Huile sur toile. La toile représente un épisode du livre biblique des Actes des Apôtres : le baptême administré par le diacre Philippe à un eunuque éthiopien. Philippe, après avoir reçu l’invitation d’un ange à emprunter la route déserte de Jérusalem à Gaza, rencontra l’Éthiopien alors qu’il voyageait en char, lisant le prophète Isaïe. Après lui avoir expliqué les Écritures et proclamé la naissance de Jésus, il le baptisa. Ce sujet fut largement représenté, notamment dans l’art flamand du XVIIe siècle, car il était considéré comme un thème iconographique et théologique d’une importance capitale pour l’Église réformée (calviniste et protestante en général), en particulier dans les Provinces-Unies (actuels Pays-Bas). De plus, le style pictural, notamment dans la représentation des personnages, rappelle la peinture vénitienne de la même époque, témoignant de la fréquence des séjours des artistes flamands à Venise et de l’influence réciproque des deux cultures artistiques. La scène, fidèle au style baroque, est riche en figures qui se superposent et s’entremêlent sur différents plans. Au premier plan, au centre, le diacre Philippe verse l'eau baptismale sur la tête de l'Éthiopien agenouillé ; de part et d'autre, diverses figures assistent la cérémonie, des spectateurs et des enfants, et à l'arrière-plan, à gauche, un serviteur noir tient les rênes du cheval tirant le char de l'Éthiopien. Le paysage est à peine discernable, notamment le cours d'eau où se déroule le baptême, et présente une uniformité chromatique, avec des détails peu visibles, intégrant même le char de l'Éthiopien. Les personnages, en revanche, se distinguent par les couleurs vives de leurs robes et le teint rosé de certains d'entre eux, contrastant avec la peau sombre des figures orientales. Le tableau, encore sur sa toile d'origine, porte des traces de restaurations antérieures.

Lapins et Oiseaux avec Gibier

Huile sur toile. Divers animaux se détachent sur un fond entièrement sombre : du gibier, notamment quatre oiseaux différents suspendus par les pattes ou posés sur une surface (presque invisible), et, sur cette même surface, trois lapins accroupis et deux oiseaux flânant. Animaux vivants et morts s'entremêlent harmonieusement, et seule une observation attentive permet de discerner leur vitalité ou la rigidité de la mort : c'est le regard vif des lapins et des oiseaux, ainsi que le mouvement de ces derniers, qui révèlent leur état de vie. La maîtrise technique de l'artiste transparaît dans cette œuvre, notamment dans la virtuosité du pinceau qui rend avec précision les détails anatomiques des animaux, plumage, peau et fourrure. Attribuée à l'école génoise, l'œuvre est certainement de Sinibaldo Scorza (1589-1631), peintre actif à Gênes, spécialisé dans le dessin, la gravure et les miniatures naturalistes, avec un intérêt particulier pour les animaux. Scorza étudiait les animaux d'après nature, réalisant des croquis et des dessins précis et détaillés, avec une incroyable capacité à saisir les aspects essentiels d'un point de vue à la fois pictural et scientifique, caractéristique des nouveaux intérêts de l'époque. À côté de ses dessins, il prenait également des notes détaillées sur son papier, comme la position de leurs pattes, le type et la couleur de leur pelage, pour n'en citer que quelques-uns. Sinibaldo Scorza peignait non seulement des animaux, mais aussi une variété de sujets : paysages, scènes mythologiques ou de genre, vues et aperçus des villes qu'il visitait. Son inclination naturaliste fut particulièrement renforcée par son contact avec les grands peintres flamands rencontrés à Turin, puis retrouvés à Rome : dans toute son œuvre, on retrouve cette attention particulière portée au naturalisme, rendu avec une grande précision, où la nature, les arbres et divers animaux animent un paysage tantôt bucolique, tantôt empreint d'une forte dimension naturaliste. Pour Scorza (lecteur assidu doté d'une vaste culture littéraire), les récits mythologiques, les sujets bibliques et littéraires servaient de prétexte à l'étude de paysages peuplés d'animaux, chacun caractérisé avec précision. Le tableau présenté ici a fait l'objet d'une restauration et d'un rentoilage. Il est présenté dans un cadre ancien. Informations sur les BEAUX-ARTS

Huile sur toile. La scène représente une jeune femme enchaînée, présentée devant un prêtre, entourée d'anciens. Il s'agit probablement d'un épisode de l'Ancien Testament, faisant référence au procès des femmes soupçonnées d'adultère. Accusées par leurs maris, elles étaient amenées devant le prêtre, qui pouvait les condamner ou, en l'absence de preuves, les soumettre à l'ordalie, un « jugement de Dieu par l'épreuve physique ». La scène présentée ici ne correspond pas à un épisode précis. Le tableau a été restauré et rentoilé, avec un nouveau châssis. Il est présenté dans un cadre moderne.

