Vue du Cervin

Trois peintures à l'huile sur carton. Les trois panneaux sont signés en bas à droite. Ils forment une composition continue : le panneau central représente le sommet du Cervin, tandis que les deux panneaux inférieurs étendent la chaîne de montagnes de part et d'autre jusqu'au pic le plus célèbre. Alessandro Catalani peignait des vues et des paysages, à l'huile et à l'aquarelle, caractérisés par des couleurs douces et une touche libre. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain (à restaurer).

Le Novice 1909

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Titre, date et lieu (Nobiallo, hameau de Menaggio sur le lac de Côme) figurent au dos. L'œuvre prolifique de Giuseppe Solenghi, d'une grande richesse lyrique exprimée par des tons et des coups de pinceau délicats et raffinés, est principalement composée de paysages urbains milanais et de vues de la lagune vénitienne, mais on y trouve également plusieurs vues de la campagne, surtout de Lombardie, ainsi que des intérieurs rustiques. Ici, une scène avec des personnages est représentée, bien que située dans un paysage lombard, avec le lac de Côme clairement visible en arrière-plan : sur le chemin pavé derrière l'église, un enfant de chœur portant un brûle-encens le montre à une jeune fille, fier de son rôle ! L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. La signature G. Freye figure en bas à gauche, ce qui permet d'attribuer l'œuvre à Georg Hermann Freye (1844-1921), artiste dresdois principalement connu pour ses œuvres religieuses et historiques. La scène de genre s'inspire des thèmes et des styles de la peinture hollandaise des XVIIe et XVIIIe siècles. Située dans une demeure privée, elle représente un repas de famille : le père, à l'air sévère, s'adresse à son fils, plus insouciant, sous le regard souriant et complice de sa mère. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Bateaux de Pêche

Lithographies en couleurs. Signées au crayon. Le peintre et graveur français Guinegault a réalisé de nombreuses vues et paysages, tant de Paris que des côtes du nord de la France, représentant souvent des pêcheurs. Ces deux lithographies sont présentées dans des cadres en bambou des années 1960.

Dames avec un Mousquetaire

Huile sur panneau. Signée en bas à gauche. Cette œuvre est de l'artiste anglais (qui a également étudié en Italie). Il s'est fait connaître pour ses sujets historiques, peints dans un style du XIXe siècle et caractérisés par le souci du détail dans la représentation du mobilier et des costumes d'époque, comme en témoigne cette scène romantique. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Fausse déchirure de fresque. Imitant une fresque antique, le visage de saint Antoine l'Abbé est représenté ici, reconnaissable à plusieurs de ses caractéristiques iconographiques : il est vêtu d'un habit de moine et porte un scapulaire ; il tient une canne à laquelle est attachée la clochette utilisée par les moines et les ermites pour annoncer leur arrivée pour la quête ; sa main droite, levée en signe de bénédiction, laisse jaillir une langue de feu, symbole de maladie, de châtiment et de la domination du Bien sur le monde souterrain. L'œuvre est encadrée d'un listel.

Paysage

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Luigi Comolli, artiste milanais, s'est distingué par ses paysages et ses natures mortes. Son œuvre témoigne d'une influence impressionniste, héritée de ses années de formation à Paris. Présentée dans un cadre du milieu du XXe siècle.

Huile sur toile. Début du XXe siècle. Cette œuvre de grande qualité est l'œuvre d'un artiste anonyme, inspiré par Vittorio Reggianini (1858-1938), qui connut un immense succès avec ses scènes d'intérieur et de salon représentant des femmes ou des enfants vaquant à leurs occupations quotidiennes, souvent de loisirs, comme ces deux dames prenant le thé et conversant aimablement. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Technique mixte sur papier. Initiales AS en bas à droite. Un bouquet de roses se détache sur un fond bleu. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain noirci, orné de sculptures dorées.

Paysage de Rivière avec Figures

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Ce sujet s'inscrit dans l'œuvre profondément naturaliste du peintre. Originaire de Modène, il a grandi artistiquement à Milan et dans ses environs, lieux qui ont souvent été le sujet de ses paysages. Ce paysage évoque également la plaine de Lombardie. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Rive avec Figures

Aquarelle sur carton. Signée en bas à droite. Paolo Sala, né et formé à Milan, s'est distingué comme l'un des plus importants paysagistes de son temps, ainsi que comme un peintre de vues des nombreuses villes italiennes et étrangères où il a travaillé. Privilégiant l'aquarelle, il peignait aussi abondamment à l'huile. Il utilise des coups de pinceau rapides, larges et superposés, dans un style impressionniste, jouant avec la couleur et la lumière pour créer des atmosphères évocatrices, comme dans cette vue maritime de personnages sur une plage occupés à tamiser le sable. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Le Christ Travailleur, 1950 ca.

Huile sur toile. Signée en bas à droite F. Venzo SJ (Societas Jesu, devise des Jésuites). Il s'agit d'une œuvre du frère jésuite Mario Venzo, peintre vénitien qui, après avoir peint durant sa jeunesse bohème à Paris, se consacra à la vie monastique en 1940, tout en continuant à peindre. Cette œuvre représente un jeune ouvrier au premier plan, dans l'atelier d'un artisan moderne, la tête baignée de lumière : il s'agit probablement d'une projection moderne du jeune Jésus au travail dans l'atelier de son père. Le style de l'œuvre évoque la période picturale de Venzo avant 1953, année après laquelle son œuvre devint plus vibrante, avec des couleurs vives et une figure plus stylisée, tout en continuant souvent à se concentrer sur des sujets sacrés. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Scène de Récolte 1959

