Tableau Ancien Signé Augusto Friedrich Siegert Intérieur avec Figure - Scène d'Intérieur avec Figure Féminine

Aperçu de Corfou avec petite Église et Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Aperçu de Corfou avec Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Vue de Corfou

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Cette même vue de l'île a été présentée, dans un exemplaire plus petit, lors d'une vente aux enchères Sotheby's à Londres en 2002. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Portrait Féminin

Huile sur toile. Signé à droite, au milieu de la toile. C'est le portrait d'une femme en deuil, une jeune veuve, comme on peut le déduire, non seulement de la robe noire, mais plutôt de la coiffe et surtout du camée à portrait masculin, qu'elle porte pendu autour du cou. Achille Zo était un artiste français (originaire de Bayonne, ville des Pyrénées qui a subi l'influence culturelle du Pays basque), qui, bien qu'il ait séjourné à plusieurs reprises à Paris et à Bordeaux, où il s'est formé artistiquement, a ensuite effectué plusieurs voyages en Espagne, tous deux à Madrid (en 1856) et en Andalousie (1860), produisant pendant plusieurs années des œuvres sur des sujets historiques ou sur des scènes de genre espagnoles. À la fin des années 1960, il se tourne vers l’orientalisme. Il y a également plusieurs portraits dans sa production. Le tableau proposé ici, sur la première toile, est présenté dans un bel encadrement contemporain de la seconde moitié du XIXème siècle.

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. La scène représente la rencontre entre un grand prêtre et un chef : s'il est suivi par toute son armée, avec des soldats sinistres et armés de différents grades, le prêtre est suivi par tout le peuple qui loue le vainqueur, tandis que deux jeunes femmes sur leur à genoux, ils offrent des couronnes de fleurs. Derrière la scène, les puissants murs avec la porte d'entrée d'une ville, vers laquelle le prêtre montre du doigt, presque comme s'il la remettait au chef. L'habillement du prêtre, notamment la présence du pectoral dit « Décision » qu'il porte, fait référence à un prêtre israélite, et donc la ville pourrait être Jérusalem ; en revanche, les vêtements du chef victorieux, avec le casque surmonté de deux chevaux, font référence à Alexandre le Grand, qui conquit la ville en 332 av. Le dessin est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Les adieux de Ludovico le Moro à sa femme..

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. Ludovico Maria Sforza pleure sur la tombe de sa jeune épouse Béatrice d'Este (1475 -1497) ; autour de lui les frères de Santa Maria delle Grazie et à sa gauche Bramante et Leonardo. Sur le petit côté du dais en marbre du tombeau se trouvent les armoiries des Sforza, avec deux serpents et deux aigles. Il Moro a été profondément ébranlé par la mort prématurée en couches de sa très jeune épouse Béatrice, sa compagne dans sa vie privée mais aussi politique, ainsi que celle de son mari, mécène des génies artistiques de leur cour, comme Léonard de Vinci. et Bramante, auteurs de nombreuses œuvres picturales et architecturales de la cour Visconti-Sforza. Différentes versions de cet épisode sont connues, notamment à partir du XIXe siècle, depuis celle de 1815 de Giovanni Battista Cigola à la Pinacothèque Ambrosiana, jusqu'à celle d'Alessandro Reati vers 1850. Le tableau est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Les Neuf Muses

Tapisserie. Le mot Euterp apparaît en bas à droite. L'énorme jus d'herbe représente les neuf Muses, divinités grecques féminines, toutes sœurs, filles de Zeus et de Mnémosyne, et ayant le dieu Apollon pour guide. Ils représentaient l'idéal suprême de l'Art, compris comme la vérité du « Tout » ou la « magnificence éternelle du divin ». Initialement considérées de manière générique comme des divinités du chant et des danses joyeuses, chargées de mettre en musique et en vers des histoires telles que l'origine du monde, la naissance des dieux et des hommes, les exploits de Zeus, et souvent représentées accompagnées de divers instruments de musique. , à partir de l'époque hellénistique, toutes les expressions chantées et musicales y étaient associées, y compris les expressions tristes et funéraires, ainsi que d'autres arts comme le théâtre, et chacun d'eux était associé à un genre d'art spécifique, afin qu'ils puissent être invoqués individuellement. pour exercer leur inspiration et leur protection. Le mot « Euterp » fait référence au nom de l'un d'eux, Euterpe, muse de la poésie lyrique et de la musique, traditionnellement représentée avec une flûte ; mais le nom Euterpe signifie étymologiquement « Celle qui applaudit » qui apporte la joie, et on peut donc penser que le choix de ce nom pour titrer la tapisserie fait référence à la fonction la plus ancienne des Muses, celles d'apporter la joie à travers l'art. Dans cette présentation, les muses apparaissent dansantes, vêtues de voiles et de branchages fleuris ; dans leurs mains ou placés à côté d'eux apparaissent des instruments ou autres objets symbolisant l'art qu'ils inspirent (masques de théâtre tant tragiques que comiques, palette picturale, instruments de musique divers...). Le grand tableau présente des signes d'usure et des taches d'humidité.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Tête de femme

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. Dans un grand paysage classique, riche en végétation et à l'atmosphère rosée, se trouve un petit groupe de soldats : certains, posés sur un rocher surplombant un ruisseau, observent l'un d'eux qui se baigne, après avoir placé son armure dans l'eau. Le tableau a été présenté à la vente aux enchères Lempertz en 2017 avec une attribution à Andrea Locatelli (1695 -1741) et une estimation de 7/9 mille € ; Les méthodes picturales de l'œuvre apparaissent également plus proches de celles de Marco Ricci (1676 -1730), largement reprises par d'autres auteurs de l'espace vénitien. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Située dans un paysage classique, riche en végétation, la scène représente l'épisode biblique tiré du livre de la Genèse qui raconte comment le peuple d'Israël, qui traverse le désert du Sinaï pour atteindre la Terre Promise, se retrouve sans eau : Moïse invoque l'aide de Dieu et accomplit le miracle de faire jaillir l'eau d'un rocher. Dans la scène, le peuple d'Israël se réjouit et célèbre le miracle, se précipitant pour se baigner et étancher sa soif dans le bassin d'eau évoqué par Moïse, que l'on aperçoit debout à gauche du tronc sec au premier plan, symbole de l'aridité de la terre. Les branches des arbres agitées par un vent fort et le ciel plein de nuages ​​sombres qui commencent à se déchirer, évoquent la présence de Dieu. Les multiples figures, rendues avec des détails précis, créent du mouvement et de l'action. Ce tableau a déjà été présenté à la vente Lempertz avec une attribution à Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), un artiste qui a développé une combinaison parfaite entre passé et modernité, grâce à un profond intérêt pour le classicisme, rendu cependant avec une précision de perspective efficace dans le paysage et une grande précision des détails dans les figures. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.