Huile sur toile. École lombarde, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Ce tableau, vendu aux enchères chez Wannenes en 2018, est attribué à Giovanni Blasio, artiste dont le style est proche de celui de Felice Boselli, mais qui s'en distingue par sa représentation des poissons. Des études approfondies sur cet artiste sont en cours, mais on sait qu'il a été actif entre la Lombardie et l'Émilie-Romagne à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle. La composition met en scène trois grands poissons ressemblant à des brochets, dont l'un occupe toute la bordure droite de la toile, suspendu près d'un ensemble de plantes au sol ou surélevées à l'extérieur. Au premier plan, à gauche, un bol rempli d'escargots, devant lequel reposent deux crabes ; au centre, un grand bassin rempli de grenades, avec des concombres et deux bouquets de lavande disposés devant. À l'arrière-plan, deux autres brochets, l'un suspendu, l'autre posé sur une estrade où est présenté un grand panier de champignons, presque dissimulé par l'ombre. Le tableau a été restauré et rentoilé par le passé. Il est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur panneau. École lombarde, fin XVIe-début XVIIe siècle. Dans l'iconographie chrétienne, ce sujet iconographique et théologique représente Jésus visitant ou libérant les âmes en état de purification. Le Christ est généralement représenté tendant la main ou regardant vers les âmes, comme dans ce tableau où il saisit le bras d'une âme après avoir ouvert les portes du Purgatoire. D'autres âmes contemplent la scène en silence ou en supplication, tandis qu'au-dessus, les démons de l'Enfer expriment leur fureur. La figure centrale du Christ irradie une lumière bienfaisant les âmes du Purgatoire les plus proches de lui, tandis que la partie supérieure de la scène, évoquant l'Enfer, est illuminée par les teintes rouges du feu de la damnation éternelle. Le tableau a été restauré et son dos a été renforcé par un panneau de bois.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Ce grand tableau représente la rencontre, empreinte d'émotion, entre Marie, attendant la naissance de Jésus, et sa cousine Élisabeth, enceinte de Jean, le futur Baptiste. L'émotion de cette rencontre, où les deux femmes s'étreignent tandis que, comme le dit Élisabeth, le petit Jean tressaillit dans son sein, donnera naissance plus tard à la magnifique prière du Magnificat, proclamée par Marie en action de grâce et louange à son Seigneur « qui a jeté les yeux sur l'humilité de sa servante ». Fait inhabituel, le tableau présente les deux époux, Joseph à gauche et Zacharie à droite, qui ne sont pas mentionnés dans l'Évangile et ne sont généralement pas représentés. Toutes les figures sont représentées selon les canons iconographiques traditionnels et se détachent sur un fond où figure le temple derrière Zacharie, le prêtre, et un paysage italien lointain à gauche. Au dos de la toile figure une ancienne attribution de l'œuvre à Giacomo Barbelli. La peinture est entièrement manquante sur tous les bords. Il a été restauré par le passé et son doublage a été refait avec soin. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIIe siècle. Les deux paysages représentent des villages aux bâtiments d'architecture différente : l'un, plus proche des montagnes, avec ses toits en pente et son ruisseau traversé ; l'autre, avec ses bâtiments aux toits plats et tourelles, évoque des villages plus ensoleillés. Les deux tableaux ont été restaurés et rentoilés. Ils sont présentés dans des cadres de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Portrait d'une sainte martyre et reine, comme l'indiquent la couronne et la palme du martyre, tenant une bannière et entourée de figures féminines. Cette iconographie rappelle sainte Ursule, princesse bretonne du Ve siècle environ, qui, selon la légende, fut martyrisée avec ses compagnes, victimes des barbares qui infestaient l'Europe centrale lors de leur retour d'un pèlerinage à Rome. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École française, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Ce tableau est une réplique d'une œuvre de Nicolas Poussin (1634-1635), qui appartenait initialement à la collection d'André Le Norte, fut donnée au roi de France en 1693 et ​​est aujourd'hui conservée au musée du Louvre. La scène se déroule dans un paysage luxuriant traversé par le large Jourdain. Sur la rive, au centre, Jean, vêtu seulement de peaux de chameau, baptise plusieurs hommes agenouillés devant lui, tandis qu'à sa gauche, d'autres hommes ôtent leurs vêtements pour recevoir l'onction. À droite, un groupe de femmes et d'enfants, les proches des catéchumènes, assistent à la cérémonie. Sur le fleuve, à l'arrière-plan, une barque chargée de personnes s'approche de la rive. La scène est riche en personnages, en mouvement et en couleurs. La toile originale porte des traces de petites restaurations antérieures, mais est en excellent état. Elle est présentée dans un cadre ancien du début du XVIIIe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, début du XVIIIe siècle. Cette vaste scène représente la Nativité de Jésus dans la grotte obscure de Bethléem, d'où émergent des figures humaines plus ou moins éclairées. L'Enfant, dans les bras de sa Mère qui l'emmaillote, concentre toute la lumière sur lui, laquelle se diffuse ensuite sur les autres personnages : Marie, figure centrale de l'événement, en est entièrement baignée, tandis que Joseph et les autres personnages, des bergers de passage, sont partiellement éclairés, leurs visages émergeant des ténèbres. Le bœuf, au premier plan à droite, demeure dans l'obscurité ; en tant qu'animal, il ne bénéficie pas du salut apporté par Jésus. La position et le rôle de Joseph sont remarquables : lui aussi est placé au premier plan, au centre, comme Marie et Jésus, et surtout, il dialogue activement avec la visiteuse, au lieu d'être relégué à l'arrière-plan, comme c'est souvent le cas, absorbé par la contemplation de sa famille. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École hollandaise, XVIIIe siècle. Ce tableau était auparavant attribué au peintre et graveur Pieter de Molijn (1595-1661), considéré par les historiens de l'art de l'époque comme l'un des fondateurs de la phase tonale de la peinture de paysage hollandaise, un mouvement artistique né de la nécessité de représenter la nature locale de manière plus réaliste et évocatrice, s'affranchissant des conventions rigides et artificielles de la peinture flamande antérieure. Il date en réalité d'une période postérieure, bien qu'il s'inspire de ce mouvement et en adopte les canons : le ciel domine la scène, occupant une grande partie de l'espace ; le paysage, très générique et ordinaire, non monumental, est presque monochrome, du fait de la prédominance des tons terreux tels que l'ocre, le brun, le gris et le vert terne, qui fondent les éléments, et les contours sont flous, suggérant une brume ; les figures ne sont insérées qu'en arrière-plan. L'œuvre provient de la collection de la société Campar. Elle est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Portrait en buste d'un couple royal, vêtus de robes d'hermine et tenant des sceptres. Tous deux sont couronnés, mais la figure féminine porte une seconde couronne. L'autre personnage, plus jeune, arbore une couronne plus simple, symbole de rang inférieur, et se trouve dans une pose d'extase, la main sur le cœur et le regard tourné vers le ciel. Il s'agit probablement de Théodolinde, reine chrétienne des Lombards, couronnant son jeune fils Adaloël en martyr. Elle était sa régente, et Adaloël fut le premier souverain lombard à être baptisé et assassiné pour sa politique pro-catholique et pro-romaine. Toujours sur sa toile d'origine, le tableau porte des traces de restaurations antérieures et nécessite une restauration et un nettoyage plus approfondis.

