta. O significado alegórico deles, no entanto, é, sem dúvida, e talvez intencionalmente suscetível de interpretações diferentes, dependendo do cliente e da utilização em casa. Na cena alguns dos querubins, usando chapéus, palas para o sol, brincando com as flores que o excesso de panelas grandes sobre os seus ombros. As flores são usadas principalmente como uma alegoria do sentido do olfato. Para apreciar a beleza da representação, leve e brilhante, onde stand de Bardellino, pesquisa de cores é tão ligeira como para alcançar os efeitos de cor lápis de cera, a drástica redução dos contrastes de claro-escuro, a precisão na desbotamento contornos das figuras. A pintura, restaurado e ritelato, é apresentado no quadro dos napolitanos contemporânea (o último quartel do século XVIII) , decorados com rocaille. Em talha de madeira e tem um motivo floral na coroa, o que culmina em uma cornija com a shell. O quadro é envernizado, com peças esculpidas de ouro meca.

Alegoria de Pietro Bardellino

Alegórica cena com putti e cabras,1780 ca.

Óleo sobre tela. Na cena, uma forma oval, e claramente concebido como sovraporta, algumas crianças gordinha brincando com crianças. A obra é atribuída a Pietro Bardellino, o pintor napolitano, na produção de que são encontradas inúmeras cenas alegóricas, semelhante, assumindo a moda francesa - em particular no '700 é uma reminiscência das invenções de François Boucher - usar o tema da infância, para encarnar alegorias da renascença e do barroco. O Bardellino foi particularmente ativo na decoração de interiores de residências de nobres napolitana, e, na verdade, existem várias obras atribuídas a ele que tinha uma função, muitas vezes, de sovraporta. O significado alegórico deles, no entanto, é, sem dúvida, e talvez intencionalmente suscetível de interpretações diferentes, dependendo do cliente e da utilização em casa. A mesma cena é proposto aqui é frequentemente encontrada na produção de Bardellino, mesmo em um formato diferente, às vezes, descrito na série de alegorias dos sentidos, e, neste caso, seria mostrado o Toque, ou como uma alegoria dos elementos, e, portanto, seria da Terra. Em qualquer caso, agradecemos a simpatia da representação, leve e brilhante, onde stand de Bardellino, pesquisa de cores é tão ligeira como para alcançar os efeitos de cor lápis de cera, a drástica redução dos contrastes de claro-escuro, a precisão na desbotamento contornos das figuras. A pintura, restaurado e ritelato, é apresentado no quadro dos napolitanos contemporânea (o último quartel do século XVIII) , decorados com rocaille. Em talha de madeira e tem um motivo floral na coroa, o que culmina em uma cornija com a shell. O quadro é envernizado, com peças esculpidas de ouro meca.

