PEINTURE ANCIENNE

Trinité

Huile sur toile. L'original, peint en 1592 et exposé dans la chapelle Risaliti de Santa Croce à Florence, connut un immense succès, à tel point que de nombreuses copies furent réalisées, y compris des copies postérieures et non autographes. Cette version du XVIIIe siècle, d'une facture remarquable, est de plus petit format, probablement destinée à la dévotion personnelle dans une chapelle privée. L'œuvre représente la Trinité en gloire : le Père soutient le corps sans vie du Fils, au-dessus duquel plane le Saint-Esprit ; entourés d'anges et d'archanges, et à ses pieds, encore enfouis dans la terre, sont représentés les instruments de torture et de mort sur la croix. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, richement orné de motifs floraux (le décor en haut à gauche est manquant).

Huile sur toile. École lombarde, XVIIIe siècle. La composition, sur fond sombre, représente une large branche chargée de grappes de raisin tombant sur un vase de fleurs colorées et d'autres fruits – figues et pommes – posés au sol. Deux petits oiseaux sont perchés sur la branche. Restaurée et rentoilée, la toile est présentée dans un cadre en bois de la fin du XIXe siècle.

XVIIIe siècle

Huile sur toile. École émilienne, XVIIIe siècle. Grande composition de fruits variés : pêches, poires, cerises, grenades et raisins, parmi lesquels se mêlent un gros chou, une grappe de tubercules et quelques œillets. À gauche, deux bocaux en verre contiennent des confitures. La composition déborde d'une bassine en bois posée sur une table, dans un décor extérieur, avec des cimes d'arbres et des buissons en arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre doré d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Vièrge Marie avec Enfant

Huile sur toile. Cette œuvre est une réinterprétation du célèbre tableau de Francesco Trevisani, conservé à la Galleria Nazionale d'Arte Antica du Palazzo Barberini. Dans cette variante, de petites images ont été ajoutées en bas à droite et à gauche. La Vierge est représentée dans un double geste : d'un bras, elle soutient tendrement l'Enfant Jésus endormi, appuyé contre elle, sa main posée sur une pomme rouge, symbole de salut (la pomme rappelant le péché originel) ; de l'autre main, Marie tient un livre, probablement un livre de prières, qu'elle lit avec intensité et une grande concentration. Ainsi, les dimensions humaine, charnelle et spirituelle de Marie sont toutes deux représentées. Ayant fait l'objet d'une restauration et d'un rentoilage, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur panneau. Ce tableau est une réinterprétation d'une maquette de Michelangelo Merisi, dit Caravage, conservée aux musées du Capitole. Saint Jean-Baptiste était un sujet récurrent dans l'œuvre de Michel-Ange, souvent représenté enfant ou jeune homme, mais aussi adulte. Ici, Jean est encore un enfant, souriant sereinement et amusé, ignorant tout de son destin, jouant avec l'agneau, symbole iconographique du sacrifice et du martyre. Au revers du panneau figure un cachet de cire provenant d'une ancienne collection.

Copie de Sassoferrato

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'une Vierge en prière peinte par Giovan Battista Salvi, dit Sassoferrato, célèbre pour ce type de représentation de Marie, figurée dans une pose méditative, les mains jointes et la tête inclinée. Le tableau a été restauré et rentoilé, et est désormais présenté dans un cadre rectangulaire doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Paysage traditionnel à la végétation dense, avec un ruisseau en bas à gauche, bordé de sentiers où passent plusieurs personnages, dont celui au premier plan, vêtu en soldat romain, qui semble s'être séparé du groupe en retraite au centre. Restaurée et rentoilée (nouveau châssis), la toile présente de légers dommages à droite. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle, récemment remis en place.

Huile sur toile. École vénitienne, milieu du XVIIIe siècle. L'œuvre reflète le style pictural de Marco Ricci (1676-1730), spécialiste des grands paysages, souvent à des fins scénographiques. Elle pourrait être attribuée à l'un de ses élèves. Le vaste paysage, encadré par deux groupes d'arbres presque symétriques, présente une longue chaîne de montagnes à gauche et une large rivière à droite, prenant sa source dans un lac et traversant la campagne. Au premier plan, une lavandière est absorbée par sa tâche tandis que deux cavaliers passent sur le chemin. Le tableau a été restauré et rentoilé au milieu du XXe siècle ; il présente actuellement des lacunes et des taches. Il est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École napolitaine, XVIIIe siècle. L'œuvre s'inspire d'une copie de Francesco Solimena, maintes fois reproduite au fil des siècles, d'abord par son propre atelier, puis par d'autres artistes anonymes. Cette copie, cependant, est présentée en miroir par rapport à l'original, sur une toile rectangulaire, bien qu'inscrite dans un ovale comme l'original. La représentation allégorique du continent américain est généralement celle d'une femme, nue ou semi-nue, armée d'un arc et de flèches, coiffée d'une couronne de plumes exotiques, flanquée d'un animal exotique, ici un perroquet, en train de maîtriser un homme gisant au sol, probablement un indigène. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIIe siècle. Paysage d'Italie centrale, avec une plaine cultivée traversée par un ruisseau, lui-même franchi par un petit pont sur lequel passe un homme du peuple. Le tableau a été restauré et rentoilé dans la première moitié du XXe siècle ; il nécessite actuellement un nettoyage. Il est présenté dans un cadre ancien assemblé, dont plusieurs parties sont manquantes.

Huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. Portrait traditionnel d'un gentilhomme, portant une perruque et une cape de velours flottante. L'œuvre est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École émilienne du XVIIe siècle. Représentation traditionnelle de la Sainte Famille, à mi-corps au premier plan, avec l'Enfant Jésus tétant sa mère, le regard tourné vers le spectateur, signe qu'il est déjà tourné vers l'avenir. Marie et Joseph contemplent tendrement l'Enfant, tandis que son père présumé se tient à l'arrière-plan, dans l'ombre, afin de ne pas détourner l'attention des deux autres figures centrales. Restaurée et rentoilée, la toile est en bon état et présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur panneau. École toscane-émilienne, fin XVe-début XVIe siècle. La Vierge est représentée assise sur un trône, tenant l'Enfant dans ses bras et flanquée de deux anges ; les personnages sont placés sous un dais, soulignant leur statut royal. Un monogramme au dos, identifiant probablement l'artiste, est présent. Le panneau présente des lacunes picturales et des dommages au bois. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École toscane, XVIIe siècle. Sainte Catherine est vêtue de l'habit dominicain traditionnel, coiffée d'une couronne d'épines. À ses pieds, on trouve un lys, un crâne et un livre de prières. Inconsciente en extase mystique, elle est soutenue par deux anges tandis que Jésus lui prend le cœur, symbolisant son dévouement absolu au Christ. Bien que la scène soit représentée en extérieur, une imposante structure baroque se dessine à l'arrière-plan, évoquant le temple comme lieu de prière. L'extase mystique de sainte Catherine a été largement représentée : cette version est inspirée d'une œuvre de Francesco Vanini (1563-1610), dont plusieurs copies anciennes sont connues. L'œuvre, sur sa toile d'origine et rehaussée de petites touches de couleur sur les bords, est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Au dos, une inscription au crayon identifie le peintre représenté : « Joseph Moreno espagnol 1662 ». Le visage, encadré d’un ovale, est accompagné à sa base d’une palette, de pinceaux et d’une toile, indiquant la profession de l’homme. Le tableau est présenté dans un cadre doré d’époque.

Huile sur toile. École toscane du XVIIe siècle. Le mythe grec raconte comment Zeus se métamorphose en cygne pour séduire Léda, reine de Sparte. Thème récurrent en peinture, ce tableau met en scène les corps blancs de l'oiseau et de la femme nue, déjà enlacés, se détachant sur le fond obscur de la pièce. Dans le coin supérieur droit, un chérubin ailé, armé d'un arc et de flèches, se voile les yeux pour ne pas être témoin de cette étreinte passionnée. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur tôle, marouflée sur panneau de bois. École d'Europe centrale, XVIIe-XVIIIe siècle. Sur cette scène, une riche dame, aidée de ses suivantes, lave les pieds d'un vieillard sous le regard étonné de plusieurs autres messieurs. Il ne s'agit pas du lavement des pieds traditionnel des Évangéliques, connu sous le nom d'onction de Béthanie, car l'âge de l'homme lavé ne fait pas référence à Jésus, mais le geste accompli revêt la même signification. Le lavement des pieds est un acte de service et d'humilité, un acte de soumission servile qui, à l'instar de Jésus lors de la Cène (mais aussi de Marie-Madeleine à Béthanie !), a pris un sens d'amour et de respect. Cette scène pourrait faire allusion à un épisode historico-littéraire non identifié.

Huile sur toile. La noble dame est richement vêtue d'une robe du soir en velours sombre à volants blancs, ornée d'empiècements de perles, et d'un manteau de satin rouge délicatement drapé sur ses épaules ; elle tient un éventail. Le tableau a été restauré et rentoilé dans la première moitié du XXe siècle : on observe actuellement de légères pertes de couleur. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Dans le Style de Jakob Ferdinand Voet

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire du style popularisé en Europe par Jakob Ferdinand Voet, peintre flamand reconnu comme portraitiste et ayant connu un grand succès auprès des artistes de son époque et des périodes suivantes. Ses portraits en buste concentrent toute l'attention sur le sujet, qui se détache sur un fond sombre et neutre. Le portrait d'un gentilhomme présenté ici a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre d'époque.

Dans le goût de Jakob Ferdinand Voet

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire du style popularisé en Europe par Jakob Ferdinand Voet, peintre flamand reconnu comme portraitiste et ayant connu un grand succès auprès des artistes de son époque et des périodes suivantes. Ses portraits en buste concentrent toute l'attention sur le sujet, qui se détache sur un fond sombre et neutre. Le portrait d'un homme présenté ici a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien sur mesure.

Dans le Style de Jakob Ferdinand Voet

Huile sur toile. Cette œuvre reflète le style popularisé à travers l'Europe par Jakob Ferdinand Voet, peintre flamand qui s'est imposé comme portraitiste et a connu un grand succès auprès des artistes de son époque et des périodes suivantes. Ses portraits en buste concentrent toute l'attention sur le sujet, qui se détache sur un fond sombre et neutre. Le portrait de dame présenté ici a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre d'époque.

Dans le goût de Jakob Ferdinand Voet

Huile sur toile. L'œuvre s'inspire du style popularisé en Europe par Jakob Ferdinand Voet, peintre flamand reconnu comme portraitiste et ayant connu un grand succès auprès des artistes de son époque et des périodes suivantes. Ses portraits en buste concentrent toute l'attention sur le sujet, qui se détache sur un fond sombre et neutre. Le portrait de dame présenté ici a été restauré et rentoilé. Il est encadré dans un cadre ancien spécialement adapté.