Huile sur toile marouflée sur panneau (probablement un fragment d'une œuvre plus vaste). Dans un immense paysage où se devine un village, une bergère conduit ses vaches au pâturage. Les teintes des animaux et de la silhouette humaine se fondent avec celles de la terre et des maisons, sous un ciel pâle baigné par la lumière déclinante du crépuscule. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Copie par Guido Reni

Huile sur toile. Cette œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variations, du célèbre sujet créé par le peintre bolonais Guido Reni (1574-1642) et son atelier. La composition, représentant la Vierge en prière, penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une brillante invention du style de Reni. Suite à son grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, elle fut reprise par d'autres artistes du XVIIe siècle, parmi lesquels Giovan Battista Salvi, dit « Il Sassoferrato ». Les deux variantes les plus célèbres de cette fascinante scène montrent la Vierge les mains jointes en prière, comme dans cette version adoptée par Salvi, ou les mains sur la poitrine, une représentation typique de Reni. D'autres variations concernent la position de la tête de l'Enfant endormi, tournée vers le ciel comme dans cette version, plutôt que penchée sur le côté ; enfin, les tissus de fond diffèrent. Même dans cette réplique, l'intensité de la scène est saisissante : le corps de l'enfant, paisiblement endormi, domine l'espace, où la nature divine apaise l'humain ; au-dessus de lui, penchée dans un geste à la fois protecteur et contemplatif, Marie exprime toute sa tendresse maternelle, mais aussi, par le geste de ses mains, son adoration du mystère incarné que représente son petit Fils. Les couleurs vives des étoffes – le coussin sur lequel repose Jésus, le rideau derrière lui, les vêtements de la Mère – rehaussent l'éclat des carnations. Le tableau a été rentoilé au milieu du XXe siècle.

Caïn et Abel

Marqueterie. La scène se déroule dans un paysage champêtre, avec des arbres évoquant des oliviers et une ville en arrière-plan. Au premier plan, à gauche, un homme frappe violemment un autre homme à terre avec un bâton, sous le regard alarmé d'un paysan. La scène rappelle l'épisode biblique du meurtre d'Abel, un paysan, par son frère Caïn, un chasseur. L'œuvre est présentée dans un cadre du XVIIIe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, fin XVIIe-début XVIIIe siècle. Marie-Madeleine est représentée au premier plan, les longs cheveux dénoués, en prière et méditation dans le désert, qui apparaît ici comme un paysage nordique à l'arrière-plan. L'œuvre a été restaurée et rentoilée, probablement au début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre doré du début du XXe siècle (bois légèrement endommagé et redorure).

Huile sur toile. Le saint est reconnaissable comme étant Jude Thaddée, l'un des douze apôtres, à la hallebarde qu'il tient à la main, instrument de son martyre. Autre symbole récurrent dans l'iconographie du saint, et présent dans cette représentation, le livre symbolise la Parole de Dieu que Thaddée proclamait avec ferveur. Le tableau porte des traces de restaurations et de rentoilages antérieurs. Il est présenté dans un cadre ancien en bois.

Huile sur toile. École flamande, XVIIIe siècle. Attribuée à l'entourage d'Hendrick Mommers (1623-1693) lors d'une vente aux enchères chez Christie's en 1991, cette œuvre représente un caprice architectural classique, un vaste paysage où se dressent les ruines d'un majestueux édifice antique. On y voit également de nombreux personnages se promenant sur le chemin devant les ruines : un berger avec son troupeau, une femme avec un enfant et un couple en promenade romantique. L'œuvre est encore sur sa toile d'origine et en excellent état. Elle est présentée dans un cadre doré d'époque.

Gravures. Les noms du graveur et du peintre figurent en bas. La série, réalisée d'après des dessins de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), comprenait quinze estampes et était intitulée « Les Douze Apôtres ou Œuvre peinte par Giambattista Piazzetta (1683-1754), gravée par Marco Pitteri Veneto avec le privilège du Très Excellent Sénat ». Aux onze apôtres (à l'exception du traître Judas) s'ajoutaient le visage de Marie, l'image du Père avec le Saint-Esprit et saint Paul. Cette série ne présente aucune représentation du Christ. Les estampes présentent des taches et des traces d'humidité. Elles sont présentées dans des cadres en bois laqué du XVIIIe siècle avec un verre contemporain.

Paysage ancien avec architecture et personnages, huile sur toile. Ce capriccio architectural classique représente un paysage mettant en scène des structures architecturales, souvent en ruines, d'imposants édifices classiques, ainsi que des figures populaires de l'époque. La toile est encore sur son support d'origine et présentée dans un cadre d'époque.

Ornements et vases anciens

Gravures coloriées à la main. Réalisées par Michelangelo Pergolesi entre 1777 et 1778, les décorations coloriées sont une œuvre posthume du XIXe siècle. Pergolesi a conçu et réalisé des meubles, des cheminées, des plafonds, des lustres, des portes et des ornements muraux de style néoclassique, travaillant principalement en Angleterre. Les dessins préparatoires de ces gravures sont numérotés et appartiennent probablement aux « Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti » (Dessins pour divers ornements pour 70 planches), publiés entre 1777 et 1801. Les deux gravures sont présentées sous cadre apparent.