O trabalho de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mista sobre tela. Armand Fernandez, na arte, Arman nasceu em Nice, em 1928. Ele é lembrado como um dos líderes mais importantes e influentes do movimento artístico "Nouveau Réalisme", a declinação do europeu, americano de Nova Dada. O Nouveau Réalisme desenvolvidos nos anos '60, na França, em torno da figura do crítico Pierre Restany. É uma forma de fazer arte, anti-convencional, que incorpora muitos aspectos da vanguarda do início do século, como, por exemplo, o relegamento de pintura e escultura técnicas de segunda ordem. Para contra é dado valor artístico para objetos comuns, da esfera da vida cotidiana, que são apresentadas nos funciona exatamente em sua objetividade, sem a ação decontestualizzante que caracteriza o ready-mades de Duchamp. O período do pós-guerra, caracterizado por mudanças radicais do ponto de vista social e econômico é representado pelo expoentes do Nouveau Réalisme em um provocante forma, e críticas através dos seus produtos: objetos em sobre-abundância, resíduos de produtos, resíduos estranho, e assim por diante. Cada artista recusa essa filosofia em pessoal e original; Arman é conhecida por suas acumulações o limite do obsessivo. A sua obra assume os movimentos das ruas, onde ele pega o que é jogado fora, esquecido. Objetos que não são utilizados, o que é considerado lixo torna-se o protagonista de suas "esculturas", induzindo o público a uma reflexão sobre as implicações da sociedade de consumo. A obra em questão é uma composição da irônico intitulado 10000 Cendrillons, por exemplo, 10000-dia cinderellas. Ele consiste de seis pares de designer de sapatos Prada corte na metade, montado sobre tela e coberta com tinta. O trabalho é conceitual e a sua interpretação está ligada à compreensão da filosofia do artista e o período histórico em que ele trabalhou. Representa uma visão pessoal e crítica, aliviado com o título de zombaria, do consumismo desenfreado. Arman do trabalho, a "profanação" de um objeto, o sapato da Prada, que é considerado um simulacro, no mundo da moda, um objeto de desejo. Demonstra, com seu trabalho, como na parte inferior, um sapato assinado, para que nós atribuímos o valor de um símbolo de status, nada mais é do que um sapato e um simples objeto que, como qualquer outra, vai tornar-se um desperdício. O trabalho vem do estúdio do artista, em Nova York, e é autenticado por e-mail a Fundação A. R. M. A. N. retorna o número do arquivo. A Fundação A. R. M. UM. atualmente, é a única instituição autorizada a emitir certificação para as obras de Arman. Em anexo, é também uma fotografia da obra assinada pelo artista, indicando o número do arquivo, título, tamanho e técnica. No verso da fotografia é o selo da Galeria de Dante Vecchiato, que no início dos anos 2000 tem sido o ponto de referência para a distribuição de trabalhos por Arman, na Itália.

Arnaldo Soldini, um Vislumbre do país

Óleo sobre cartão. Assinado no canto inferior direito. A pintura, retratando casas e vila vistas do alto, com o plano de fundo de montanhas cobertas de neve e nuvens, pertence à produção paisagem típica e exclusiva do importante autor brescia, que ele retratou sempre nos lugares nativo para ele querido e familiar. Uma etiqueta na parte de trás da aquisição da Galeria, o Sino de Brescia, em 1978, desde então, tem sido de uma coleção particular. Apresentado em um bonito e contemporâneo com moldura.

Sem título por Arman

Jeté

Técnica mista sobre tela. Armand Fernandez, na arte, Arman nasceu em Nice, em 1928. Ele é lembrado como um dos líderes mais importantes e influentes do movimento artístico "Nouveau Réalisme", a declinação do europeu, americano de Nova Dada. O Nouveau Réalisme desenvolvidos nos anos '60, na França, em torno da figura do crítico Pierre Restany. É uma forma de fazer arte, anti-convencional, que incorpora muitos aspectos da vanguarda do início do século, como, por exemplo, o relegamento de pintura e escultura técnicas de segunda ordem. Para contra é dado valor artístico para objetos comuns, da esfera da vida cotidiana, que são apresentadas nos funciona exatamente em sua objetividade, sem a ação decontestualizzante que caracteriza o ready-mades de Duchamp. O período do pós-guerra, caracterizado por mudanças radicais do ponto de vista social e econômico é representado pelo expoentes do Nouveau Réalisme em um provocante forma, e críticas através dos seus produtos: objetos em sobre-abundância, resíduos de produtos, resíduos estranho, e assim por diante. Cada artista recusa essa filosofia em pessoal e original; Arman é conhecida por suas acumulações o limite do obsessivo. A sua obra assume os movimentos das ruas, onde ele pega o que é jogado fora, esquecido. Objetos que não são utilizados, o que é considerado lixo torna-se o protagonista de suas "esculturas", induzindo o público a uma reflexão sobre as implicações da sociedade de consumo. O trabalho em questão consiste de um violino corte é montado em uma tela colocada na tabela, com traços de cores misturadas. O título é Jeté, em italiano, "Jogado", a referência ao mundo dos resíduos é direta e imediata. Parte da série "Colères," operações "dissemblage", isto é, a destruição dos instrumentos musicais da tradição burguesa: violinos, violoncelos, trompetes, e pianos que são desmembrado, queimado, ou dissecados. Este ciclo de obras revela o impulso destrutivo. O gesto é importante, central na filosofia do Nouveau Réalisme. Como ele disse a mesma Arman "Creio que, na ação de destruição, há um desejo de parar o tempo, para suspender os eventos colando-los juntos em poliéster..." O trabalho vem do estúdio do artista, em Nova York, e é autenticado por e-mail a Fundação A. R. M. A. N. retorna o número do arquivo. A Fundação A. R. M. A. N. é atualmente a única instituição autorizada a emitir certificação para as obras de Arman. Em anexo, é também uma fotografia da obra assinada pelo artista, indicando o número do arquivo, título, tamanho e técnica. No verso da fotografia é o selo da Galeria de Dante Vecchiato, que no início dos anos 2000 tem sido o ponto de referência para a distribuição de trabalhos por Arman, na Itália.