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. L'artiste brescien Eliodoro Coccoli « n'était pas par vocation un peintre de chevalet », mais s'est principalement établi comme décorateur d'intérieur et d'extérieur, créant des fresques profanes pour diverses villas lombardes et des sujets sacrés pour de nombreuses églises. Ses toiles sont peu nombreuses et datent pour la plupart d'avant 1922, année où sa production décorative s'est considérablement développée. Cependant, de nombreuses esquisses et plusieurs toiles préparatoires à des fresques subsistent. Cette scène des vendanges pourrait également s'inscrire dans ce type de production, bien qu'elle soit définie et détaillée dans ses détails. Le style de Coccoli ne se rattache à aucun mouvement particulier ; il est en effet considéré comme un expert en éclectisme : il sélectionne le répertoire figuratif le mieux adapté aux besoins du client, adaptant son style au sujet et aux caractéristiques architecturales du lieu. De plus, l'œuvre témoigne d'une maîtrise technique raffinée, parfois virtuose. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Portrait d'une Dame avec un Chien 1934

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Œuvre du peintre hongrois Géza Kövesdy, qui peignait principalement des portraits féminins et des paysages, parfois agrémentés de figures naïves. La figure féminine accompagnée d'un petit chien est un thème récurrent, presque un symbole du statut social de ces dames de la riche bourgeoisie. Le style pictural est influencé par l'impressionnisme, dans les nuances et les jeux de lumière. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Paysage avec Vue sur le Lac

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. On dispose de peu d'informations biographiques sur Angelo Rovida, peintre paysagiste originaire de Lodi, qui a peint des paysages et des vues urbaines, principalement dans le nord de l'Italie. Le tableau est présenté dans un cadre guilloché contemporain.

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. Une composition élégante et raffinée de roses aux délicats tons de rose et de blanc, disposées dans une vasque en métal doré, est posée sur une petite table, entourée de grenades, symbole de fertilité et de prospérité, d'une assiette en argent repoussé et d'un coffret contenant un collier de perles. Le fond, d'une couleur unie, terreuse et nuancée, met en valeur les effets de lumière des fleurs et des objets.

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. En forme de demi-lune, initialement conçue comme un panneau au-dessus d'une porte, la toile présente une composition à la fois agréable et mélancolique de roses disposées sur une surface peinte en relief. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Figure dans un paysage 1920

Huile sur toile. Signature, date et lieu (Venise) en bas à gauche. Œuvre de l'artiste vénitien Giovanni Caldana, portraitiste reconnu. Ce portrait représente un homme en tenue de marche sur fond de pentes alpines. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Cheval dans un Paysage des Années 1950

Marqueur sur papier de riz, collé sur carton. Signature en bas. Ci-dessous, une dédicace de l'artiste (Salutations chères – Aligi). L'œuvre est accompagnée d'un certificat photographique de la Fondation Sassu, numéro d'archive PNV49. Le protagoniste de ce dessin est une fois de plus le cheval, animal fétiche de l'artiste. Il était fasciné par l'énergie et la force dynamique de ces animaux, symboles de la vie et de la liberté, que Sassu exprimait à travers la torsion de leurs figures. Les œuvres de Sassu, qui comprennent des peintures, des sculptures et des céramiques, mettent en valeur la puissance des chevaux dans des scènes de courses, de batailles ou en pleine nature, mettant souvent l'accent sur le dynamisme et l'énergie plastique. Œuvre encadrée.

Plage avec Personnages et Bétail

Huile sur toile. L'œuvre, signée Sorolla en bas à droite et datée de 1928, évoque le style de Joaquim Sorolla y Bastida (1863-1923), célèbre peintre valencien qui choisit de refléter la lumière méditerranéenne dans les scènes quotidiennes de sa ville, dans un style unique appelé luminisme. Ses œuvres se caractérisent par leur peinture en plein air, représentant des personnages simples, souvent encadrés dans des scènes de pêche et de mer, capturant coutumes et traditions, ainsi que la liberté avec laquelle elles reflètent la lumière et la couleur. Les plages urbaines de Valence, animées par de nombreux personnages, dont des baigneurs, constituent un décor récurrent dans nombre de ses tableaux. Dans cette œuvre, la scène est bien celle d'une plage, où défilent des personnages accompagnés de bétail, tandis que des bateaux échoués et des baigneurs apparaissent en arrière-plan. L'œuvre, certes picturale, bien que très proche du style et de la manière de Sorolla, n'est pas reconnue comme authentique par les archives officielles de l'artiste. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Marqueterie réalisée avec divers bois. Elle représente un violoncelliste en costume du XVIIIe siècle. Francesco Ferrario était un ébéniste accompli, influencé par les mouvements néoclassique et Art nouveau. Formé au dessin à l'Académie de Brera, après avoir collaboré avec les plus grands artistes de l'époque, il ouvrit un atelier à Milan, d'abord via Tenca, puis en 1927 corso Sempione. Une étiquette au dos de l'œuvre la situe parmi les ateliers de ce dernier. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque. Une version de cette œuvre figure dans la monographie de Bianca Tosatti, « I Ferrario maestri di tarsia », publiée en 2000.

Scène de Genre à la Cour

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Antonio Zavaga était un peintre italien des XIXe et XXe siècles, spécialisé dans la peinture de style XVIIIe siècle, représentant principalement des scènes galantes et de salon. La scène de cette œuvre se déroule également dans une riche salle du XVIIIe siècle : une dame et un monsieur assis à une table jouent aux échecs, tandis que la dame d'honneur apporte le thé et qu'un autre monsieur observe la scène avec amusement. L'œuvre est présentée dans un cadre peint de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.