Huile sur toile. Dans cette œuvre, la Sainte Famille s'adresse à un jeune frère en habit franciscain, probablement en référence au commanditaire : les mains tendues de l'Enfant se tendent pour l'embrasser, sous le regard protecteur de Marie et Joseph. Précédemment restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien du XVIIIe siècle, redoré.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau coulant à proximité, près duquel se dresse un groupe de bâtiments ruraux ; plusieurs personnages sur le chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de rentoilage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. Paysage champêtre avec un petit ruisseau traversé par des bateaux, et bordé de petits groupes de maisons rurales. Au premier plan, une femme et son enfant marchent le long du chemin. L'œuvre présente des traces de restauration et de regarnissage antérieurs. Taches de saleté. Présentée dans un cadre ancien contemporain.

Crayons sur papier. École génoise du XVIIe siècle. Autrefois attribué à Luca Cambiaso (1527-1585), ce dessin est considéré comme légèrement postérieur. Il représente deux chérubins cueillant des fruits sur un arbre, allégorie de la vie. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie centrale, XVIIe-XVIIIe siècle. Dans un paysage de pentes rocheuses et arides, un troupeau de bœufs et de chèvres est représenté au premier plan, gardé par deux bergers montés sur des ânes. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque. Anciennement rentoilée, elle présente quelques légères pertes de peinture.

Huile sur toile marouflée sur panneau. Les trois personnages sont représentés uniquement dans la partie supérieure, mettant en valeur leurs visages : au centre, Marie et l’Enfant Jésus, sur lesquels se concentre la lumière de l’œuvre ; tous deux regardent vers l’enfant Jean, reconnaissable à ses symboles iconographiques (le bâton surmonté de la Croix et la peau de bête qui le recouvre), qui, plus dans l’ombre dans le coin inférieur droit, reçoit la bénédiction du Christ. Le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur panneau de noyer. Le tableau s'inspire des modèles toscans du début du XVIe siècle (par exemple, le style pictural de Domenico Puligo), mais il s'agit d'une production légèrement ultérieure et d'une main plus faible, typique de la production « périphérique ». Le sujet, absolument traditionnel, représente la Madone allaitant l'Enfant Jésus, encadrée par un rideau ; l'enfant, tétant le sein de sa mère, regarde vers le spectateur, tandis que la mère contemple tendrement son fils. Le monogramme CP figure au dos du panneau, indiquant probablement l'artiste. Le panneau présente plusieurs petites chutes de peinture.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, début du XVIIIe siècle. Un paysage de collines rocheuses présente un village aux maisons à tourelles, s'élevant près du bord de mer, visible à l'arrière-plan à droite. Au premier plan, le long d'une petite crique côtière, la vie populaire est animée, avec de nombreux personnages occupés à diverses activités. Le tableau présente des traces de restauration et de rentoilage antérieurs ; la fissure est actuellement bien définie, mais la couleur est intacte. Le tableau est présenté dans un cadre ancien, présentant de légers manques.

Huile sur panneau de châtaignier. École d'Europe centrale, XVIe siècle. La scène traditionnelle représente l'Enfant Jésus, dans les bras de sa Mère, avec laquelle il échange un regard tendre, s'apprêtant à glisser l'alliance au doigt de Catherine d'Alexandrie, symbolisant le mariage mystique que la jeune sainte désirait avec le Divin Enfant. La sainte est représentée, selon son iconographie habituelle, coiffée d'une couronne, d'habits royaux et de bijoux, soulignant ainsi ses origines princières. Le tableau est probablement l'œuvre d'un artiste flamand inspiré par les modèles italiens des XVe et XVIe siècles. Le panneau présente des traces de restauration antérieure.

Huile sur toile. École toscane du XVIIIe siècle. La grande scène raconte l'histoire tragique d'Apollon et de Daphné, racontée dans les Métamorphoses d'Ovide. Selon le mythe, le dieu Apollon, après s'être moqué de Cupidon, est frappé par lui d'une flèche d'amour, ce qui le rend amoureux de la nymphe Daphné, qui est à son tour frappée d'une flèche de plomb capable de mettre fin à leur amour. Apollon, touché par la flèche, tombe éperdument amoureux de Daphné et court vers elle, mais la nymphe repousse le dieu et s'enfuit. Pour éviter d'être capturée, Daphné demande à son père Pénée, dieu éponyme du fleuve Pénée, de la transformer afin qu'elle n'ait pas à se soumettre à Apollon. Pénée écoute sa requête et, alors qu'Apollon s'apprête à la capturer, Daphné se transforme en laurier, plante qui devient dès lors sacrée pour le dieu. L'œuvre présente des similitudes avec le style pictural de Giuseppe Zocchi (1711-1767), dont l'artiste s'est probablement inspiré notamment pour la représentation des arbres et de la végétation. La toile présente plusieurs manques de peinture, notamment dans le coin inférieur gauche, et une série de trous (de tailles variables sur les bords et au centre) causés par des clous de renfort. Encadrée.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.