PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Huile sur toile. La scène est entièrement peuplée de personnages, représentés à mi-corps au premier plan : les trois Rois mages, occupant toute la partie droite, présentent leurs présents à l’Enfant Jésus dans les bras de Marie, à gauche, tandis que la figure de Joseph apparaît à l’arrière-plan, telle une ombre veillant sur la famille et la soutenant. Le tableau porte des traces de restaurations antérieures. Il est présenté dans un cadre d’époque du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie, légèrement modifiée, du tableau de Salvator Rosa (1615-1673), conservé dans la Galerie Palatine du Palais Pitti à Florence. Également connu sous le nom de « Marina au coucher du soleil » en raison du large coucher de soleil qui illumine l'arrière-plan à droite, le tableau représente l'activité intense du port. Divers personnages animent la scène : des ouvriers s';affairent à la construction du galion, posé à même le sol et recouvert d'une bâche blanche sous les ruines d'une forteresse dominée par une tour ; un groupe de baigneurs profite des derniers rayons du soleil. L'œuvre présente de nombreuses zones rouillées et nécessite une restauration. Toujours sur sa toile d'origine, elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Femme à la Fenêtre 1980

Huile sur toile. Signature, titre et date au dos. Ercole Pignatelli, originaire du Salento mais vivant aujourd'hui à Milan et à Gazzola, est resté profondément attaché à ses racines salentiennes tout au long de son parcours personnel et artistique, qui se reflètent dans les couleurs, les formes et les paysages de ses sculptures et peintures. Dans son œuvre, Pignatelli explore les lieux du désir, de la vie, des souvenirs et le pouvoir créateur de la matière. Présentée encadrée.

Val Vogna

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos figure une étiquette de l'Exposition universelle de Venise de 1928. Vue de montagne du Val Vogna, petite vallée sauvage de la Valsesia. Formé à l'Académie de Brera auprès de Tallone, l'artiste milanais Lodovico Zambeletti s'est consacré avec succès au paysage, sujet pour lequel il exprimait une sensibilité particulière, tout en peignant également des scènes de genre et des personnages en milieu naturel. Il fut aussi un portraitiste reconnu. La toile présente de légères lacunes picturales et nécessite une restauration. Encadrée.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIIe siècle. Le personnage principal, élégamment vêtu d'une cape rouge, est représenté avec divers objets disposés sur son bureau – livres, compas et autres instruments de dessin – témoignant de son intérêt pour les arts et la culture. Le tableau a été restauré et rentoilé dans le style ancien. Il est présenté dans un cadre contemporain en bois laqué.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord, milieu du XIXe siècle. Dans un paysage champêtre verdoyant, près d'un puits et de son abreuvoir, plusieurs paysans et voyageurs s'arrêtent avec leurs charrettes pour se reposer, s'abreuver et laver leur linge. Restaurée et rentoilée à l'ancienne, la toile présente actuellement des dommages et de légères pertes de matière. Elle est encadrée d'un beau cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École française, seconde moitié du XIXe siècle. Un cachet de cire au dos porte la mention « Atelier Gustave Courbet ». Le célèbre artiste (1819-1877) a souvent représenté des scènes de sous-bois avec des cerfs et leurs faons, mais le tableau présenté ici ne peut lui être attribué. D'un réalisme saisissant, cette œuvre représente une biche et son faon au sein d'un bosquet, la lumière filtrant à travers les branches créant des effets lumineux. Le tableau est présenté dans un beau cadre du XVIIIe siècle, laqué et restauré.

Huile sur toile. La scène dramatique de la conversion de saint Paul, relatée dans le livre biblique des Actes des Apôtres, représente Saul, désarçonné et aveuglé par une lumière divine venue du ciel. Dans cette représentation, le saint est presque écrasé, plaqué au sol, tandis que la scène est remplie d'autres personnages, du cheval et des compagnons qui l'assistent, eux aussi éblouis par la lumière, comme « projetée » du ciel par un ange qui se fraye un chemin à travers la foule pour atteindre le visage de Paul. Le tableau a été restauré et rentoilé, puis monté sur un nouveau châssis. Encadrement d'époque.

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Portrait d'une Dame

Crayons couleurs sur carton. Signé en bas à droite. Piero Galanti, artiste originaire de Brescia, peignait principalement des paysages, des natures mortes et des portraits. Dans ses portraits, Galanti privilégiait des poses solennelles, conformément à la tradition du portrait officiel, et appréciait la préciosité des soies et des velours. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Grande scène pastorale, avec un troupeau de vaches et de moutons s'abreuvant à la rivière, tandis qu'à gauche une bergère indique son chemin à un voyageur ; à l'arrière-plan se dessinent des reliefs rocheux aux tons bleutés. Au dos de la toile est inscrit « École de Domenico Brandi » : le style pictural rappelle en effet celui du peintre paysagiste napolitain (1684-1736), connu pour ses paysages bucoliques animés de figures pastorales. Il pourrait donc s'agir de l'œuvre d'un élève ou d'un disciple. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il présente actuellement des taches. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIe siècle. Ce tableau représente l'épisode évangélique de la rencontre de Jésus avec la Samaritaine au puits où il s'est arrêté pour boire. Cette rencontre initie un dialogue d'une profonde signification théologique, aboutissant à la conversion de la femme. Dans cette représentation, les deux personnages sont placés de part et d'autre du puits, leurs mains presque jointes au-dessus de l'eau, symbole de « l'eau vive, source de toute soif », ou plutôt, du Christ lui-même. La femme regarde l'eau du puits et la désigne du doigt, tandis que Jésus se tourne vers elle, son regard même l'attirant à lui par son amour salvateur. Les deux personnages occupent toute la scène et rayonnent de lumière, les couleurs de leurs vêtements – typiques de la peinture vénitienne – les mettant en valeur. Autour d'eux, un paysage indistinct et ombragé se fond dans le décor, de même que certains disciples de Jésus restent dans l'ombre, en retrait à l'arrière-plan sur la gauche, étrangers au dialogue intime entre les deux protagonistes. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre laqué de la fin du XIXe siècle.