Adrien Manglard, uma Paisagem com uma cena de cavalaria

Paisagem com uma cena de cavalaria

Óleo sobre tela. Na pintura, destaca-se no primeiro plano de uma cena de cavalheirismo, provavelmente inspirado pela "Jerusalém entregue" de Tasso, que vê dois guerreiros adornada com uma armadura e uma plumed capacetes, escudos imbracciati e espadas elaborados, tanto ladeado por duas senhoras, que se enfrentam em um duelo pela posse de uma caixa de correio para o chão entre os dois contendores; assistir a disputa de um terceiro cavaleiro com um vermelho pendurado em cima de um cavalo com uma baía e um quarto no andar de volta, encostado a um duplo vara, também em pleno selo-de-guerra. A cena é definida em um desfiladeiro na montanha, com uma torre à direita, em face de marina com o mar na tempestade" e um "modo de exibição da costa," no plano de fundo. A pintura vai se encaixar com alívio significativo no catálogo de Adrien Manglard para a singularidade da cena, figurativa, combinado com o notórias qualidades da paisagem, expressa o último ao gosto da criatividade original e cumprimento perspectiva, o rendimento é de rochas das ondas e as ilhas distantes. A atribuição para Manglard pode ser confirmado através de comparações com várias de suas obras, como a definição, já que ele era um excelente pintor de "marinha", tanto na tempestade, e a serena atmosfera de calma. Para este efeito, você pode consultar a monografia de S. Maddalo (Adrien Manglard 1695-1760, Multigrafica editrice, Roma, 1982), com particular referência às figuras 34-39 e 41, com foco no "marine" de semelhante definição, incluindo o Ciclo do Palazzo Ducale, Colorno, as pinturas no Museu de Guéret, e no Palazzo Boncompagni Ludovisi, e o afresco do Palácio Chigi. Nessas pinturas, encontramos semelhante e, por vezes, quase os parâmetros correspondentes inventiva, com uma partida com o manto da pintura do objeto canvas. Deve-se salientar, em particular, a bela interpretação de que o céu tempestuoso e mar tempestuoso, atestando a observação cuidadosa dos fenômenos por Manglard. No entanto, a sua validade como um pintor da figura, é corroborada por um exame geral do currículo, incluindo, em particular, o "chamado dos primeiros apóstolos", que datam de 1731. Na pintura, há as iniciais ESTOU no cassete, representado na parte inferior central. O trabalho é acompanhado pela experiência de atribuição do prof. Giancarlo Sestieri. Restaurado e ritelata; é apresentada no quadro cheio de estilo.

