PEINTURES DU 19e SIECLE

Huile sur toile. Signée en bas à gauche « Baldasar ». La vue représente un paysage évoquant l'Égypte : au premier plan, un cours d'eau, une large rivière où sont amarrées de petites barques ; le long de la rive, des femmes voilées, coiffées d'outres, marchent ; des palmiers ombragent les maisons riveraines et, à l'arrière-plan, au-delà des champs cultivés, se dressent plusieurs pyramides. Le coucher de soleil, aux teintes rosées, crée un effet suggestif en se reflétant sur l'eau. Le tableau est présenté sous cadre guilloché.

Huile sur toile. Signature et date (1892) non identifiées en bas à droite. Portrait d'une dame d'âge mûr à l'air sévère, vêtue de sa robe de ville, charmante avec son nœud et ses ornements roses. Présentée dans un cadre du début du XXe siècle. Provenant de la collection de la société Campari.

Fille à la Fleur

Huile sur toile. Signée au centre (le long de l'encolure de la robe de la jeune fille). Provenant de la collection de la maison Campari. Figure majeure du mouvement lombard de la Scapigliatura, Conconi développa un langage raffiné et expérimental, poussant à l'extrême les recherches de Cremona et Ranzoni, qu'il réinterpréta plus tard dans une veine symboliste-divisionniste. Il réalisa plusieurs portraits, où l'influence de Tranquillo Cremona est manifeste, tout en révélant son originalité dans les scènes de genre, les paysages et les constructions oniriques et fantastiques. Le tableau est présenté dans un cadre de la première moitié du XXe siècle.

Huile sur toile. École napolitaine, fin XIXe-début XXe siècle. La scène, située près d'un puits sur une place en terrasses dominant le golfe de Naples, avec le Vésuve fumant en arrière-plan, représente un groupe de femmes en costume traditionnel partageant un moment convivial, jouant et dansant la tarentelle. Vivante et colorée, elle dépeint un épisode de la vie populaire napolitaine, un sujet très apprécié. Le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Paysage de montagne

Huile sur toile. Signature et date (mal lisible, 18…) en bas à droite. Ernst Gustav Doerell se consacra à la peinture de paysage, privilégiant particulièrement les aperçus des montagnes de Bohême où il résidait. Son œuvre se caractérise par des vues détaillées et précises, capturant avec réalisme le jeu de lumière qui adoucit les couleurs de la nature. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Visage Féminin

Technique mixte sur carton. Signé en bas à gauche. Antonio Mancini, peintre d'inspiration réaliste, fut formé à l'école napolitaine de Morelli et Palizzi, puis à Paris. Il se consacra principalement au portrait et aux scènes de genre à caractère populaire ou anecdotique. Initialement proche du naturalisme du XIXe siècle, ce qui l'amena à représenter des figures populaires empreintes de tristesse (ses gamins des rues), il commença ensuite à expérimenter différentes techniques. Il utilisa des éclats de lumière vifs, appliqués sur la toile en touches de couleurs intenses et en coulures vibrantes, allant jusqu'à employer des matériaux non picturaux, comme le vitrail, et à représenter des figures agitées, parfois sous des déguisements imaginatifs, expression de sa profonde détresse psychologique. Dans ce dessin, probablement une esquisse préparatoire, le visage féminin n'est pas mis en valeur par ses traits physionomiques, mais plutôt par la personnalité explosive du corps de la femme, dont le buste semble s'élever dans une torsion latérale, émergeant des contours flous et indéfinis qui l'entourent. Cette œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École lombarde, XIXe siècle. Le modèle est Angiola De Filippi Polli, épouse de Giuseppe Antonio Polli (1770-1837), un gentilhomme originaire d'Oggebbio (Verbanie). Orphelin à l'âge de 10 ans, il s'installe à Milan, où sa famille réside pendant des décennies, participant activement à la vie de la ville. Le tableau est probablement inspiré d'une œuvre identique d'Eliseo Sala. La toile a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École lombarde, XIXe siècle. Le modèle est Giuseppe Antonio Polli (1770-1837), un gentilhomme originaire d'Oggebbio (Verbanie). Orphelin à l'âge de 10 ans, il s'installe à Milan, où sa famille réside pendant des décennies, participant activement à la vie de la ville. Le tableau est probablement inspiré d'une œuvre identique d'Eliseo Sala. La toile a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Seconde moitié du XIXe siècle. À droite figurent le monogramme GD et la date « 75 ». Au dos, une note manuscrite identifie le modèle comme étant Lorenzo Bonisconti, et une étiquette indique que l’œuvre a été restaurée en 1991. Le tableau est présenté dans un cadre ancien modifié.

Huile sur toile. Seconde moitié du XIXe siècle. À gauche, le monogramme GD et la date 1875. Au dos, une note manuscrite identifie le modèle comme étant Maria Guarnero, épouse de Lorenzo Bonisconti (dont le portrait est publié). Le tableau est présenté dans un cadre ancien modifié.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Portrait à l'huile sur panneau d'une jeune femme du XVIe siècle, exécuté selon une technique picturale inspirée des portraits vénitiens de cette époque. La figure féminine, vêtue d'une robe au décolleté plongeant dévoilant une épaule, est représentée de dos, le visage tourné vers le spectateur dans une pose étudiée. Sa coiffe est ornée de perles et de plumes, éléments décoratifs typiques de l'époque. La composition allie les caractéristiques propres au portrait et l'idéal de beauté, conformément à la tradition artistique du temps. L'œuvre est encadrée d'un cadre contemporain.

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.

