SELEZIONE ARTE

Huile sur toile de l'école flamande du début du XVIIe siècle, représentant une scène d'intérieur animée dans une grande cuisine d'un palais. Au premier plan, une table richement garnie présente une profusion de mets, dont des fruits, des légumes et du gibier, ainsi qu'une dinde vivante dans un panier à gauche. La composition comprend plusieurs personnages : le cuisinier, au centre, examine un poulet, tandis qu'un assistant, à droite, étale de la pâte ; un chasseur observe discrètement depuis l'embrasure de la porte à gauche, tandis qu'à côté d'une grande cheminée où crépite un feu, un personnage veille sur une grande marmite. À l'arrière-plan, deux gentilshommes contemplent un paon placé dans un panier sur un grand buffet. L'œuvre se caractérise par une profusion de détails et une grande variété de couleurs, notamment dans les éléments naturalistes, et s'inscrit dans le style et les procédés picturaux de Joachim Beuckelaer (1533-1574), peintre flamand également actif en Italie, spécialisé dans les scènes de marché et de cuisine. Il était réputé pour ses représentations détaillées d'aliments et d'ustensiles ménagers, et célèbre pour ses magnifiques natures mortes placées au premier plan. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est actuellement présenté dans un cadre d'époque.

Madeleine pénitente, vers 1750.

Peinture à l'huile sur toile. La figure de Madeleine est représentée ici, selon la tradition, avec de longs cheveux roux ; avec un geste de dédicace douloureuse, il fixe son regard sur le crucifix, qu'il tient avec sa main gauche appuyée contre son bras droit, qui à son tour est replié en signe de pénitence recueillie. Le corps entier est rendu avec une splendide torsion opposée, qui a pour effet de faire ressentir au spectateur la tension du moment vécu par le saint. À sa gauche, le crâne, son attribut traditionnel, est visible et au fond on aperçoit les contours de la grotte dans laquelle elle est placée. La partie du corps apparaît, grâce à l'intense luminosité des bras, liée aux nuances ocre rouge des cheveux et du visage, accentuant ainsi également le caractère érotique de la scène, rappelant la peinture exubérante de Rubens, qui a eu une grande influence sur l'œuvre de Crespi. travail . Cette figure captivante et très agréable de la Madeleine suit la tendance répandue aux XVIIe et XVIIIe siècles consistant à représenter des saints sur fond de sensualité humaine, révélant la préférence des clients pour des thèmes sacrés imprégnés d'éléments profanes. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre fin XIXème-début XXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole lombarde du XVIIe siècle. La grande scène présente au centre la Madone assise proposant son sein à l'Enfant Jésus, qui s'allonge à la place pour essayer de cueillir un fruit dans la corbeille que lui donne saint Jean, debout sous eux ; autour, cinq figures de saints, reconnaissables à leurs attributs iconographiques. De gauche à droite vous avez : Saint Paul, tenant l'épée, Sainte Anne, veillant amoureusement sur sa fille et son petit-fils, Saint Pierre tenant les clefs du Royaume, Saint Joseph avec son bâton et un outil de menuisier à sa taille, et enfin, dernier à droite, San Carlo Borromeo, dont la présence dans l'œuvre soutient le client lombard. Le tableau provient également de la collection privée d'une famille lombarde, dont il fait partie depuis le XIXe siècle. L'oeuvre est encore sur la première toile et avec le cadre d'origine; au dos, il y a quelques petites taches et des signes de taches précédentes. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Jephté et sa Fille

