PEINTURE ANCIENNE

Huile sur panneau de noyer. Le tableau s'inspire des modèles toscans du début du XVIe siècle (par exemple, le style pictural de Domenico Puligo), mais il s'agit d'une production légèrement ultérieure et d'une main plus faible, typique de la production « périphérique ». Le sujet, absolument traditionnel, représente la Madone allaitant l'Enfant Jésus, encadrée par un rideau ; l'enfant, tétant le sein de sa mère, regarde vers le spectateur, tandis que la mère contemple tendrement son fils. Le monogramme CP figure au dos du panneau, indiquant probablement l'artiste. Le panneau présente plusieurs petites chutes de peinture.

Huile sur toile, appliquée sur panneau dur dans la seconde moitié des années 1900. La peinture reprend les voies picturales du XVIIIe siècle, avec une découpe décorative. Dans un paysage paisible, avec une structure architecturale sur la droite et la vallée verdoyante avec la rivière qui s'ouvre sur la gauche, deux personnages marchent le long du chemin, une femme avec son paquet de vêtements et le voyageur avec une sacoche et un bâton. L'œuvre est présentée sous forme de chronique.

Huile sur toile. La scène exprime magnifiquement le pathétique dramatique d'un naufrage : sous un ciel chargé de nuages sombres, une petite embarcation coule au large, tandis que la famille du pêcheur se réfugie sur le rivage rocheux, où s'écrasent des vagues blanches et écumantes. L'œuvre est présentée dans un cadre doré contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. L'aperçu côtier, près d'une crique rocheuse où coulent des eaux torrentielles, voit des personnages au débarcadère des navires, prêts à accueillir les bateaux qui s'approchent ; au loin le profil de la ville. Restauré et rentoilé, le tableau présente des salissures généralisées notamment en correspondance avec le ciel. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Le paysage, situé sur les rives d'une large rivière, voit au centre des figures de paysans occupés à cueillir des fruits sur un arbre : une fille tient l'échelle tandis que le garçon coupe un régime, à gauche un autre couple place les fruits ramassés dans une baignoire. Tout autour une vaste campagne verdoyante et quelques mas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

L'Adoration des Bergers

Huile sur toile. Composition reprise à plusieurs reprises par les disciples et élèves de l'école de Bassano, notamment par Jacopo Bassano (1515-1592). Dans la scène originale, reproduite ici avec fidélité à la composition des personnages, mais sans les couleurs, Bassano avait abordé le thème en respectant la tradition tout en y apportant des innovations. En effet, les ruines archéologiques, un élément fréquent de l'iconographie italienne de la Nativité, servent de toile de fond à ce tableau. On y voit une rangée de colonnes brisées sur un haut piédestal, sur le modèle des temples grecs, contre lequel s'appuie une cabane. Cette structure architecturale inhabituelle symbolise la victoire sur le paganisme et la construction de l'Église chrétienne, dont la naissance de Jésus est le premier acte fondateur. Les bergers occupent le centre de la scène, et sans le côté gauche du tableau, on pourrait croire à une scène de genre à caractère rural. Le berger, vu de dos, est agenouillé, pieds nus, rappel de son extrême humilité, et tient un agneau, animal sacrificiel par excellence, en référence à la future Passion du Christ. À l'extrême droite, un curieux insert : un garçon accroupi souffle sur une braise ardente, cherchant vainement à raviver une flamme. Dans cette réplique, les couleurs jaune et rouge des robes des deux bergers au centre et du garçon à droite ressortent, dominant avec vivacité même les figures de la Sainte Famille et se détachant sur les teintes ocres du paysage et des structures architecturales à l'arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé au XIXe siècle, avec remplacement du cadre (sur lequel figurent des inscriptions contemporaines en anglais, probablement des adresses d'exportation). Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord du XVIIIe siècle. Près d'un petit groupe de bâtiments, le long du chemin de terre, se déroule une scène de la vie populaire, animée par divers personnages : au premier plan à droite, deux chasseurs offrent leur proie et des fruits à une femme enceinte, qui voyage à cheval accompagnée de son compagnon ; à l'arrière-plan, deux femmes assises par terre se reposent avec leurs enfants, l'une des deux allaitant ; et à nouveau des groupes de personnes discutent, tandis que d'autres grimpent sur les meules de foin couvertes sous la grange. Les personnages se distinguent par les couleurs vives de leurs vêtements sur un fond presque monochrome aux tons terreux, les bâtiments se fondant dans le paysage plat et aride. Le tableau, toujours sur la première toile, présente une petite déchirure au dos. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Le paysage d'une campagne luxuriante, avec en arrière-plan une chaîne de montagnes aux pics acérés, est animé par la présence de trois blanchisseuses se rendant à la rivière avec des brouettes chargées de vêtements, tandis qu'un voyageur traverse le petit pont qui enjambe le ruisseau. L'œuvre est exécutée dans le style d'Antonio Peruzzini (1650-1724), probablement par l'un de ses élèves ou disciples. Peruzzini fut une figure clé de la peinture de paysage des XVIIe et XVIIIe siècles. Il partit d'une expression du XVIIe siècle pour aboutir à une interprétation du mouvement et de la couleur typiques du rococo, utilisant des tons plus clairs et plus vifs et insufflant une certaine vitalité à ses peintures. L'utilisation de la couleur est particulière, notamment dans les hachures des figures humaines, soulignées par d'épais coups de pinceau, qui les font émerger du paysage au premier plan. Le tableau, restauré et rentoilé par le passé, est actuellement en bon état. Il est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Le vaste paysage nordique, riche en végétation, est traversé par un petit ruisseau, le long duquel, au premier plan, un troupeau de vaches s'abreuve ; en particulier, le berger, agenouillé sur la berge, récite une prière ; deux autres voyageurs non loin l'observent. Au dos, un cartouche de collection et la mention « Allemand » manuscrite sur le cadre, probablement pour indiquer la provenance. Le tableau est présenté sur la première toile, avec son cadre d'origine et son cadre contemporain, redorés.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIIe siècle. Grand paysage de collines préalpines, traversé par un ruisseau qui atteint le moulin au premier plan à droite, tandis que de nombreuses figures de gens du peuple animent le chemin qui mène au bâtiment, occupé à diverses occupations ; en particulier, au premier plan au centre, se détachent les deux pêcheurs avec leurs filets. Anciennement attribué à Giuseppe Zais (1709-1784), peintre vénitien devenu célèbre pour ses grands paysages remplis de personnages, caractérisés par une luminosité aérienne et une attention aux détails dans la description de la nature. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début des années 1900.

