PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Sans Titre, 1992

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le cachet de l'artiste, portant la signature et la date de l'œuvre, figure au verso. Luca Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a atteint une maturité linguistique affirmée et occupe une place de premier plan sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux insolites tels que l'acétate, le PVC et, plus récemment, des décors de théâtre du XIXe siècle, sur lesquels il peint des formes puisées dans sa mémoire personnelle et influencées par diverses cultures et périodes historiques. L'écriture est un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni : signe auto-signifiant qui structure l'œuvre et exprime des pensées, elle construit ses images par superposition, en ajoutant ou en soustrayant de la couleur sur différents supports. Encadré.

Portrait Féminin, 1894

Huile sur carton. Signée et datée en bas à droite. Au verso, une dédicace : « Si un jour j'acquiers une bonne réputation, ce sera grâce à l'esquisse d'un homme célèbre ! Si je reste dans l'ombre… ce sera grâce au souvenir d'un ami. Vérone, mai 1894. » Le peintre Giovanni Bevilacqua, originaire de Vérone mais ayant vécu à Gênes, s'est surtout illustré comme peintre de fresques d'intérieur. Ce petit hommage à un ami représente avec délicatesse un visage féminin. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Début du XXe siècle. Cette œuvre de grande qualité est l'œuvre d'un artiste anonyme, inspiré par Vittorio Reggianini (1858-1938), qui connut un immense succès avec ses scènes d'intérieur et de salon représentant des femmes ou des enfants vaquant à leurs occupations quotidiennes, souvent de loisirs, comme ces deux dames prenant le thé et conversant aimablement. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Figures avec Fleurs

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Une déclaration d'authenticité signée figure au dos. Influencé par l'expressionnisme durant ses années parisiennes, Fantuzzi accorde une grande importance à l'expression des émotions et des ambiances dans ses œuvres. La couleur domine ses toiles, généralement dans des tons froids de bleu, de vert et de violet, créant parfois des contrastes saisissants. Les thèmes principaux de Fantuzzi sont la solitude de la métropole et la difficulté de communiquer dans les relations interpersonnelles ; il peint souvent des figures indistinctes et des visages sans yeux. Encadrée.

Huile sur toile. Peinte dans le style de la peinture espagnole du début du XVIIe siècle, l'œuvre date en réalité de la fin du XIXe siècle. Elle représente une noble dame portant une fraise, ce col rigide, ornemental et plissé typique des vêtements masculins et féminins des XVIe et XVIIe siècles. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre doré du milieu du XIXe siècle, inséré dans un cadre plus large du XXe siècle.

La Reine des Glaces 2021

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Fabio D'Aroma est un artiste au parcours éclectique et surprenant, dont l'art se distingue par la rencontre entre la tradition picturale classique et une approche contemporaine. À propos de son style, D'Aroma déclare : « J'aime le définir comme une sorte de surréalisme pop aux fondements classiques. Je m'inspire des grands maîtres italiens, mais je les réinterprète avec une ironie qui reflète le présent. » Ses figures, souvent grotesques mais réalisées avec une technique picturale surprenante, sont animées par un désir de provoquer, suscitant souvent des réflexions profondes sur des thèmes importants, voire dramatiques, mais avec un sourire.

Sole Produttore

Sérigraphie sur plaque de métal. Signée en bas à droite, titrée en bas. Édition 446/500. Le soleil est un thème cher à Giò Pomodoro depuis les années 1950, un thème qu'il n'a jamais abandonné, le développant particulièrement à partir de la seconde moitié des années 1970 jusqu'à quelques années avant sa mort, en 2000, date à laquelle il a fait don d'un soleil monumental en marbre blanc à la ville de Gênes, situé à l'entrée du port, sur le Ponte dei Mille. Le Soleil Créateur est une représentation métaphorique de l'exploitation équitable par la société de la puissance génératrice du soleil. Passionné d'astronomie, de géométrie et de poésie, Giò Pomodoro a toujours été fasciné par le potentiel vital et symbolique de l'image de l'astre. Dans ces œuvres, l'artiste le représente par une forme circulaire stylisée, brisée pour accentuer le potentiel des formes géométriques élémentaires (le cercle, le carré, le triangle) à s'ouvrir à différentes tensions dynamiques. Autour de ces formes de base, Pomodoro insère ensuite des écrits composés de mots qui font référence à des concepts référentiels, tels que réel, possible, collectif — dans ce cas : « Il bouge, tourne, construit une récolte commune » — combinés à d'autres formes inscrites qui indiquent des structures physiques, telles que la charnière, la roue et la graine.

