PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN - Page 10

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.

Platon et Aristote

Technique mixte sur toile. Signature, titre, date et dédicace au verso. Paolo Baratella, artiste ferrarais récemment disparu, a développé son art en composant de vastes cycles picturaux inspirés par des sujets contemporains ; nous disposons donc de séries d'œuvres de lui regroupées sous des titres significatifs. À partir du milieu des années 1980 et jusqu'aux années 2000, ses mises en scène s'enrichissent de références culturelles, picturales et iconographiques littérales. En particulier, Baratella accorde plus d'attention à l'iconographie de l'art, de la philosophie et de l'histoire. Dans cette œuvre, l'artiste présente les portraits des deux grands philosophes grecs (tirés de leurs représentations classiques traditionnelles) et les estompe dans un cadre rose-bleu. Les deux toiles individuelles sont placées côte à côte dans un cadre en bois sculpté, sur lequel sont gravés les mots "Timée", un ouvrage écrit par Platon, et "Éthique", un thème récurrent de la philosophie aristotélicienne, sur deux traverses horizontales.

Figure Féminin 1993

Sculpture en bronze polychrome sur socle en pierre. Signature et date sur le socle. Guido Lodigiani, sculpteur milanais encore actif aujourd'hui et professeur passionné à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, disait de son art : "Je crois que l'artiste est appelé à montrer la racine de l'expérience humaine et, par cette voie, à exciter à nouveau. Et la racine de l'existence, sa matrice, c'est la femme, que Lodigiani considère comme la Femme de l'Annonce, expression de la tension inquiète et intime vers le mystère de la création. La sculpture de Lodigiani extrait la forme, comme du ventre d'une mère, à partir d'un noyau originel de matière dans lequel elle creuse des vides et des tensions, Cette tension plastique est bien exprimée dans cette figure féminine nue, assise mais tordue, comme si elle venait d'émerger de la matière indistincte et tendait vers le haut, vers la vie, vers la lumière.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israéliens (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que la population israélienne ne devienne trop nombreuse et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène se déroule au bord d'un fleuve mais dans un paysage qui n'est pas oriental, avec des structures architecturales sur la droite : de nombreux personnages représentent la suite de la princesse, placée au centre avec l'enfant dans le panier. La toile restaurée a été appliquée sur un châssis moderne. Présenté dans un cadre du XIXe siècle.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Au dos ce monogramme No.S. et les chiffres d'inventaire probables. Le tableau rappelle des œuvres de la région autrichienne. Il dépeint une bataille entre chevaliers, dominée au premier plan par l'affrontement entre deux d'entre eux. Le tableau provient d'une collection historique lombarde. Toujours sur la première toile et dans le cadre d'origine ; au dos, il y a des taches et des signes de restaurations anciennes, et il a également été soumis à une restauration picturale et restauratrice supplémentaire dans notre laboratoire. Cretto bien marqué. Le tableau est présenté dans un cadre original et contemporain, laqué.

Fille dans un fauteuil

Sculpture en terre cuite. Signée en bas à droite. Marco Cornini, artiste milanais formé à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, travaille principalement la terre cuite, avec laquelle il crée des figures humaines, masculines et féminines, hommes et femmes, ou mieux encore garçons et filles plus ou moins de sa génération, dans des moments de leur intimité, souvent en couple mais aussi individuellement, avec des connotations sentimentales, érotiques et passionnelles. Ici, une femme nue est représentée assise dans un fauteuil dans une pièce, dans une attitude de désespoir intime.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École flamande des XVIIe et XVIIIe siècles. La grande scène se déroule dans un vaste paysage nordique, au sein d'une forêt remplie de plantes tortueuses, et à droite une ville surmontée de pics rocheux. À l'intérieur de la forêt, un groupe important de personnages, populaires mais aussi de haut rang, tous vêtus à l'orientale, entourent Jean-Baptiste, représenté dans son costume iconographique traditionnel (vêtu de peaux, avec son bâton surmonté de la Croix et enveloppé d'un rouleau, un agneau à ses pieds) : le regard de Jean est tourné vers le haut, dans l'axe d'un oiseau volant au-dessus de la cime des arbres, représentation symbolique de l'Esprit Saint inspirant les paroles du prédicateur. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord des XVIIe et XVIIIe siècles. La grande scène est remplie de personnages en habits orientaux anciens, dans un paysage nordique, riche en végétation et avec des sommets montagneux au loin. La moitié gauche est principalement occupée par saint Jean-Baptiste, debout et représenté selon l'iconographie traditionnelle : il est vêtu d'une tunique pauvre faite de peaux d'animaux, mais il a drapé autour de lui un manteau rouge, symbole du martyre ; il tient d'une main le bâton en forme de croix, autour duquel est enroulé le rouleau portant l'inscription "Ecce Agnus Dei", qui symbolise son rôle de précurseur et d'annonciateur du Christ, et à ses pieds l'agneau lui-même, victime sacrificielle et donc symbole du sacrifice du Christ. De l'autre main, Jean désigne sur sa droite un personnage hors du cadre de la scène, mais qui est manifestement le Christ : ce geste catalyse le regard de toute la foule sur la droite de la scène, une foule variée représentant différents sexes, classes sociales et races, ce qui indique l'universalité du message du Baptiste. L'œuvre, précédemment restaurée et retouchée, présente une patine diffuse qui nécessite un nettoyage. Présenté dans un cadre ancien.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Dans une cuisine rurale, une famille paysanne s'accorde un moment de fête : le père joue de la mandoline, écouté par la petite fille qui semble vouloir danser, assistée par sa mère, et par les autres femmes de la maison, souriantes comme ils accomplissent leurs tâches domestiques. La production du peintre napolitain Giuseppe Giardiello s'est toujours tournée vers le folklore de la vie rurale et paysanne napolitaine, peignant, avec des tons intimes et délicats, aussi bien des scènes de la vie domestique que des paysages animés par des personnages. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Paysage avec Rivière 1906