Copie d'Après Titien

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie (beaucoup plus petite) du célèbre portrait peint par Titien en 1545, conservé aujourd'hui à la Galerie Palatine des Offices à Florence. Écrivain et courtisan renommé de l'Italie du XVIe siècle, Aretino vécut d'abord à Rome, à la cour papale, dans les années 1520, puis à Venise, où il acquit une grande renommée pour ses écrits ingénieux et perspicaces. On le craignait également pour sa nature violente et satirique, ainsi que pour ses écrits francs et polémiques, qu'il utilisait pour critiquer même les personnalités les plus illustres et les plus puissantes, ce qui lui valut le surnom de « fléau des princes » de Ludovico Ariosto. Le portrait met en valeur le froncement de sourcils fier et résolu de l'homme, perceptible dans son regard et sa pose. Le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Crayons sur papier marouflé sur toile. Portrait en robe de promenade, le manteau drapé sur les épaules, de la reine Marie-Antoinette de Habsbourg-Lorraine (1755-1793), dernière reine de France avant la Révolution française, connue pour son train de vie fastueux et son destin tragique. L'œuvre est présentée dans un cadre doré du début du XXe siècle, qui porte plusieurs traces d'usure et des manques de stuc (très fragile).

Portrait d'un Garçon

Crayons couleurs sur carton. Signé en haut à droite. Piero Galanti, artiste originaire de Brescia, peignait principalement des paysages, des natures mortes et des portraits. Dans ses portraits, Galanti privilégiait des poses solennelles, conformément à la tradition du portrait officiel, et appréciait la préciosité des soies et des velours. Encadrement d'époque.

La Bergère

Huile sur toile. Une jeune fille en costume pastoral traditionnel, élégante dans son gilet à franges dorées, son chapeau orné d'une plume de paon, ses boucles d'oreilles, sa gourde à la ceinture et son bâton recourbé fermement tenu, est représentée avec grâce. Elle semble davantage un portrait en costume folklorique qu'une figure réelle. Pesenti s'est fait connaître pour ses vues d'intérieurs, souvent d'églises, mais aussi pour ses scènes de genre mettant en scène des personnages populaires. Le tableau a été restauré. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage avec Maisons

Huile sur toile marouflée sur panneau. Signée en bas à droite. Né à Chioggia, le peintre Eugenio Bonivento, élève d'Eugenio Pardi mais influencé par la peinture vénitienne de type veduta du XVIIIe siècle, a principalement représenté des vues de Venise. Il a également porté une attention particulière à la lumière dans ses paysages, comme celui présenté ici, où il utilise des coups de pinceau rapides et larges aux couleurs vives pour dépeindre plusieurs fermes de campagne sur fond de pentes montagneuses. Le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu du XXe siècle.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. Encadrée par l'entrée voûtée d'une chapelle, l'œuvre représente un angle de la nef, laissant apparaître des fragments de fresques et le passage vers une autre aile de l'édifice. L'atmosphère de contemplation et de silence est rendue par l'uniformité des teintes brunes. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Colonna del Verziere

Huile sur panneau. Signée en bas à gauche. Titre et cartouche au dos, indiquant sa provenance de la collection Sormani à Missaglia. Par des coups de pinceau vibrants et indéfinis et des couleurs vives et intenses (huile et pastel) attentives aux variations atmosphériques, l'artiste véronais Erma Zago dépeint souvent des scènes de la vie urbaine, dans les rues et les parcs des villes qu'il habite, principalement Milan. C'est le cas de cette vue du monument milanais, la colonne surmontée de la Croix, située Largo Augusto à Milan, qui tire son nom de la Verzière ou Verzée, l'ancien marché aux fruits et légumes qui s'y trouvait autrefois. L'œuvre est présentée encadrée.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Huile sur panneau. École vénitienne, milieu du XVIe siècle. Le Christ crucifié, au centre de la scène, est entouré de quatre saints identifiés par leurs symboles iconographiques : à gauche, saint François et saint Jérôme ; à droite, saint Sébastien et saint Roch. À l’arrière-plan, une vue de ville, probablement Rome, souligne le lien avec l’Église en tant qu’institution. Une étiquette en papier numérotée est apposée au dos (provenant d’une collection privée du XIXe siècle). Le tableau est présenté encadré.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.