Huile sur toile. École flamande, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Au dos, une ancienne inscription au crayon attribue l'œuvre à Nicolaes Berchem (1620-1683), peintre de paysages à figures pastorales, dont le style pictural est proche de celui de cette toile. Le paysage représente un ruisseau traversant une plaine parsemée d'affleurements rocheux, percés de tunnels naturels empruntés par le sentier. Divers voyageurs y circulent : au premier plan, un homme traverse le ruisseau à gué avec son âne ; derrière lui, un berger à cheval avec ses vaches ; des personnages plus petits traversent le tunnel rocheux à droite. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École française, milieu du XVIIIe siècle. Ce paysage romantique représente une nature verdoyante où un soldat et une dame, au premier plan à droite, se rencontrent amoureusement, tandis que d'autres personnages, plus éloignés, forment l'arrière-plan. À l'arrière-plan, une petite ville est illuminée par les rayons du soleil qui percent les nuages. Le tableau est sur sa première toile. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Au centre de la scène, en extérieur dans une banlieue, un personnage, debout sur une estrade, tend un mouchoir à une personne parmi la petite foule qui l'observe d'en bas. À côté de lui se tient une chèvre, et derrière lui, un homme observe et attend : il s'agit donc d'un bonimenteur vantant les mérites d'autrui, en l'occurrence la chèvre. À droite, une haute et élancée colonne surmontée d'une statue se dresse, point de rencontre de la vie citadine quotidienne, déjà animée dès les premières lueurs du jour, comme le suggère le ciel rosé à droite. On retrouve des sujets similaires dans l'œuvre de Giovanni Michele Graneri (1708-1778), peintre turinois qui a fait revivre la tradition des Bamboccianti du XVIIe siècle dans des scènes de genre représentant la vie populaire, des marchés aux tavernes. Le tableau est sur sa toile d'origine, avec des réparations au verso. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe ou du début du XXe siècle.

Huile sur toile marouflée sur panneau. École d'Italie du Nord, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Marie est représentée en méditation, le visage baissé, les yeux presque clos, absorbée dans la prière. L'absence d'auréole souligne son humanité. Des traces de restaurations antérieures sont visibles. L'œuvre est présentée dans un cadre ancien en bois.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israéliens (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que la population israélienne ne devienne trop nombreuse et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène se déroule au bord d'un fleuve mais dans un paysage qui n'est pas oriental, avec des structures architecturales sur la droite : de nombreux personnages représentent la suite de la princesse, placée au centre avec l'enfant dans le panier. La toile restaurée a été appliquée sur un châssis moderne. Présenté dans un cadre du XIXe siècle.