SELEZIONE ARTE

La Vierge à l'Enfant entre saint Ansan et sainte Catherine

Huile sur panneau. L'œuvre est accompagnée d'un rapport d'expertise du professeur Mauro Minardi, qui attribue le tableau à Bartolomeo Neroni, dit Riccio, artiste siennois actif au XVIe siècle, grâce à une comparaison documentée des éléments picturaux de cette œuvre avec d'autres du même artiste. Le tableau présente un sujet largement utilisé dans la scène artistique siennoise du XVIe siècle : une Vierge à l'Enfant entourée de saints. Dans ce tondo, Marie est représentée à mi-corps, tenant l'Enfant Jésus, debout devant elle sur un support : les mains de la mère et de l'enfant sont entrelacées dans un geste de tendresse. À leurs côtés, à l'arrière-plan, se trouvent deux figures de saints, parmi les plus vénérés à Sienne : à droite, sainte Catherine, reconnaissable à son habit monastique noir avec voile et guimpe blancs, et tenant le lys traditionnel, symbole de pureté ; À gauche se trouve un saint moins connu, saint Ansan, un jeune chevalier qui vécut à Sienne au IIIe siècle, alors colonie romaine, où il prêcha le christianisme et fut martyrisé. Le jeune saint est représenté tenant un mât de drapeau dans une main et un objet sphérique dans l'autre, qui, selon son iconographie, devrait représenter un cœur. L'œuvre s'inscrit donc dans le style pictural dévotionnel répandu au XVIe siècle, auquel Riccio et son atelier consacrèrent un effort considérable, compte tenu du grand nombre d'exemples similaires qui ont survécu et qui lui sont attribués, notamment grâce à une documentation précieuse pour certains d'entre eux. Les images du tableau sont inscrites dans un cadre doré en relief, gravé dans le même panneau. Le dos du panneau est renforcé par un parquet. On observe quelques manques de peinture.

Horizon, 1962

Acrylique et techniques mixtes sur toile. Signé et daté en bas au centre. Hsiao Chin, artiste d'origine taïwanaise ayant longtemps vécu et travaillé à Milan, concevait l'art comme un chemin de croissance et de connaissance, un voyage spirituel à travers le temps et l'espace, dépassant toute limite géographique et culturelle. Dans ses œuvres, les pratiques spirituelles orientales se marient parfaitement aux expériences artistiques occidentales, qu'il a connues lors de ses longs séjours dans divers pays du monde. D'un côté, ses peintures évoquent une page écrite où l'artiste fait appel au symbolisme oriental, créant un message fait de signes subtils, presque des idéogrammes, alternant avec des formes géométriques évoquant des significations ancestrales et partagées (cercles, carrés, spirales...) ; de l'autre, les choix chromatiques audacieux et énergiques et les coups de pinceau, tantôt frénétiques et pétillants, tantôt plus fluides et calibrés, paraissent « occidentaux ». L'artiste a déclaré de lui-même : « Aujourd'hui, la question de savoir si mon art est chinois ou mondial ne m'importe plus. J'essaie de dépasser ces frontières, dans le but de créer de nouvelles œuvres qui ne soient pas conditionnées par les techniques et les idées. » (Hsiao Chin, 2016). L'œuvre présentée ici, datée de 1962, appartient à la période passée par Hsiao Chin en Europe, puis à New York, où il est entré en contact avec tous les nouveaux courants de l'abstraction, ce qui a déterminé dans sa peinture « un nouveau parcours », où l'approche du minimalisme américain et du hard edge painting est évidente (peinture aux « contrastes marqués », ou un style pictural caractérisé par des contrastes nets et précis entre différentes zones de couleur, qui peuvent être de simples formes géométriques ou des lignes droites. La couleur de chaque zone est principalement homogène et monochrome). L'œuvre est présentée dans un cadre. L'œuvre provient d'une collection privée milanaise, qui témoigne du contact direct de la famille avec l'artiste à travers une série de photographies prises en sa compagnie (copies jointes).

Fiesole 1465 environ – 1526

Le Christ Rédempteur, œuvre d'Andrea Ferrucci et de son atelier. Sculpture en stuc peint représentant le buste du Christ Rédempteur. Vêtu d'une tunique rouge ornée d'un col doré, un manteau bleu drape son épaule gauche. Son visage est légèrement tourné vers la gauche, ses traits sont pointus et décharnés, son regard mélancolique et abattu, et il est encadré de longues boucles presque ébouriffées. Présentée sur un socle en bois mouluré, laqué noir avec des inserts dorés, de fabrication toscane du XVIIe siècle.

