Huile sur toile. La scène est entièrement peuplée de personnages, représentés à mi-corps au premier plan : les trois Rois mages, occupant toute la partie droite, présentent leurs présents à l’Enfant Jésus dans les bras de Marie, à gauche, tandis que la figure de Joseph apparaît à l’arrière-plan, telle une ombre veillant sur la famille et la soutenant. Le tableau porte des traces de restaurations antérieures. Il est présenté dans un cadre d’époque du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie, légèrement modifiée, du tableau de Salvator Rosa (1615-1673), conservé dans la Galerie Palatine du Palais Pitti à Florence. Également connu sous le nom de « Marina au coucher du soleil » en raison du large coucher de soleil qui illumine l'arrière-plan à droite, le tableau représente l'activité intense du port. Divers personnages animent la scène : des ouvriers s';affairent à la construction du galion, posé à même le sol et recouvert d'une bâche blanche sous les ruines d'une forteresse dominée par une tour ; un groupe de baigneurs profite des derniers rayons du soleil. L'œuvre présente de nombreuses zones rouillées et nécessite une restauration. Toujours sur sa toile d'origine, elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord, XVIIIe siècle. Le personnage principal, élégamment vêtu d'une cape rouge, est représenté avec divers objets disposés sur son bureau – livres, compas et autres instruments de dessin – témoignant de son intérêt pour les arts et la culture. Le tableau a été restauré et rentoilé dans le style ancien. Il est présenté dans un cadre contemporain en bois laqué.

Huile sur toile. La scène dramatique de la conversion de saint Paul, relatée dans le livre biblique des Actes des Apôtres, représente Saul, désarçonné et aveuglé par une lumière divine venue du ciel. Dans cette représentation, le saint est presque écrasé, plaqué au sol, tandis que la scène est remplie d'autres personnages, du cheval et des compagnons qui l'assistent, eux aussi éblouis par la lumière, comme « projetée » du ciel par un ange qui se fraye un chemin à travers la foule pour atteindre le visage de Paul. Le tableau a été restauré et rentoilé, puis monté sur un nouveau châssis. Encadrement d'époque.

Copie par Simon Vouet

Huile sur toile. Il s'agit d'une magnifique copie du célèbre tableau de Simon Vouet (1590-1649), réalisé entre 1618 et 1620 et conservé dans une chapelle de l'église San Francesco a Ripa à Rome. Créée par Vouet lors de son séjour romain, l'œuvre originale révèle une forte influence caravagesque, tant dans ses choix chromatiques et lumineux que dans les poses des personnages. Ces caractéristiques sont fidèlement reproduites dans cette copie. La palette est riche en couleurs (bleu, orange et, bien sûr, rouge) qui se matérialisent dans des drapés peints avec une grande maîtrise du pinceau, mais on y trouve également une profusion de tissus blancs, omniprésents pour apporter de la lumière et créer un impact visuel. Les détails sont riches : la coiffure élaborée du personnage vu de dos et son pied nu au premier plan (mais non sale, contrairement à ceux de Merisi) ; le vase blanc au sol contraste avec le grand bassin en cuivre ; La dentelle de la chemise et du turban de la femme de droite, ainsi que sa main gauche (une pose typique du Caravage) tendue vers le spectateur, confèrent à la scène une impression de profondeur. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, puis monté sur un châssis d'époque. Il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Grande scène pastorale, avec un troupeau de vaches et de moutons s'abreuvant à la rivière, tandis qu'à gauche une bergère indique son chemin à un voyageur ; à l'arrière-plan se dessinent des reliefs rocheux aux tons bleutés. Au dos de la toile est inscrit « École de Domenico Brandi » : le style pictural rappelle en effet celui du peintre paysagiste napolitain (1684-1736), connu pour ses paysages bucoliques animés de figures pastorales. Il pourrait donc s'agir de l'œuvre d'un élève ou d'un disciple. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il présente actuellement des taches. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIe siècle. Ce tableau représente l'épisode évangélique de la rencontre de Jésus avec la Samaritaine au puits où il s'est arrêté pour boire. Cette rencontre initie un dialogue d'une profonde signification théologique, aboutissant à la conversion de la femme. Dans cette représentation, les deux personnages sont placés de part et d'autre du puits, leurs mains presque jointes au-dessus de l'eau, symbole de « l'eau vive, source de toute soif », ou plutôt, du Christ lui-même. La femme regarde l'eau du puits et la désigne du doigt, tandis que Jésus se tourne vers elle, son regard même l'attirant à lui par son amour salvateur. Les deux personnages occupent toute la scène et rayonnent de lumière, les couleurs de leurs vêtements – typiques de la peinture vénitienne – les mettant en valeur. Autour d'eux, un paysage indistinct et ombragé se fond dans le décor, de même que certains disciples de Jésus restent dans l'ombre, en retrait à l'arrière-plan sur la gauche, étrangers au dialogue intime entre les deux protagonistes. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre laqué de la fin du XIXe siècle.

