PEINTURE ANCIENNE
 

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIème siècle. La grande scène représente l'événement dramatique de la mort de Jésus sur la Croix, avec tous les acteurs qui apparaissent dans l'Évangile, émergeant d'un fond sombre et sombre dans lequel on aperçoit à gauche un soleil terne. Au centre se détache presque seule la grande croix du Christ, occupant la partie supérieure du tableau ; des deux côtés, les croix des deux voleurs crucifiés avec Jésus, celui de gauche, le bon larron racheté, tourné pour regarder et parler au Christ, celui de droite en position frontale, le regard fuyant du centre . Au pied de la Croix, à gauche Marie et le groupe de femmes pieuses derrière elle, à droite l'Apôtre Saint Jean ; tout autour, les prêtres, les accusateurs de Jésus qui se disputent encore entre eux, et au fond tout le peuple. Au premier plan, en bas à gauche, se détache la figure à mi-corps d'un prêtre des temps modernes regardant la Croix les mains jointes, et qui correspond probablement à la personne qui a commandé la toile. La toile a été restaurée, regarnie et posée sur un nouveau châssis. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans le portrait de cette femme qui n'est plus une jeune femme, vêtue d'une austère robe noire qui se fond dans le décor, la dentelle blanche du col et des manches et le ventre amovible, ou plutôt le plastron richement brodé pour simuler un bijou, inventé à la fin du 1960 pour couvrir les décolletés profonds des robes des femmes, suivant l'influence moralisatrice catholique de la cour de France ; la femme exhibe alors un fin bracelet en or à son poignet. Restauré et rentoilé au XIXème siècle, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème-début XXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Saint Jacques d'Alphée, l'un des douze apôtres de Jésus, serait le plus jeune à se distinguer clairement de l'autre apôtre nommé Jacques, dont le père était plutôt Zébédée et qui est traditionnellement appelé Jacques le Majeur. Dans ce tableau, il est représenté selon l'iconographie classique, qui le décrit avec une barbe et des cheveux longs, vêtu d'une tunique et d'un pallium, tenant un long bâton crochu ; son attribut, en effet, est l'instrument avec lequel il a été martyrisé, c'est-à-dire le bâton utilisé pour carder la laine avec une extrémité triangulaire crochue. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre redoré de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Scène prise à l'envers et avec différentes variations dans le fond et dans certains détails, d'après l'œuvre de Pieter Van Avont (1600 -1652), probablement diffusée au travers de gravures. Ce sujet sacré a été largement proposé dans la production picturale, comme emblème de la Famille, modèle fondamental des liens d'affection, d'amour et de compréhension que toute famille humaine est appelée à exprimer. Dans cette représentation transparaissent également la tendresse parentale, les affections de la famille élargie dans la figure du petit cousin Giovanni, les relations sereines entre les enfants, surveillés par les adultes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du XIXème siècle.

Allégorie du Feu avec Jupiter et Sémélé

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène voit au centre, survolant les rochers, un oiseau d'où planent des flammes, représentant allégoriquement l'élément naturel ; sur le côté gauche de la scène se déroule la vie frénétique d'une forge : au premier plan deux hommes avec des paniers pleins de bois, deux autres plus isolés s'apprêtent à discuter avec des putti, devant un autel. Cependant, la partie principale du cadre est occupée par Jupiter et Sémélé : dans la partie supérieure le roi des dieux descend du ciel, recouvert d'une draperie orange flottante, dans ses mains il tient un faisceau d'éclairs et est accompagné de les vents; en bas à droite la princesse, allongée sur un coussin et entourée d'angelots. Le tableau est attribuable à l'atelier de Luca Giordano (1634-1705), vraisemblablement créé dans les années 1680. En fait, notre toile propose à nouveau, bien qu'avec quelques modifications, le même sujet que Giordano avait déjà peint pour le palais de la Zarzuela à Madrid, où elle fut envoyée en 1688 avec d'autres tableaux à sujets mythologiques. Ce sujet a dû être particulièrement apprécié, car on connaît au moins une autre copie de l'atelier, réalisée en contrepartie de celle du palais de Madrid, conservée au musée Casa Martelli de Florence : cette version appartient à une série de peintures de Giordano représentant les quatre éléments, provenant des collections de don Gaspar de Haro y Guzmán, marquis del Carpio et vice-roi de Naples de 1683 à 1687. Par rapport à l'original, notre version présente également des changements : non pas en contrepartie, mais avec le même décor de la scène, cependant, diffère en taille, élargissant légèrement la hauteur de 114 cm de l'original à 125 cm de cette toile, permettant ainsi un cadrage plus large. Cette astuce laisse vraisemblablement supposer que le tableau en question a été réalisé pour un client très spécifique, peut-être italien, et dans les dimensions appropriées au lieu de placement. Un autre changement important peut également être lu comme une demande directe du client, à savoir le fait que la princesse Sémélé est présentée dans une variante plus chaste, non plus presque nue et avec seulement un léger drapé pour la couvrir, mais vêtue d'une tunique et d'un manteau. Par rapport à l'autographe original de Luca Giordano, notre version démontre, malgré la grande qualité picturale, une plus grande ingéniosité et un rendu moins minutieux, ce qui conduit donc à l'attribution à l'atelier. Le tableau présente des signes de restauration et de regarnissage.