Huile sur toile. Le tableau représente Jephté et sa fille, deux personnages bibliques de l'Ancien Testament. La jeune fille est représentée de profil, vêtue à la manière d'une Vénitienne du XVIIe siècle : une robe décolletée, cintrée à la taille par une ceinture dorée et ornée de manches flottantes ; ses cheveux blonds sont relevés et tressés, agrémentés de perles ; et des boucles d'oreilles pendantes ornent ses oreilles. D'une main, elle porte un linge à son visage pour essuyer ses larmes, tandis que de l'autre, elle tient la main de son père. Jephté, quant à lui, porte une armure, un lourd manteau rouge drapé sur son bras droit, et semble désigner du doigt un point hors du tableau ; son expression est empreinte de douleur. Les sentiments exprimés par les protagonistes – le désespoir frôlant la folie chez Jephté, la résignation humble de la jeune fille en pleurs, qui tient la main de l'homme comme pour le consoler – illustrent parfaitement l'histoire tragique du guerrier revenu victorieux, mais contraint par un serment de sacrifier sa propre fille. Selon l'analyse de l'historienne de l'art Ludovica Trezzani, dont l'expertise est jointe, le tableau étudié ici est une réplique, de dimensions différentes et avec un cadrage légèrement plus serré, d'une composition de Girolamo Forabosco, également connue sous le nom de « Médoro et Angélique », car son sujet a toujours été interprété à la lumière du poème d'Arioste. Dans son analyse, Ludovica Trezzani retrace la succession d'hypothèses qui ont conduit à l'interprétation de l'œuvre comme un thème de l'Ancien Testament. L'experte décrit le tableau comme « précieux par sa matérialité et habile par endroits, mais moins réussi par d'autres, et donc probablement exécuté dans l'atelier de Forabosco, en partie avec son intervention directe, mais aussi avec la contribution importante d'un ou plusieurs assistants, comme c'était l'usage dans les ateliers de l'époque ». Le tableau porte des traces de restaurations et de rentoilages antérieurs. Il est présenté encadré.

Affrontement entre soldats et guérilleros en Espagne

Huile sur toile. Accompagné de l'expertise du professeur Fernando Mazzocca. Le tableau appartient à une série d'œuvres du peintre véronais Giuseppe Canella situées en Espagne, à la suite du séjour de l'artiste dans ce pays entre 1820 et 1823, qui l'a amené à s'arrêter dans diverses villes espagnoles, la dernière étant Madrid où il fréquenta la cour. De ses voyages à travers l'Europe, Canella rapporte de nombreux dessins dont il s'inspire pour les œuvres ensuite retravaillées dans son atelier de Milan, souvent présentées ensuite aux expositions de l'Académie de Brera. Dans cet ouvrage, la référence est à une période dramatique de l'histoire de l'Espagne, marquée par les soulèvements constitutionnels contre le roi Ferdinand VII de Bourbon, qui provoquèrent l'intervention française en soutien à la monarchie contre les rebelles. En réalité, l'événement historique est presque un prétexte pour Canella pour rappeler la dureté et le charme du paysage montagneux, qui sert de toile de fond monumentale à l'affrontement entre l'armée et les rebelles, petites figurines presque indistinctes. Le tableau, en excellent état, ne présente que de très légères chutes de couleur, déjà restaurées. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Vendeur de Cerises CourtiséE et deux Musiciens 1720 ca.

Huile sur toile. Le tableau est accompagné de l'expertise de l'historien de l'art Dr Giuseppe Sava. Le protagoniste de la scène du marché en plein air est un vendeur de cerises, qui porte un chapeau de paille voyant et est assis à côté d'un panier de ces fruits posé sur un banc en bois, à côté d'une pierre sur laquelle repose la cour en acier. Le regard souriant, presque clignotant, tourné vers le spectateur, elle accepte les avances de l'homme qui, derrière elle, pose une main sur son épaule, d'un air lascif, tandis que deux musiciens à gauche improvisent un concert. Le groupe composite et joyeux fait référence à la production de Giacomo Francesco Cipper, dit Todeschini (1664 -1736), peintre d'origine autrichienne mais lombard par sa formation et son style pictural, qui était un "chanteur de paysans, vendeurs ambulants soucieux de leur quotidien occupations ou de loisirs", spécialiste des scènes de marché, des concerts en plein air, des joueurs de cartes, des scènes de vie humble quotidienne réalisées avec une force caricaturale riante et une recherche d'effet comique. Cipper a tiré ce style narratif du peintre danois Monsù Bernardo, longtemps actif en Italie entre Bergame et Milan: de lui est notamment née la prédilection pour les histoires quotidiennes et les personnages humbles, ainsi que le caractère impertinent de ces personnages, qui sollicitent l'attention de l'observateur à travers un regard fixé sur lui. Dans ce tableau également, la femme protagoniste fixe son regard malicieux sur l'observateur, souriant avec complicité et ironie au jeu de cour dans lequel les trois hommes font d'elle la protagoniste, impliquant un « marché » qui n'est plus seulement celui des cerises. Dans son expertise, le Dr Sava souligne les relations stylistiques et typologiques de ce tableau avec d'autres personnages de Cipper, pour étayer l'attribution ; l'évolution stylistique dans les aspects formels et techniques de ses œuvres est également expliquée - les couleurs qui s'éclaircissent, avec une prédilection évidente pour l'ocre, le noisette, le vert sauge, parmi lesquels s'insinue le bleu poudré ; les fonds laiteux, la luminosité plus tamisée et le clair-obscur moins plastique, une évolution qui permet de situer l'œuvre dans sa production du début du XVIIIe siècle. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien adapté.