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme un peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent animés par l';inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, délaissant la technique pointilliste. Tout en privilégiant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'engageant également dans les marines et les natures mortes. Dans cette œuvre, toujours de la première période, Maggi dépeint un aperçu de la campagne traversée par une rivière calme, bordée de rangées d'arbres dénudés et de petites collines herbeuses, derrière laquelle dominent les fermes : déjà plus liées aux techniques divisionnistes, les l'œuvre est plutôt caractérisée par des mélanges de couleurs denses et opaques, dans lesquels la terre, l'eau et les fermes se superposent dans un continuum rompu uniquement par la bande de ciel au-dessus. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Peinture à l'huile sur toile. D'une saveur bucolique et sereine, la scène se déroulant dans la campagne en bordure du village que l'on aperçoit sur la gauche, voit une femme et son fils qui, près d'un ruisseau, attendent le berger avec son troupeau avec un panier repas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Huile sur toile, appliquée sur panneau dur dans la seconde moitié des années 1900. La peinture reprend les voies picturales du XVIIIe siècle, avec une découpe décorative. Dans un paysage paisible, avec une structure architecturale sur la droite et la vallée verdoyante avec la rivière qui s'ouvre sur la gauche, deux personnages marchent le long du chemin, une femme avec son paquet de vêtements et le voyageur avec une sacoche et un bâton. L'œuvre est présentée sous forme de chronique.

Peinture à l'huile sur toile. La scène représente un concert de chambre : au centre, le joueur d'épinettes, derrière lui la flûte à bec et à droite le maestro qui dirige, qui écoute attentivement et bouge sa main droite pour accompagner les mouvements musicaux ; derrière le trio, mesdames et messieurs écoutent en souriant et en participant. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du XIXe siècle.

Lombardie-Veneto

Sculpture en bois de tilleul, peinte en polychromie et représentant Saint Pascal Baylon (1540-1592) en adoration de l'Eucharistie, qu'il tient de la main gauche dans un ostensoir désormais dépourvu de l'étui soleillé. Reconnaissable, ainsi que pour l'attitude typique de son iconographie, aussi pour l'habit franciscain et le visage imberbe. La proclamation aux Bienheureux en 1618 constitue un terme post quem pour la réalisation de la sculpture, confirmation également donnée par la figure stylistique de la ciselure, notamment par les épaisses mèches de cheveux, la bouche charnue et les paupières lourdes, caractéristiques de la sculpture. de la première moitié du Six-cent.

Scène d'intérieur

Huile sur toile. Non signé, mais au dos il y a une dédicace "Alla signora Clelia Mazzioli, con stima Gaetano Bellei 23 gennaio 1909". La grande scène, se déroulant dans une cuisine populaire, voit une femme lire des cartes à deux filles, qui demandent des explications en désignant les personnages qui apparaissent et semblent les comparer à un texte appuyé sur la chaise. L'œuvre rappelle la peinture de Gaetano Bellei, en raison du fort réalisme avec lequel le peintre peint surtout des scènes de la vie paysanne quotidienne ; il est considéré comme un maître de la représentation des affections humaines et des réactions et sensations humaines. La peinture a de légères gouttes de couleur. Il est proposé dans un cadre élégant.