Alessandro Papetti

Pier 12, 2014

Óleo sobre tela. Assinado e datado no canto inferior direito. Outra assinatura, data e título na parte de trás. Nascidos e formados em Milão,onde ele ainda funciona, Alessandro Papetti, iniciou desde a década de 80, e continua a apresentar em exposições e galerias em Itália e no estrangeiro, na Europa e nos Estados Unidos. Desde 1995, a sua atividade está ocorrendo entre Milão e Paris. A produção artística de Cantar ocorreu por temas: festa, com a série de Retratos dos anos '80 e '90, posteriormente, foi dedicado, no vigésimo primeiro século, e os Resultados (internas de fábrica) e de Arqueologia industrial, para o ciclo da Água e, em seguida, para Paisagens, para Interiores e para a série dos Estaleiros, à qual pertence o trabalho proposto. Portos, docas e gigantesco cascos, os corpos de navios, expressa no seu tamanho e na sua fragilidade, são apresentados por meio de pinceladas frenética e suave, às vezes material, e com a intenção de "sair" da realidade, de pé, em relação ao "recipiente" com um diferente perfil psicológico, para procurar uma dimensão da existência fugaz. O trabalho foi apresentado no quadro.

Grande Paisagem com cena de Caça

A caça ao javali

Óleo sobre tela. A cena, que está situado no sopé de uma montanha, nas margens de um rio, onde ela é a intenção de funcionar como um pescador com sua linha e está centrado na animada e rica grupo de figuras de caçadores, vestido em forma de cavaleiros, armados com espadas e lanças, e com a ajuda dos cães, dar o golpe final para o javali, agora ferido e morrendo. O formato grande destaques cliente importante, também sublinhada pelo emparelhamento de semelhante pintura. O estilo refere-se a pintura do oeste-norte da itália; pinturas de tamanho e de disciplinas, muitas vezes em pares, foram localizados difusamente na pequena castelos na lombardia e piemonte, por exemplo, no inventário de 1739 do castelo de Orio Canavese (ao norte de Turim) são descritos, no corredor central, "duas grandes pinturas bislonghi composições representativas de dois caças de um Veado, e o outro, o Javali sem frames", que pode ser encontrado, após as vendas subseqüentes, em outras existências. Restaurado e ritelato. Apresentado em um ambiente elegante.

Grande Paisagem com cena de Caça

A caça de veados

Óleo sobre tela. A cena, que é definido em uma arborizada do país, na architectural ruínas, está centrada na animada e rica grupo de figuras de caçadores, vestido em forma de cavaleiros, armados com espadas e lanças, e com a ajuda dos cães, dar o golpe final para o veado agora está ferido e agonizante. O formato grande destaques cliente importante, também sublinhada pelo emparelhamento de semelhante pintura. O estilo refere-se a pintura do oeste-norte da itália; pinturas de tamanho e de disciplinas, muitas vezes em pares, foram localizados difusamente na pequena castelos na lombardia e piemonte, por exemplo, no inventário de 1739 do castelo de Orio Canavese (ao norte de Turim) são descritos, no corredor central, "duas grandes pinturas bislonghi composições representativas de dois caças de um Veado, e o outro, o Javali sem frames", que pode ser encontrado, após as vendas subseqüentes, em outras existências. Restaurado e ritelato. Apresentado em um ambiente elegante.

Cena mitológica de Giovanni Battista Recchi

Danae e a chuva de ouro

Óleo sobre tela. Neste maravilhoso representação, o cliente certamente privada e secular, o pintor é confrontado com o tema de Danae, o tema da mitologia grega, amado e praticado pelos pintores do calibre de Ticiano, Correggio, Orazio e Artemisia Gentileschi, de Rembrandt, e outros, até Klimt. O mito diz que Zeus fez o mortal Danae através de uma chuva de ouro; a partir desta união nasceu o semideus Perseus. Nossa pintura a chuva de ouro se transforma em moedas de ouro, cada detectável com uma cunhagem do período. Em uma das moedas que caem do céu não é aposta a assinatura do artista, uma coisa rara para uma pintura antiga, o que torna possível atribuir com certeza a pintura, e que testemunha a importância que o trabalho tinha no momento para o autor e que ele possui atualmente para o estudo da Lombard pintura do século Xvii. No fundo você pegar um vislumbre de uma cidade que oferece vistas para um lago, com toda probabilidade, uma representação da era da cidade de Como, o local de nascimento de Recchi. É plausível que o cliente particular da pintura tinha a ver com o câmbio da data da precisão com que eles descreveram a morrer eixo ou moeda de rotação das moedas que caem do céu. O estilo da pintura pertence ainda ao final do maneirismo da lombardia, também praticado por pintores do calibre de Simone Peterzano (o mestre de Caravaggio), mas já está atento para a descrição da realidade, o dado natural, como fica claro na representação das folhas murchas sobre a cabeça de Danae, uma lição de Caravaggio vai encontrar uma maturação completa. A pintura, ritelato e com vestígios de restauração condizente com o estilo e a época, está em muito bom estado. Apresentado em uma moldura dourada no estilo.