Le retour après la chasse

Huile sur toile appliquée au tableau. Ecole nord-européenne du XVII-XVIIIème siècle. Au verso figure une ancienne attribution à Peter Wouwerman (1623 -1682), justifiée par la proximité avec les méthodes picturales de l'artiste flamand, très attentif au rendu des moindres détails. Ce tableau représente le retour d';un gentilhomme de la chasse à son palais sur le côté gauche : pendant que les chevaux se reposent et que les chiens s'abreuvent à la fontaine, un serviteur aide le maître à enlever ses hautes bottes, tandis que les femmes quittent le maison pour accueillir les chasseurs. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur papier appliquée sur toile. Les quatre œuvres proposent des sujets bucoliques, animés par des bergers avec leurs troupeaux et leurs fidèles chiens, parfois au repos sur le bord de la route, dans deux scènes également flanquées de marchandes de fruits. Les œuvres s'inspirent (ainsi que par la citation au dos de l'une d'elles) de la production de Francesco Londonio, l'artiste milanais du XVIIIe siècle qui s'est fait connaître pour ses scènes rurales et pastorales, dans un répertoire de instantanés savoureux de la vie paysanne. Les quatre tableaux sont présentés dans des cadres dorés contemporains, avec de petits défauts.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène, racontée dans les Évangiles, présente l'entrée messianique de Jésus à Jérusalem, à dos d'âne et acclamé par la foule en liesse qui le reconnaît comme le Messie. Le tableau, sur la première toile, présente plusieurs gouttes de couleur et nécessite une restauration et un nettoyage. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le grand paysage présente une campagne boisée qui surplombe un aperçu du lac, entourée de montagnes et dominée par de petits villages; un ruisseau sort du lac et coule impétueusement entre les rochers des berges. Sur la première toile, le tableau est à restaurer en raison d'une petite déchirure et de quelques gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur carton. Ecole italienne du XIXème siècle. La scène pastorale voit à gauche un troupeau de moutons et de vaches s'abreuver et se rafraîchir dans la rivière ; sur la rive droite, sous un arbre, la bergère se repose avec son petit fils qui, après avoir mangé leur repas, joue avec un métier à tisser en bois. La scène bucolique est sereine et paisible. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. La jeune femme, qui apparaît déjà dans le tableau jumeau (code ARAROT0212468), est représentée ici en robe de mariée, richement ornée de dentelles. De plus, la femme porte le même ensemble de bijoux en perles que dans l'autre portrait, ainsi que la même coiffure, avec une frange sur le front en nattes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile avec application en relief de couleur hautement matérielle, pour définir les couronnes et les initiales en haut. La peinture reprend le style des icônes antiques, tant dans le sujet que dans la peinture dorée pour définir certains détails, ainsi que dans l'utilisation du cyrillique pour les initiales du haut. De plus, l'inscription Rome apparaît en caractères latins sur la couronne de Marie, probablement pour indiquer le lieu d'achat. Déjà rentoilé, le tableau présente dans la partie peinte quelques traces de restauration antérieure, assez grossières, et quelques petites gouttes de couleur.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Au dos ce monogramme No.S. et les chiffres d'inventaire probables. Le tableau rappelle des œuvres de la région autrichienne. Il dépeint une bataille entre chevaliers, dominée au premier plan par l'affrontement entre deux d'entre eux. Le tableau provient d'une collection historique lombarde. Toujours sur la première toile et dans le cadre d'origine ; au dos, il y a des taches et des signes de restaurations anciennes, et il a également été soumis à une restauration picturale et restauratrice supplémentaire dans notre laboratoire. Cretto bien marqué. Le tableau est présenté dans un cadre original et contemporain, laqué.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord du XIXe siècle. Portrait de famille de trois jeunes filles, dont la ressemblance marquée dans les traits du visage, dans le sourire et dans le regard spirituel et espiègle, est soulignée par les vêtements presque identiques qu'elles portent, dont les couleurs vives animent la scène et sur lesquelles se dressent les lacets des décolletés dehors, délicieusement peint; la cadette du centre, encore enfant, a une robe un peu moins élaborée et une coiffure moins élaborée, en rapport avec son âge. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle qui a été adapté et redoré.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Une jeune fille souriante est représentée dans une élégante robe noire, agrémentée de dentelle sur le décolleté et d'un jeu de dentelles et de rubans rouges et verts sur les manches, assortis au jupon brodé rouge ; elle porte ses bijoux autour du cou, des poignets, des oreilles, dans la coiffure de ses cheveux, où l\'austérité des perles est allégée par des rubans colorés ; elle tient un bouquet de fleurs dans sa main, ce qui souligne sa grâce et sa grâce. Restauré et rentoisé, sur la deuxième toile il est écrit, probablement une copie de l'original sur la première toile, qui indique qui est la jeune femme : " Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII », suivi d'un blason avec les initiales C FAS Cette écriture, en plus de définir le nom et l'âge, met en évidence l'appartenance de la jeune femme au Collège des Vierges de Jésus de Castiglione delle Stiviere, fondé en 1608 par la marquise Guidonia Gonzaga avec les deux sœurs Cinzia et Olimpia, toutes neveux de San Luigi Gonzaga. Ce collège avait pour but de donner une éducation aux jeunes nobles ou aux jeunes gens de bonnes familles, qui, avec la dot donnée au collège, contribuaient à la subsistance de celui-ci. Le portrait a des défauts mineurs. Il est présenté dans un cadre ancien, non contemporain, avec de petits défauts.