Technique mixte sur papier. Initiales AS en bas à droite. Un bouquet de roses se détache sur un fond bleu. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain noirci, orné de sculptures dorées.

Huile sur toile. Signée et située dans la marge inférieure gauche : « Roma, Enrico Scifoni ». Le nom du modèle est cité en bas à gauche : « Signorina Maria Ciaffi ». Scifoni était une artiste romaine très active comme portraitiste entre 1870 et 1914. La jeune femme représentée porte une robe et une coiffure rappelant les modes de l'Empire. Le tableau est présenté dans un cadre doré du XIXe siècle, nécessitant une restauration.

Saint Bernard de Clairvaux

La sculpture décrite ici, taillée dans un bloc de pin cembro au début du XVIIe siècle, représente saint Bernard de Clairvaux. La composition rappelle une gravure du début du XVIe siècle de Marcantonio Raimondi, qui représentait le saint en habit monastique, tenant une crosse, une Bible à la main et un démon enchaîné à ses pieds. La sculpture était destinée à une niche et son dos était donc inachevé. Le saint, debout, est représenté en léger mouvement, tenant une Bible ouverte de la main droite et, de l'autre, le début de la chaîne qui retient le démon à ses pieds. Malheureusement, la partie centrale de la chaîne est manquante, mais elle est complétée par un collier ; le démon est maîtrisé par le saint, qui y pose son pied. Malgré quelques manques de couleurs et de dorure et des traces de suie, on peut constater que le teint du saint est rosé, tandis que celui du démon est rougeâtre, presque brun, en raison de son exposition aux flammes du monde infernal. Remarquez la splendide robe du saint, qui, bien que représentant un habit monastique, est laquée de tons rouges avec des broderies dorées à l'intérieur et dorées avec des broderies bleutées à l'extérieur. La robe n'est plus celle de l'humble ermite, mais celle du saint dans sa gloire céleste, baigné de lumière, contrastant davantage avec la figure du diable.

Ornements et vases anciens

Gravures coloriées à la main. Réalisées par Michelangelo Pergolesi entre 1777 et 1778, les décorations coloriées sont une œuvre posthume du XIXe siècle. Pergolesi a conçu et réalisé des meubles, des cheminées, des plafonds, des lustres, des portes et des ornements muraux de style néoclassique, travaillant principalement en Angleterre. Les dessins préparatoires de ces gravures sont numérotés et appartiennent probablement aux « Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti » (Dessins pour divers ornements pour 70 planches), publiés entre 1777 et 1801. Les deux gravures sont présentées sous cadre apparent.

Paysage de Rivière avec Figures

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Ce sujet s'inscrit dans l'œuvre profondément naturaliste du peintre. Originaire de Modène, il a grandi artistiquement à Milan et dans ses environs, lieux qui ont souvent été le sujet de ses paysages. Ce paysage évoque également la plaine de Lombardie. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans cette œuvre, la Sainte Famille s'adresse à un jeune frère en habit franciscain, probablement en référence au commanditaire : les mains tendues de l'Enfant se tendent pour l'embrasser, sous le regard protecteur de Marie et Joseph. Précédemment restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien du XVIIIe siècle, redoré.

Saint Sébastien

Sculpture de la fin du XVIIe siècle représentant saint Sébastien attaché à un arbre et transpercé. Le saint, vêtu d'une courte robe ceinturant les hanches, est attaché au tronc et à une branche, un bras levé, le regard fixé sur le spectateur qui, métaphoriquement, le transperce de flèches. La sculpture est coulée en ronde-bosse et peinte en polychromie, avec des parties peintes restaurées. Notez la restauration dune partie du pied gauche et labsence de flèches.

Rive avec Figures

Aquarelle sur carton. Signée en bas à droite. Paolo Sala, né et formé à Milan, s'est distingué comme l'un des plus importants paysagistes de son temps, ainsi que comme un peintre de vues des nombreuses villes italiennes et étrangères où il a travaillé. Privilégiant l'aquarelle, il peignait aussi abondamment à l'huile. Il utilise des coups de pinceau rapides, larges et superposés, dans un style impressionniste, jouant avec la couleur et la lumière pour créer des atmosphères évocatrices, comme dans cette vue maritime de personnages sur une plage occupés à tamiser le sable. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Figures en Jardin, 1860/1870 ca.

