PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Huile sur toile. École d'Europe centrale de la première moitié du XIXe siècle. Le tableau fait référence à une gravure de Johann Gottfried Haid (1704-1767), graveur allemand connu pour ses copies à la manière noire d'œuvres de grands maîtres. L'œuvre originale est probablement attribuable à Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), connu pour ses portraits de personnages populaires dans le style « bambocciante ». Notre tableau présente plusieurs légères différences par rapport à la gravure de référence. Toujours sur la première toile, il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

L'Adoration des Bergers

Huile sur toile. Composition reprise à plusieurs reprises par les disciples et élèves de l'école de Bassano, notamment par Jacopo Bassano (1515-1592). Dans la scène originale, reproduite ici avec fidélité à la composition des personnages, mais sans les couleurs, Bassano avait abordé le thème en respectant la tradition tout en y apportant des innovations. En effet, les ruines archéologiques, un élément fréquent de l'iconographie italienne de la Nativité, servent de toile de fond à ce tableau. On y voit une rangée de colonnes brisées sur un haut piédestal, sur le modèle des temples grecs, contre lequel s'appuie une cabane. Cette structure architecturale inhabituelle symbolise la victoire sur le paganisme et la construction de l'Église chrétienne, dont la naissance de Jésus est le premier acte fondateur. Les bergers occupent le centre de la scène, et sans le côté gauche du tableau, on pourrait croire à une scène de genre à caractère rural. Le berger, vu de dos, est agenouillé, pieds nus, rappel de son extrême humilité, et tient un agneau, animal sacrificiel par excellence, en référence à la future Passion du Christ. À l'extrême droite, un curieux insert : un garçon accroupi souffle sur une braise ardente, cherchant vainement à raviver une flamme. Dans cette réplique, les couleurs jaune et rouge des robes des deux bergers au centre et du garçon à droite ressortent, dominant avec vivacité même les figures de la Sainte Famille et se détachant sur les teintes ocres du paysage et des structures architecturales à l'arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé au XIXe siècle, avec remplacement du cadre (sur lequel figurent des inscriptions contemporaines en anglais, probablement des adresses d'exportation). Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Datée de 1759 au dos. Le tableau est une copie de l'œuvre de Federico Barocci (1563-1612), réalisée entre 1583 et 1586, conservée dans l'église Santa Maria in Vallicella à Rome. L'œuvre connut un grand succès et fut reproduite à maintes reprises par de nombreux artistes du même cercle ou atelier que Barocci ; par exemple, la copie de l'élève Viviani, dit le Sourd d'Urbino (Barocci était également originaire d'Urbino), conservée à la Galerie nationale des Marches d'Urbino. La scène représentée est empreinte d'une grande intimité et d'une grande tendresse : la Vierge Marie est accueillie dans les bras de sa cousine âgée Elisabetta sur l'escalier précédant l'entrée. Leurs mains se serrent et leurs regards se croisent. Juste derrière, Zaccaria, le mari d'Elisabetta, observe, debout sur le seuil, se penchant légèrement pour mieux voir. Au premier plan, deux autres personnages, dues ervitori, se tiennent debout : l'homme à gauche est occupé à ramasser le sac de Marie et à prendre soin de l'âne qui transportait la jeune femme, tandis qu'à droite, une femme, souriante, observe la rencontre des deux cousins, portant une colombe dans un panier. Au dos de la toile figure une inscription autographe en anglais, contemporaine du tableau : « Giovanni B. Tiepolo, 1759, La Visitation ». L'auteur de la réplique a probablement confondu le nom de l'artiste de l'original, l'attribuant à l'artiste vénitien. Le marché anglais s'est montré très intéressé par l'œuvre originale, au point de tenter de l'acquérir au milieu du XVIIIe siècle, ce qui a favorisé la prolifération des répliques. Le tableau, encore sur sa première toile, est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Rivage avec Navires et Figures

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Fils d'artiste, Cesare Gheduzzi s'est imposé comme peintre paysagiste. Bien qu'il ait vécu à Turin, il a longtemps séjourné sur la Riviera ligure, créant de larges vues de la mer, des paysages côtiers et des pêcheurs au travail, qu'il a reproduits avec fidélité et élégance, tout en privilégiant les couleurs froides pour créer une distance émotionnelle et favoriser l'effet scénographique (hérité de son père, scénographe au Teatro Regio de Turin). L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Scène avec des Gardes dans la Ville, 1875