Ecole française. Milieu du XVIIIe siècle

Huile sur panneau. École française. Milieu du XVIIIe siècle. La scène représente une fête à l'intérieur d'un parc entouré de murs aux passages voûtés ouverts sur la campagne, et décoré à droite d'une amphore sur colonne et au centre, derrière les personnages, d'une fontaine jaillissante, de statues d'angelots et coquilles. Deux couples de dames et de messieurs richement vêtus se divertissent galamment, entourés de domestiques ; l'un des hommes joue du violon, accroupi devant sa dame qui, flanquée de la demoiselle d'honneur, suit la mélodie sur la partition tenue par le jeune homme à ses côtés, tandis que deux musiciens accompagnent le jeu avec la flûte et une mandoline ; l'autre couple, dans une attitude de dialogue intime, écoute à gauche, tandis qu'à droite le chasseur revenant de la chasse observe également la scène. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

La Madeleine pénitente et saint Jean-Baptiste

Huile sur ardoise. Voici deux exemples de peinture à l'huile sur pierre, un genre pictural qui connut une popularité particulière dans la République de Venise entre le XVIe et le XVIIe siècle, sous sa forme de peinture à l'huile sur ardoise ou pierre de touche. Le choix d'une pierre aussi sombre comme support n'était pas seulement pratique (la proximité des mines de Brescia et de la vallée de la Brembana), mais, comme le démontrent clairement nos deux œuvres, l'émergence des figures de l'obscurité vers la lumière répondait également pleinement aux nouvelles exigences de la peinture contemporaine. Dans le contexte de la Contre-Réforme, les peintres n'exprimaient plus les certitudes existentielles idéalisées de la Haute Renaissance, mais aussi les angoisses et l'ouverture à de nouvelles phases. Ces tendances, déjà perceptibles chez Tintoret, privilégiaient une plus grande attention au réalisme et aux contrastes de lumière, et menèrent ensuite de façon prépondérante aux explorations du XVIIe siècle qui se concentrèrent fortement sur le contraste entre l'ombre et la lumière. Les deux œuvres présentées ici, caractéristiques de la production vénitienne du début du XVIIe siècle, mettent en scène deux saints, tous deux ermites, se détachant sur un fond sombre et naturaliste à peine visible. Marie-Madeleine émerge de l'obscurité, appuyée contre la courbe du support en pierre ; elle est représentée tournée vers l'obscurité, l'air interrogateur, comme à l'écoute, la main gauche levée et l'autre posée sur le memento mori, magnifiquement raccourci. Devant elle se trouvent un fléau et un vase d'onguent. Peint en pendant, saint Jean-Baptiste est représenté jeune, un agneau à ses pieds, tenant la croix de procession ornée de l'étendard « ecce agnus dei », tandis que de la main droite il puise de l'eau à la fontaine, évoquant l'épisode du baptême de Jésus-Christ. Dans les deux tableaux, les figures se détachent avec force et netteté grâce au noir qui caractérise la plaque d'ardoise sur laquelle elles sont représentées. Les deux tableaux de format ovale sont présentés dans des cadres en bois noir datant de la fin du XIXe siècle.