Huile sur toile. Signée en bas au centre. Eleuterio Pagliano était un graveur et peintre de la période romantique. Il est également considéré comme un héros du Risorgimento milanais, ce qui lui valut le surnom de « peintre-soldat ». Initialement axé sur des sujets historiques à connotation patriotique, il s'orienta plus tard vers des sujets romantiques, des scènes de genre de la vie quotidienne bourgeoise, peuplées de personnages gracieux se livrant à des activités récréatives. Dans cette œuvre, Pagliano présente une scène de campagne relaxante, où hommes et femmes se détendent en jouant aux cartes ou en lisant, tandis que les enfants s'amusent à grimper aux arbres. La douce luminosité, les couleurs harmonieuses des personnages, qui s'harmonisent avec la verdure du paysage, et l'impression de détente qui s'en dégagent, créent une scène d'ensemble emplie de sérénité et de tranquillité. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Une Partie d'une éducation de la Vierge Marie

Cette sculpture représente une partie de la scène de l'éducation de la Vierge, où sainte Anne est traditionnellement assise, un livre sur les genoux, tandis que la jeune Marie se tient à ses côtés, absorbée par son apprentissage. Dans ce cas précis, la statue représente la jeune Vierge, le reste de la composition manquant. La jeune femme est représentée une main levée, l'autre sur sa poitrine, comme pour annoncer la bénédiction et la maternité divine qui caractériseront sa vie. Elle porte une longue robe rouge recouverte d'un manteau bleu.

Portrait Féminin

Huile sur carton. Signé en bas à gauche. Noè Bordignon, artiste originaire de la province de Trévise, se consacrait à la fois à la peinture de chevalet, créant des scènes de la vie rurale et des portraits de personnages populaires, avec une grande interprétation psychologique de certaines des figures les plus marquantes de l'époque, notamment des enfants, des adolescents et des mères, et à la réalisation de fresques de sujets sacrés pour les églises de sa région. Dans cette œuvre, Bordignon représente un jeune roturier, créant un portrait d'une grande intensité expressive, malgré le rendu très naturaliste du personnage. Encadré.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau coulant à proximité, près duquel se dresse un groupe de bâtiments ruraux ; plusieurs personnages sur le chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de rentoilage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Intérieur avec Fleurs 1995

Huile sur toile. Signature, date et titre au dos. Ce tableau exprime le style morandien de Maurizio Ligas, artiste apparu dans les années 1970 et 1980, mais qui adopta un style antimoderne, jouant sur la luminosité de ses sujets. Encadré.

Le Christ Travailleur, 1950 ca.

Huile sur toile. Signée en bas à droite F. Venzo SJ (Societas Jesu, devise des Jésuites). Il s'agit d'une œuvre du frère jésuite Mario Venzo, peintre vénitien qui, après avoir peint durant sa jeunesse bohème à Paris, se consacra à la vie monastique en 1940, tout en continuant à peindre. Cette œuvre représente un jeune ouvrier au premier plan, dans l'atelier d'un artisan moderne, la tête baignée de lumière : il s'agit probablement d'une projection moderne du jeune Jésus au travail dans l'atelier de son père. Le style de l'œuvre évoque la période picturale de Venzo avant 1953, année après laquelle son œuvre devint plus vibrante, avec des couleurs vives et une figure plus stylisée, tout en continuant souvent à se concentrer sur des sujets sacrés. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau traversé par des bateaux, et bordé de petits groupes de maisons rurales. Au premier plan, une femme et son enfant marchent le long du chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de regarnissage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Scène de Récolte 1959

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. L'artiste brescien Eliodoro Coccoli « n'était pas par vocation un peintre de chevalet », mais s'est principalement établi comme décorateur d'intérieur et d'extérieur, créant des fresques profanes pour diverses villas lombardes et des sujets sacrés pour de nombreuses églises. Ses toiles sont peu nombreuses et datent pour la plupart d'avant 1922, année où sa production décorative s'est considérablement développée. Cependant, de nombreuses esquisses et plusieurs toiles préparatoires à des fresques subsistent. Cette scène des vendanges pourrait également s'inscrire dans ce type de production, bien qu'elle soit définie et détaillée dans ses détails. Le style de Coccoli ne se rattache à aucun mouvement particulier ; il est en effet considéré comme un expert en éclectisme : il sélectionne le répertoire figuratif le mieux adapté aux besoins du client, adaptant son style au sujet et aux caractéristiques architecturales du lieu. De plus, l'œuvre témoigne d'une maîtrise technique raffinée, parfois virtuose. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Portrait d'une Dame avec un Chien 1934

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Œuvre du peintre hongrois Géza Kövesdy, qui peignait principalement des portraits féminins et des paysages, parfois agrémentés de figures naïves. La figure féminine accompagnée d'un petit chien est un thème récurrent, presque un symbole du statut social de ces dames de la riche bourgeoisie. Le style pictural est influencé par l'impressionnisme, dans les nuances et les jeux de lumière. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.