Detrémpe sur panneau. L'icône, propre au culte orthodoxe éthiopien et copte, présente au centre les figures de Marie avec l'Enfant Jésus dans ses bras, flanquées de deux anges avec épée. Autour, dans neuf panneaux séparés, quelques figures de Saints (Saint Georges en bas au centre) et d'autres anges ; en haut au centre, Dieu le Père en trois figures identiques, soit la représentation traditionnelle de la Sainte Trinité, et aux coins du panneau les quatre figures symboliques des évangélistes. Le panneau présente de petites pertes de couleur.

Portrait Féminin

Huile sur toile, signée en bas à droite par l'artiste milanais Roberto Fontana, connu pour avoir débuté sa carrière dans le romantisme historique avant de s'établir comme peintre de genre. Le portrait d'une jeune femme présente une silhouette élégante se détachant sur un fond sombre, mettant en valeur un visage expressif et lumineux. La lumière se diffuse autour d'elle, accentuée par le teint rosé qui transparaît à travers la dentelle raffinée de sa robe noire, conférant une luminosité supplémentaire au portrait. Influencé par le mouvement Scapigliatura et le luminisme subtil de Tranquillo Cremona, Fontana parvient à saisir la délicatesse du détail dans une œuvre qui allie technique et sensibilité. L'œuvre est encadrée dans le style de l'époque.

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.

La vision d'Ézéchiel, 1825

Gravure de Paolo Caronni représentant la « Vision d'Ézéchiel », d'après le tableau éponyme de Raphaël, exécuté entre 1516 et 1518. L'œuvre dépeint l'apparition de Dieu dans le ciel, telle que narrée dans le livre biblique d'Ézéchiel, entouré de deux chérubins et soutenu par les quatre figures du tétramorphe, symbolisant les quatre évangélistes : l'ange de saint Matthieu, le lion de saint Marc, le taureau ailé de saint Luc et l'aigle de saint Jean. En bas, une figure baignée d'un rayon de lumière symbolise Ézéchiel. La gravure porte la signature du graveur Paolo Caronni en bas à droite. Au centre figure le nom de Vincenzo Raggio, dessinateur réputé pour sa maîtrise du clair-obscur et la reproduction fidèle de l'iconographie de la Renaissance. La gravure est présentée dans un cadre en bois du XIXe siècle, dont la dorure est légèrement usée.

Portrait Féminin

Huile sur toile. Signé à droite, au milieu de la toile. C'est le portrait d'une femme en deuil, une jeune veuve, comme on peut le déduire, non seulement de la robe noire, mais plutôt de la coiffe et surtout du camée à portrait masculin, qu'elle porte pendu autour du cou. Achille Zo était un artiste français (originaire de Bayonne, ville des Pyrénées qui a subi l'influence culturelle du Pays basque), qui, bien qu'il ait séjourné à plusieurs reprises à Paris et à Bordeaux, où il s'est formé artistiquement, a ensuite effectué plusieurs voyages en Espagne, tous deux à Madrid (en 1856) et en Andalousie (1860), produisant pendant plusieurs années des œuvres sur des sujets historiques ou sur des scènes de genre espagnoles. À la fin des années 1960, il se tourne vers l’orientalisme. Il y a également plusieurs portraits dans sa production. Le tableau proposé ici, sur la première toile, est présenté dans un bel encadrement contemporain de la seconde moitié du XIXème siècle.

Aperçu de Corfou avec petite Église et Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Aperçu de Corfou avec Moine

Aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Angelos Giallinas, né à Corfou, s'est distingué par ses nombreuses vues de son île natale, même si sa production paysagère comprend des aperçus de la Grèce, d'autres îles grecques, de villes italiennes et orientales. Ses vues à l'aquarelle sont empreintes d'une atmosphère suspendue et voilée. Le tableau présente des rayures mineures. Dans le cadre.

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. Il s'agit d'une copie de l'autoportrait peint par le célèbre peintre néerlandais vers 1639, conservé au Louvre à Paris. Le verso présente des réparations. L'œuvre est présentée dans un cadre doré d'époque.

Déjeuner en Famille 1802

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Scène de genre de goût populaire, elle met en scène une famille bourgeoise qui se prépare à déjeuner : le père, déjà assis à table, s'apprête à bénir le repas, tandis que sa femme et son fils, debout, suivent la prière. On sait peu de choses sur Charles Christophe Coventry, un peintre anglais dont on ne connaît que des scènes de genre se déroulant dans des décors populaires, comme celle-ci. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Paysage de Montagne avec Vaches

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. L'œuvre de Giuseppe Buscaglione, principalement composée de paysages, se caractérise par une attention particulière portée à la lumière et à la couleur, minutieusement étudiées d'après nature, avec une attention particulière aux variations atmosphériques et temporelles de la nature. À l'instar de son maître, Delleani, il notait même au dos de ses toiles le lieu, la date et les conditions météorologiques de leur création. Ce paysage de montagne (probablement des Alpes piémontaises, sa région natale) représente une vallée verdoyante où paissent des vaches et des sapins, sous un ciel gris et nuageux. Le tableau est présenté dans un cadre en plâtre du début du XXe siècle (légères craquelures).

Huile sur toile. École anglaise, XIXe siècle. Le nom de l'artiste est inscrit au crayon au dos, mais il est illisible. Un ruisseau coule impétueux à travers une lande de rochers et d'arbustes ; à l'arrière-plan se dresse un relief montagneux avec un sommet enneigé (et peut-être un cratère ?). La toile présente de légères lacunes picturales. Encadrée dans un cadre d'époque.