SELEZIONE ARTE

Fiesole 1465 environ – 1526

Sculpture en stuc peint, représentant le buste du Christ Rédempteur. Vêtu d'une tunique rouge ornée d'un col doré, une cape bleue est drapée sur son épaule gauche. Le visage est légèrement incliné vers la gauche, les traits pointus et décharnés, le regard mélancolique et bas, et est encadré de longues boucles presque échevelées. Présenté avec un socle en bois mouluré, laqué noir et avec inserts dorés, de fabrication toscane du XVIIe siècle.

Nativité

Huile sur toile. Seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau provient de la collection familiale historique du comte Castracane, comme l'atteste le reçu original autographié de Francesco Bassano (joint à l'œuvre) qui stipule : « Votre très illustre comte Castracane. Réception de la somme de cinq cents ducats pour le tableau de ma main représentant la Nativitas Domini Nostri, comme vous l'aviez commandé. Votre dévoué et obéissant serviteur Franciscus da Ponte de Bassano. Le 12 décembre 1589. » Au dos du cadre, il y a également une étiquette d'inventaire en haut et la mention «proprietà Castracane» en bas. Le comte Castracane susmentionné appartient à la famille noble des Castracani degli Altelminelli de Fano, d'origine lucquoise. Francesco Dal Ponte da Bassano, dit le Jeune, travailla pendant de nombreuses années dans l'important atelier de son père Jacopo, dit Bassano l'Ancien, avant de s'installer à Venise en 1578 où il ouvrit son propre atelier personnel, tout en continuant à collaborer avec l'atelier de Bassano, qui était entre-temps dirigé par son frère Leandro après la mort de leur père ; Vers la fin des années 1580, cependant, une crise se manifeste chez Francesco qui se reflète également dans sa production allégorique : dans une approche progressive du goût de son frère Léandro, la couleur devient plus claire et perd de sa force, les formes se dilatent et se simplifient, la composition se fragmente. La production de la famille Bassano se distingue surtout par des sujets sacrés, insérés toutefois dans des contextes ruraux, ce qui conduit à les définir comme biblico-pastoraux. Même dans ce tableau, la Sainte Famille ne caractérise pas la centralité de la scène, mais elle est l'un des deux groupes de figures très humaines qui occupent la partie droite de la scène, tandis qu'à gauche se détache le groupe de bergers avec les animaux de la campagne et les objets simples de la vie quotidienne. Le contexte rural est bien défini également par les objets environnants, même si la cabane de naissance est remplacée par une structure architecturale avec des colonnes en marbre, mais d'une couleur qui se fond avec les autres structures environnantes. Les seuls éléments spirituels sont l'ange - solitaire ! - qui apparaît aux bergers pour faire l'annonce, relégué au sommet, petit et à peine visible ; et le halo qui entoure la tête de l'Enfant Jésus, représenté paisiblement endormi, inconscient de ce qui se passe autour de lui et de ce qui l'attend. La production de l'atelier de son père à Bassano se caractérise par la richesse et la vivacité des couleurs et par les contrastes lumineux, qui s'atténuent cependant chez Francesco, se traduisant par des choix chromatiques plus ténus et des formes simplifiées, perdant une partie de leur force. Cela se voit également dans cette œuvre, qui remonte aux dernières années de la vie de l'artiste, notamment dans les vêtements des personnages ; Notez en particulier comment la robe de Marie n'est plus rouge comme le veut la tradition, une couleur fortement symbolique de la douleur humaine, mais est de la même nuance rose que la tunique centrale du berger, presque comme pour souligner l'appartenance de la Madone à l'humanité humble et simple. De plus, dans sa dernière période, Francesco Bassano, en raison de sa santé compromise par une grave hypocondrie (il se suicida en 1592), reçut des commandes d'œuvres qui ne furent exécutées que partiellement par lui, mais déléguées au moins partiellement à ses assistants. Cela indique que l'œuvre a été commandée par lui et provient de son atelier, comme l'indique sa déclaration autographe, mais n'a probablement pas été créée directement par le maître, mais plutôt par l'un de ses collaborateurs. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien en bois de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle.

Toscane, 1470-1480 ca.

Sculpture en bois polychrome représentant le Christ crucifié, les membres émaciés et la tête appuyée sur la poitrine ; le corps est peint d'une teinte terreuse, autour des hanches un pagne qui a été reproduit dans le laquage.

Nature morte avec des trous, des fruits, un perroquet et une caille

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. La grande composition est riche de nombreux éléments différents : au centre se dresse une grande composition florale, de multiples variétés aux couleurs vives ; à gauche des fleurs, appuyées sur un chapiteau dorique, se trouve une perruche aux couleurs vives contrastant avec celles ternes de la caille morte gisant à l'étage inférieur, accompagnée de citrouilles et d'un vase en étain. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque. Il provient d'une importante collection (Commendatore Arturo Stucchi, un entrepreneur de Côme, est mentionné au dos).

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.