Copie d'Après Titien

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie (beaucoup plus petite) du célèbre portrait peint par Titien en 1545, conservé aujourd'hui à la Galerie Palatine des Offices à Florence. Écrivain et courtisan renommé de l'Italie du XVIe siècle, Aretino vécut d'abord à Rome, à la cour papale, dans les années 1520, puis à Venise, où il acquit une grande renommée pour ses écrits ingénieux et perspicaces. On le craignait également pour sa nature violente et satirique, ainsi que pour ses écrits francs et polémiques, qu'il utilisait pour critiquer même les personnalités les plus illustres et les plus puissantes, ce qui lui valut le surnom de « fléau des princes » de Ludovico Ariosto. Le portrait met en valeur le froncement de sourcils fier et résolu de l'homme, perceptible dans son regard et sa pose. Le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Huile sur panneau. École vénitienne, milieu du XVIe siècle. Le Christ crucifié, au centre de la scène, est entouré de quatre saints identifiés par leurs symboles iconographiques : à gauche, saint François et saint Jérôme ; à droite, saint Sébastien et saint Roch. À l’arrière-plan, une vue de ville, probablement Rome, souligne le lien avec l’Église en tant qu’institution. Une étiquette en papier numérotée est apposée au dos (provenant d’une collection privée du XIXe siècle). Le tableau est présenté encadré.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Une délicate composition de fleurs est placée dans une sorte de berceau en bois, avec des champignons et des fruits au sol ; le fond est extérieur, mais mal défini par diverses taches. L'œuvre, sur la première toile, est également présentée dans un beau cadre du début du XVIIIe siècle, en bois de tilleul sculpté d'une couronne feuillagée maintenue par des rubans, et doré à la gouache.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile marouflée sur châssis. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La scène est tirée du livre biblique des Nombres : fuyant l'Égypte et errant dans le désert, les Israélites se plaignirent à Dieu du manque d'eau et de nourriture. Dieu envoya alors des serpents venimeux pour les exterminer, mais ordonna aussi à Moïse de dresser un serpent de bronze sur une perche, afin que quiconque serait mordu soit guéri. Symboliquement, ce geste, tourner son regard vers le serpent, impliquait un acte de conversion et de foi en Dieu. Dans cette représentation, la perche a plus précisément la forme d'une croix, préfigurant le salut qui viendra à l'humanité par le Christ crucifié et ressuscité, qui la libère du péché symbolisé par le serpent. Moïse est au centre de la scène, désignant la perche sur laquelle se trouve le serpent, flanqué de son frère Aaron ; autour d'eux, les hommes et les femmes d'Israël, certains accablés par les serpents, d'autres déjà agenouillés en suppliants implorant le pardon de Dieu. L'œuvre est présentée dans un cadre composé d'éléments de la fin du XIXe siècle, adaptés.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord, XIXe siècle. Ce tableau est une reproduction d'une œuvre de 1662 de Jan Siberechts (1627-1703), conservée aux Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles. Le peintre flamand s'est fait connaître pour ses scènes de la vie rurale, animées par des personnages paysans vaquant à leurs occupations quotidiennes, notamment des figures féminines robustes vêtues de couleurs vives. Ces caractéristiques se retrouvent dans cette reproduction, où, dans la cour d'une ferme en pleine campagne, toute la famille s'affaire à diverses tâches : à gauche, l'homme décharge des fagots de bois de la charrette, qu'une femme porte vers la maison ; à droite, le garçon ouvre l'étable pour mener le troupeau de chèvres et de moutons au pâturage ; au centre, trois femmes robustes, dont deux observent la troisième, occupée à… désinfecter une petite fille ! Les couleurs des vêtements des personnages contrastent vivement avec les tons bruns et sombres de l'arrière-plan (la maison et la campagne), dominé par un ciel lui aussi sombre et chargé de nuages ​​gris. Le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Huile sur toile. Ce tableau s'inspire du célèbre « Hommage à Vénus » du Titien, largement copié et réinterprété au XVIIe siècle. Dans la version présentée ici, Vénus n'est pas mentionnée, mais il s'agit plutôt d'une célébration du printemps : une foule de Cupidon envahit la campagne luxuriante, tressant des couronnes, remplissant paniers et bassines, caressant des animaux (chèvres, moutons, chiens) et, à l'arrière-plan, pêchant dans la rivière. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien spécialement adapté.

Huile sur toile. Un évêque agenouillé reçoit la communion des mains de Jésus-Christ, descendu du ciel, tandis qu'un ange tient la croix et un chérubin un cierge. La figure de l'évêque, dont l'identité reste inconnue, pourrait représenter l'Église universelle et sa dévotion au Christ à travers sa participation à l'Eucharistie. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

Huile sur toile. École génoise du XVIIIème siècle. Le paysage campagnard voit au centre une structure délabrée, les ruines d'un bâtiment à travers les murs déchirés dont on voit couler des masses de nuages ​​blancs en arrière-plan ; devant elle coule un petit ruisseau, où une femme fait la lessive, tandis que son compagnon est assis sur un rocher voisin, dans l';alignement de la figure féminine et presque symétriquement à la figure féminine. La scène se caractérise par une recherche lumineuse particulière, par un dynamisme des formes (on peut remarquer la continuité directionnelle du feuillage de l'arbre avec le toit de la ruine et les nuages) et par la théâtralité des figures, autant d'éléments qui ont défini la production picturale du baroque génois. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Vaste paysage dramatique empreint d'une atmosphère romantique grâce au coucher du soleil. À gauche, une fantaisie architecturale ; à droite, une large rivière paisible ; de nombreux personnages folkloriques animent la scène, absorbés par leurs activités. Le tableau a été restauré et rentoilé durant la première moitié du XXe siècle. Il est présenté dans un cadre d'époque.