Nativité

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau provient de la collection familiale historique du comte Castracane, comme l'atteste le reçu original autographié de Francesco Bassano (joint à l'œuvre) qui stipule : « Votre très illustre comte Castracane. Réception de la somme de cinq cents ducats pour le tableau de ma main représentant la Nativitas Domini Nostri, comme vous l'aviez commandé. Votre dévoué et obéissant serviteur Franciscus da Ponte de Bassano. Le 12 décembre 1589. » Au dos du cadre, il y a également une étiquette d'inventaire en haut et la mention «proprietà Castracane» en bas. Le comte Castracane susmentionné appartient à la famille noble des Castracani degli Altelminelli de Fano, d'origine lucquoise. Francesco Dal Ponte da Bassano, dit le Jeune, travailla pendant de nombreuses années dans l'important atelier de son père Jacopo, dit Bassano l'Ancien, avant de s'installer à Venise en 1578 où il ouvrit son propre atelier personnel, tout en continuant à collaborer avec l'atelier de Bassano, qui était entre-temps dirigé par son frère Leandro après la mort de leur père ; Vers la fin des années 1580, cependant, une crise se manifeste chez Francesco qui se reflète également dans sa production allégorique : dans une approche progressive du goût de son frère Léandro, la couleur devient plus claire et perd de sa force, les formes se dilatent et se simplifient, la composition se fragmente. La production de la famille Bassano se distingue surtout par des sujets sacrés, insérés toutefois dans des contextes ruraux, ce qui conduit à les définir comme biblico-pastoraux. Même dans ce tableau, la Sainte Famille ne caractérise pas la centralité de la scène, mais elle est l'un des deux groupes de figures très humaines qui occupent la partie droite de la scène, tandis qu'à gauche se détache le groupe de bergers avec les animaux de la campagne et les objets simples de la vie quotidienne. Le contexte rural est bien défini également par les objets environnants, même si la cabane de naissance est remplacée par une structure architecturale avec des colonnes en marbre, mais d'une couleur qui se fond avec les autres structures environnantes. Les seuls éléments spirituels sont l'ange - solitaire ! - qui apparaît aux bergers pour faire l'annonce, relégué au sommet, petit et à peine visible ; et le halo qui entoure la tête de l'Enfant Jésus, représenté paisiblement endormi, inconscient de ce qui se passe autour de lui et de ce qui l'attend. La production de l'atelier de son père à Bassano se caractérise par la richesse et la vivacité des couleurs et par les contrastes lumineux, qui s'atténuent cependant chez Francesco, se traduisant par des choix chromatiques plus ténus et des formes simplifiées, perdant une partie de leur force. Cela se voit également dans cette œuvre, qui remonte aux dernières années de la vie de l'artiste, notamment dans les vêtements des personnages ; Notez en particulier comment la robe de Marie n'est plus rouge comme le veut la tradition, une couleur fortement symbolique de la douleur humaine, mais est de la même nuance rose que la tunique centrale du berger, presque comme pour souligner l'appartenance de la Madone à l'humanité humble et simple. De plus, dans sa dernière période, Francesco Bassano, en raison de sa santé compromise par une grave hypocondrie (il se suicida en 1592), reçut des commandes d'œuvres qui ne furent exécutées que partiellement par lui, mais déléguées au moins partiellement à ses assistants. Cela indique que l'œuvre a été commandée par lui et provient de son atelier, comme l'indique sa déclaration autographe, mais n'a probablement pas été créée directement par le maître, mais plutôt par l'un de ses collaborateurs. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien en bois de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle.

Nature morte avec des trous, des fruits, un perroquet et une caille

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. La grande composition est riche de nombreux éléments différents : au centre se dresse une grande composition florale, de multiples variétés aux couleurs vives ; à gauche des fleurs, appuyées sur un chapiteau dorique, se trouve une perruche aux couleurs vives contrastant avec celles ternes de la caille morte gisant à l'étage inférieur, accompagnée de citrouilles et d'un vase en étain. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque. Il provient d'une importante collection (Commendatore Arturo Stucchi, un entrepreneur de Côme, est mentionné au dos).

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.