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Le peintre anglais George Goodwin Kilburne s'est spécialisé dans les scènes de genre se déroulant dans la vie de la haute bourgeoisie victorienne, avec des scènes de chasse et des scènes de salon, toutes caractérisées par l'élégance et la minutie des détails, notamment des figures féminines. En 1875, Kilburne séjourna quelques mois à Rome, puis voyagea dans d'autres villes italiennes et européennes. La scène représentée ici, datant en réalité de 1875, semble se dérouler à Rome : à un poste de garde de la ville, comme l'indique clairement l'aperçu urbain que l'on peut apercevoir depuis la porte ouverte, des soldats portant l'uniforme des gardes du Vatican se reposent. L'œuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur toile. La scène du célèbre épisode évangélique de l'Adoration des Mages se déroule dans un cadre inhabituel : la Sainte Famille ne se trouve ni dans une cabane ni dans une étable, mais devant les vestiges d'un imposant édifice en marbre. Perchée au sommet d'une colline, elle aperçoit en arrière-plan un paysage plat, riche en végétation et peuplé de villages aux nombreux clochers. Les figures des rois et de la famille sont représentées avec des lignes délicates, des couleurs vives mais nuancées, et des détails précis. De plus, dans le coin droit de la scène apparaît un personnage émacié, pauvre et indistinct, un mendiant qui, caché dans l'ombre du palais, s'incline pour rendre hommage à l'enfant Jésus, à l'égal des rois riches et puissants dans son humble dévotion. Au dos de la toile, on observe de légères restaurations. Une légère coupure est visible en bas à droite. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Jésus sur le Chemin du Calvaire

Huile sur toile. L'œuvre est une réplique de celle exécutée par Pierre Mignard et offerte à Louis XIV, aujourd'hui conservée au musée du Louvre à Paris. La scène dramatique se déroule aux portes de Jérusalem ; un cortège accompagne Jésus dans sa montée au Calvaire, que l'on aperçoit à l'arrière-plan à droite, avec les croix des deux brigands déjà dressées. La Croix du Christ est portée par Simon de Cyrène, contraint par les gardes après la énième chute de Jésus, qui est brutalement sommé de se relever à coups de fouet. Devant le Christ marchent les deux brigands ligotés, accompagnés de quelques serviteurs ; à gauche, le groupe de femmes pieuses qui accompagnent et soutiennent Marie, le cœur brisé par le chagrin. À droite, contrastent avec ce groupe, un autre groupe de femmes du peuple qui observent la scène dans une attitude de piété compatissante, détournant le regard de leurs enfants du terrible spectacle. Le paysage en arrière-plan est rude et aride, sous un ciel chargé de nuages ​​gris et sombres. L'œuvre a été restaurée et rentoilée au milieu des années 1900, puis montée sur un nouveau cadre. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

La Cène 1962

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Au dos figure une prière manuscrite et signée à Jésus en portugais par l'artiste. Malangatana était un artiste mozambicain (poète, peintre, musicien) et un militant politique pour son pays. L'œuvre appartient à la première période artistique de Malangatana, dont l'engagement politique n'était pas encore évident, et reprend le thème de la Cène, qu'il avait déjà abordé à d'autres occasions au cours de la même période. Dans ce sujet religieux, Malangatana révèle clairement sa proximité avec la culture rituelle et tribale de son pays, mais aussi sa connaissance de la religion et de l'art occidental, tant dans la composition des personnages qui s'inspirent de sujets occidentaux similaires, que dans la composition des objets, notamment les nombreux éléments variés qui garnissent la table, avec une corbeille de fruits au centre, qui rappellent nos natures mortes. Ses figures se présentent comme des corps superposés et entrelacés, et dominés par des visages, dans lesquels se détachent de longs yeux, aux expressions pénétrantes, qui deviendront ensuite des regards tourmentés et souffrants, symbole de la souffrance d'un peuple opprimé.