Huile sur toile. Ecole française du XVIIe siècle. La scène, se déroulant de nuit dans le jardin d'une villa, dont on aperçoit à droite la façade ornée et dans laquelle se détache la fontaine jaillissante d'angelots, sous un ciel sombre et encore obscurci par de gros nuages, propose deux personnages qui s'entretenir en conversation : un vieillard modestement vêtu admoneste sévèrement un jeune homme assis, richement vêtu, qui semble plutôt faire le geste de mea culpa de la main. La physionomie et les gestes des deux personnages, ainsi que le style des vêtements, feraient référence au philosophe Aristote qui fut appelé à la cour de Macédoine pour être le précepteur du jeune Alexandre, le futur roi alors connu sous le nom d'Alexandre le Grand. : d'après ce que raconte Plutarque dans ses « Vies parallèles », le jeune Alexandre fut un élève brillant, à tel point qu'il fut également initié aux doctrines aristotéliciennes les plus profondes et ésotériques, d'où découle l'aura de mystère et d'intériorité profonde qui rayonne dans le travail présenté ici. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre élégant. Le tableau, restauré

Huile sur toile. A l'intérieur d'une auberge, des clients jouent aux cartes : l'homme assis à gauche triche, cachant une carte dans le col de sa veste miteuse, sous le regard amusé de l'aubergiste qui arrive. Les personnages paraissent grotesques, presque caricaturaux ; les couleurs sont principalement terreuses, pour souligner le cadre populaire. Restauré et rentoilé (étiquette du restaurateur datée de 1952 au dos), le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Véronique, personnage qui apparaît lors de la Passion du Christ, était la femme pieuse qui, suivant Jésus dans sa montée au Calvaire avec la croix sur les épaules, lui nettoyait le visage avec un linge : selon la tradition, le visage de Jésus restait imprimé sur le tissu. C'est pourquoi la sainte est représentée iconographiquement en présentant ce tissu, en souvenir du miracle reçu suite à son geste charitable, comme dans ce tableau, où à gauche apparaissent en arrière-plan les trois croix du Golgotha ​​​​​​, vers lesquelles Véronique se tourne, pour se souvenir qu'il a été témoin de la mort de Jésus. Déjà restaurée et rentoilée, probablement à la fin du 19ème siècle - début du 20ème siècle, la toile présente encore de petites gouttes de couleur et des taches. Il est présenté dans un cadre doré ancien.

Huile sur toile. La femme représentée dans la scène remonte à Portia, la noble romaine épouse de Brutus, qui vécut au Ier siècle avant JC : selon la légende, elle se suicida en avalant un charbon brûlant, et c'est à ce moment fatidique qu'elle fut tuée. représenté ici. Le tableau est très proche des méthodes picturales du tableau du même nom de l'école Cignani, attribué à son élève Marcantonio Franceschini et conservé au Palazzo Tozzoni à Imola. La figure de Portia, placée dans un intérieur aux éléments classiques, occupe tout le champ de la scène, et est représentée assise devant le brasier allumé, en train de mettre du charbon dans sa bouche ; son expression révèle la souffrance du geste qu'elle pose, mais aussi sa détermination, le regard qui regarde au loin la place déjà loin de la vie qu'elle quitte. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien du 18ème siècle.

Huile sur toile. École romaine de la seconde moitié du XVIIe siècle. La scène raconte un épisode de l'histoire d'amour entre la reine d'Egypte et le triumvir romain Antoine : Cléopâtre, pour démontrer sa richesse et séduire le beau général, organise un somptueux banquet, au cours duquel elle choisit une perle d'une valeur inestimable et il se dissout. le dans du vinaigre, puis en offrant la boisson, considérée comme un puissant aphrodisiaque, à Antonio. Dans le tableau, la reine s'apprête à mettre la perle dans la coupe : le ruban auquel la perle est attachée est particulier, rappelant celui du tableau du même nom de Carlo Maratta (1625 -1713). Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois de la fin du XIXème siècle.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Première toile et montée sur châssis d'origine. Située dans une prison, la scène présente Saint Ambroise, l'évêque qui dirige vers le ciel celui qui se trouve à sa droite, un soldat avec la Croix autour du cou, identifiable comme Saint Victor, un soldat romain originaire de Mauritanie, qui a servi à Milan au époque de Maximien et qui fut martyrisé pour sa foi chrétienne. C'est l'évêque milanais qui a raconté la vie et le martyre du saint dans un de ses écrits et qui a diffusé son culte. A gauche un autre martyr probable de la foi, qui assiste à la proclamation de béatitude de son compagnon de cellule ; autour, de nombreuses autres figures de condamnés. Le tableau octogonal appartient probablement à une série dédiée au culte du Saint Évêque de Milan. La toile est à restaurer et à nettoyer, présentant plusieurs taches et coupures (une déchirure au centre, d'autres mineures sur les côtés).

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.