Falso Eixo com um ainda-vida com Frutas e Jogo

Trompe l'oeil,1757

Óleo sobre tela. Assinatura não decifrei no centro ao longo do pote de barro com tampa, com a data. Composição fascinante, rico em citações e referências, que identifica o proprietário, definitivamente, como um sábio erudito ou acadêmico. No canto superior esquerdo, um falso pintado com a frase "Mas veio a noite, e o mundo ascose", a Jerusalém, entregue de Torquato Tasso (canto 11°, estrofe LXXXII). Abaixo está a imagem de dois jogadores identificados como "Tradasso palatine" (Tradasso é o antigo nome do bass, mas também alude ao título, Showoff) e Guido da Sury", par de mercenários. Abaixo gato é acompanhado por outra frase, "agora Adiciona astúcia para o roubo", uma alusão à clareza de propósitos do felino em direção a lebre pendurado ao seu lado, também acompanhada por uma frase., "Nec dedit fuga salutem" alludente para desnecessária a fuga do animal ao caçador. No topo de dois jogadores mercenários, uma carta endereçada para "Pisstoia - sig. Gismondi (?)" ou Giannoli(?). A composição é concluído na parte inferior por um rico repertório de frutas, pratos e um frango assado. A pintura é apresentado em um cenário lindo emiliana coevas.

Estátua de pedra

Estátua em mármore de Verona, representando a figura feminina colocada em pé, com uma mão pousada sobre um tronco de árvore, e no outro um monte de espigas de trigo, símbolo de fertilidade; você pode ver um cocar em ruínas que lembra uma coroa. A iconografia refere-se à deusa grega da Fortuna Políticas. A base do quadrado com reforço de cimento, o que é típico das estátuas no Veneto adornada os palácios e seus insumos.

A figura é esculpida com a moldura do portal

A figura do estalajadeiro, é esculpida em redondo e pintado em policromia, inserido em um portal esculpido videira atira com folhas de videira, ouro guache de um período posterior. A escultura representa um host no ato de levar uma cesta de frutas. A escultura é bem definido, com uma torção e expressividade no rosto. Mostra uma influência nórdica; é completamente pintado em policromia, está vestida com o roxo bordas e correia, ouro e verde, cesta com ramos de uvas pretas. O portal, que provavelmente adicionada ao final do século XVII., ele é feito com a vinha que cordéis, criando um momento de aguda, a partir de dois grandes chefes do barroco e terminando em um rosto de querubim alado. Esta parte, provavelmente nasceu de um tema religioso, é completamente dourada.

A educação de Cupido

Teresa Buttini Revelli

Pintado em pergaminho. Cópia da famosa obra de Correggio, agora preservado na National Gallery, em Londres; amplamente replicado no passado, é aqui finamente reproduzido pelo autor, assinatura e data da obra na parte de trás. No quadro.

Cupido, que a fábrica do arco

Pintado em pergaminho, cópia da famosa obra de Parmigianino, hoje conservada em Viena. O tema, amplamente replicado no passado, a partir de Rubens para Joseph Heintz, o pai, é aqui finamente reproduzido pelo autor, assinatura e data da obra para a parte de trás. Contemporânea quadro.