Scène de Bataille, 1871

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. Le peintre suisse Charles Humbert a principalement créé des paysages animés de troupeaux au pâturage, mais aussi plusieurs scènes de bataille, caractérisées toutefois par un maniérisme réaliste, grâce à l'étude minutieuse du détail véridique inséré dans une vision d'ensemble encore romantique. L';œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Colombes 1976

Crayons sur papier. Signé et daté en bas à gauche. Floriano Bodini, sculpteur, graveur et médailleur de renom, considéré comme l'une des figures emblématiques du réalisme existentiel, s'est également consacré au graphisme tout au long de sa carrière. Sa production présente des sujets récurrents – évêques, cardinaux, requiems, papes, colombes, ambons – qui expriment la pensée, l'inquiétude, parfois l'anxiété, mais aussi la confiance et la foi. La colombe, en particulier, a représenté pour Bodini un élément iconographique constant de sa recherche artistique, un thème présent dans toute sa production, non seulement graphique, depuis la fin des années 1960, jusqu'au dernier exemple daté de 2004, considéré comme sa dernière œuvre gravée. L'intérêt pour cette image est confirmé, entre autres, par sa collection d'objets représentant des colombes ou dont ils rappellent la forme. Fruit d'une recherche riche en stimuli provenant de sources diverses, tant culturelles que populaires, le choix de cette image n'a jamais été banalisé, mais a toujours conservé sa haute dignité symbolique et formelle. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre.

Huile sur panneau. École d'Europe centrale du milieu du XIXe siècle. L'œuvre s'inspire de celle de Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712-1774), aujourd'hui conservée à la National Gallery de Londres. Créée en 1745, elle s'inspire des méthodes picturales du flamand Adriaen Van Ostade, peintre de scènes de la vie quotidienne. Le tableau de Dietrich est devenu célèbre grâce à une gravure de Jean George Wille. Dans la scène, encadrée sous une arche menant à une maison, deux musiciens de rue sont représentés au premier plan, jouant du violon et de la cornemuse, accompagnés de plusieurs passants curieux. L'œuvre est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord des XVIIe et XVIIIe siècles. La célèbre scène biblique de la querelle entre les deux frères, fils d'Adam et Ève, qui mène au fratricide d'Abel aux mains de Caïn, est représentée ici dans un paysage italien luxuriant, agrémenté de deux feux particuliers. De part et d'autre des deux personnages, qui occupent le centre de la scène, se trouvent deux bûchers sacrificiels où brûle un feu ardent : tandis que celui d'Abel, à gauche, s'élève une haute fumée, aspirée par les nuages ​​qui le surplombent, indiquant que Dieu a accepté ce sacrifice, celui de Caïn, au contraire, est bas, presque écrasé sur les braises, et aucune fumée ne s'en échappe, signe que Dieu le rejette. Même la couleur rouge de la tunique d'Abel vise à souligner sa valeur sacrificielle, son martyre. Le tableau a besoin d'être nettoyé. Dans un cadre d'époque.

Sant'Ilario 1945

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Titre au dos du cadre. Le peintre Mario Guerzoni s'est distingué comme paysagiste, proposant des aperçus de différentes régions d'Italie, souvent des vues côtières. Sant'Ilario est situé sur la Riviera di Levante, dans le Golfo Paradiso, sur les pentes des Apennins ligures. Encadré.

Copie par Luca Longhi

Huile sur toile. Le groupe de personnages qui remplit toute la scène est composé de quatre figures entrelacées : la Sainte Famille, c'est-à-dire Marie, tenant l'Enfant Jésus dans ses bras et, derrière eux, saint Joseph ; agenouillée devant l'Enfant, la palme du martyre à la main, la couronne de son rang de princesse sur la tête et la roue avec laquelle elle fut martyrisée sous le bras, sainte Catherine d'Alexandrie, à qui Jésus passe l'anneau des noces mystiques. Le tableau est inspiré, avec quelques détails et des couleurs différentes, d'une œuvre similaire conservée au musée du Louvre et attribuée à Longhi. Le tableau a déjà été restauré et rentoilé par le passé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans un paysage italien, la scène est centrée sur un groupe de personnes du peuple qui tentent de fuir la ville assiégée et incendiée, transportant leurs marchandises sur une charrette et menant le petit troupeau. Cependant, un petit groupe de soldats ennemis les poursuit et tente de les arrêter, armes au poing. Au dos du cadre, une inscription au crayon attribue l'œuvre à Jan Both (1618-1652), peintre hollandais surtout connu pour ses paysages italiens, souvent animés de personnages. Le tableau a été restauré et rentoilé par le passé. Il nécessite actuellement un nettoyage. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans cette Sainte Famille, la figure centrale est Marie : assise au centre de la scène, elle tourne le visage vers sa gauche, vers Joseph, écoutant avec attention et concentration ce que son compagnon lui lit dans un livre. Pendant ce temps, les bras de la femme enveloppent tendrement d'un linge l'enfant Jésus, qui dort paisiblement dans le berceau, à la droite de sa mère. Le visage de l'Enfant est également illuminé et rayonne de sa lumière vers sa Mère. À l'arrière-plan, un paysage italien. Les personnages paraissent harmonieux et équilibrés dans les mouvements de leurs corps, et l'ensemble de la scène dégage une tranquillité et une sérénité domestique, très terrestres. Le tableau a été rentoilé au début du XXe siècle. Des traces de déchirures et de légères pertes de couleur sont visibles. Il est présenté dans un cadre doré du début du XXe siècle (perte de dorure).

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Au dos figure un cartouche manuscrit, daté de mai 1835, indiquant plusieurs familles importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) du nord de l'Italie, probablement propriétaires de l'œuvre. Le tableau représente un paysage nordique, une campagne plutôt aride, traversée par un cours d'eau ; un sentier, emprunté par des voyageurs, mène au village au pied de la colline. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque, présentant plusieurs manques.

Huile sur toile. Elle représente un paysage luxuriant, agrémenté d'arbres au feuillage touffu et traversé par un cours d'eau torrentueux. À l'arrière-plan, on aperçoit des fermes et des troupeaux dans la campagne. Au dos, un ancien cartouche porte la mention « flamand » et un prix en lires. Restaurée et rentoilée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Un nom indéchiffrable apparaît en haut à gauche. Le portrait représente une jeune femme, probablement en deuil, en raison de sa robe sombre et de son expression affligée, bien que très jeune. Son visage pâle se détache du fond sombre, où ses cheveux, ses épaules et sa robe s'estompent. La toile est présentée dans un cadre doré de la première moitié du XXe siècle.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord du XVIIIe siècle. Près d'un petit groupe de bâtiments, le long du chemin de terre, se déroule une scène de la vie populaire, animée par divers personnages : au premier plan à droite, deux chasseurs offrent leur proie et des fruits à une femme enceinte, qui voyage à cheval accompagnée de son compagnon ; à l'arrière-plan, deux femmes assises par terre se reposent avec leurs enfants, l'une des deux allaitant ; et à nouveau des groupes de personnes discutent, tandis que d'autres grimpent sur les meules de foin couvertes sous la grange. Les personnages se distinguent par les couleurs vives de leurs vêtements sur un fond presque monochrome aux tons terreux, les bâtiments se fondant dans le paysage plat et aride. Le tableau, toujours sur la première toile, présente une petite déchirure au dos. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage avec Figures et Four à Pain

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. La vue de paysage montre au premier plan un chemin de montagne qui mène à un four à pain, où une femme prépare des fagots de bois pour le feu, tandis qu'un voyageur s'approche à dos d'âne ; dans la vallée le viaduc sur la rivière qui mène au village, surmonté d'autres pics arides. Micheroux, appartenant à l'école Posillipo, ou à l'école d'artistes napolitains du XIXe siècle dédiée à la peinture de paysage, a créé plusieurs aperçus de l'arrière-pays de la Campanie, mais il reste peu de sa production et on sait peu de choses sur sa vie. La peinture a quelques petites gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIIIe siècle. Au dos figure un cartouche manuscrit, daté de mai 1835, indiquant plusieurs familles importantes (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) du nord de l'Italie, probablement propriétaires de l'œuvre. Le tableau représente un paysage nordique, avec des pics rocheux visibles à gauche, dans lesquels s'insèrent des ruines architecturales, et des figures de voyageurs passant à proximité. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.