Le Semeur Sculpture en Bronze France XX Siècle

Paysage Norfolk

Huile sur table. Au verso, en bas à droite, la signature et le titre de l'oeuvre se lisent à contre-jour. C'est un paysage typique de l'Angleterre, caractérisé à droite par une vaste plaine plutôt aride, occupée par un plan d'eau marécageux, tandis qu'à gauche on peut voir un chemin qui s'enfonce dans la garrigue et traversé par des voyageurs et des bergers avec leurs troupeaux . . Il s'agit du paysage typique du Norfolk réalisé par l'architecte paysagiste Robert Ladbrooke, né et vécu à Norwich et co-fondateur en 1805 avec John Crome de la Norwich School of painters. Le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème, avec un petit manque.

Peinture à l'huile sur toile. Le tableau fait partie de la production du XIXe siècle de Grand Tour, qui avait un arrêt obligatoire à Tivoli pour ses richesses architecturales. Tivoli est identifié par le temple de Vesta qui s'élève sur la falaise à gauche, sous les pics escarpés et accidentés des monts Tiburtini sur lesquels se dresse la ville. Sous la falaise, juste après une cascade animée, coule la rivière sur laquelle sévit une intense activité humaine : en particulier l'activité des bateliers qui transportent les voyageurs vers le moulin de l'autre rive est représentée. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Peinture à l'huile sur toile. Le tableau reflète l'attention du XIXe siècle aux aperçus et aux scènes de la vie populaire : le paysage offre la vue d'un village pauvre surplombant une rivière, traversée par un pont, avec des figurines d'hommes sur la barque à rames et de lavandières sur le rivage ; le petit château sur la colline surplombe la scène. L'oeuvre est présentée dans un cadre doré de la fin du 19ème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française de la fin du XIXe siècle. Trace de signature non identifiée en haut à droite. Au premier plan, les visages de deux personnages populaires qui semblent caricaturaux, peut-être des personnages d'une représentation théâtrale : on dirait la scène d'une parade nuptiale satirique, avec l'homme qui regarde lascivement la femme, certainement pas jeune et séduisante, qui tient un bouquet de fleurs avec une expression entre résignée et confuse. Le tableau est présenté dans un cadre du début des années 1900.

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et éduqué à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et formé à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans titre 1999

Technique mixte sur bois. Signé et daté au dos. Né à Magenta, Giovanni Sesia ne se définit pas comme un peintre ni même comme un sculpteur ou un photographe, mais un « artiste ». Il fréquente l'Académie Brera de Milan et aborde la peinture avec des tableaux au signe fort et aux couleurs vives. Après une première recherche artistique dans l'abstraction et la découverte de la photographie comme moyen technique à combiner avec l'expressivité picturale, Giovanni Sesia découvre à la fin des années 90 toute une archive photographique d'un hôpital psychiatrique abandonné : fasciné par les photographies anciennes, qui représentent des visages et lieux oubliés, l'artiste les agrandit et les réélabore en superposant fonds, retouches picturales et insertions calligraphiques, explorant le thème de la folie et mettant au jour des existences marquées par la douleur et la maladie, pour les soustraire au passage du temps et de l'oubli. Le sens de la tradition, les couleurs chaudes de la terre, les bruns, les ocres et la rouille, comme les écrits faits avec une écriture presque illisible, deviennent les traits personnels et indéniables même dans les œuvres qui représentent différents thèmes, tels que les objets domestiques, les paysages , la ville, le tout avec une matrice commune, l'être humain et la valeur de la mémoire. L'oeuvre est encadrée.

Huile sur toile. Il s'agit d'un portrait de deux personnages masculins à mi-corps, portant des manteaux et des chapeaux en forme de cône avec des plumes brillantes ; les expressions dures, sombres et sardoniques font penser à des brigands ou à des brigands, ou, pour la vivacité des vêtements, à des acteurs qui incarnent de telles figures. L'oeuvre est présentée dans un cadre doré de la fin du 19ème siècle, avec des manques.

Sans titre 2006

Technique mixte sur bois. Signé et daté au dos. Né à Magenta, Giovanni Sesia ne se définit pas comme un peintre ni même comme un sculpteur ou un photographe, mais un « artiste ». Il fréquente l'Académie Brera de Milan et aborde la peinture avec des tableaux au signe fort et aux couleurs vives. Après une première recherche artistique dans l'abstraction et la découverte de la photographie comme moyen technique à combiner avec l'expressivité picturale, Giovanni Sesia découvre à la fin des années 90 toute une archive photographique d'un hôpital psychiatrique abandonné : fasciné par les photographies anciennes, qui représentent des visages et lieux oubliés, l'artiste les agrandit et les réélabore en superposant fonds, retouches picturales et insertions calligraphiques, explorant le thème de la folie et mettant au jour des existences marquées par la douleur et la maladie, pour les soustraire au passage du temps et de l'oubli. Le sens de la tradition, les couleurs chaudes de la terre, les bruns, les ocres et la rouille, comme les écrits faits avec une écriture presque illisible, deviennent les traits personnels et indéniables même dans les œuvres qui représentent différents thèmes, tels que les objets domestiques, les paysages , la ville, le tout avec une matrice commune, l'être humain et la valeur de la mémoire. L'oeuvre est encadrée.

Récolte

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos cette autre signature avec le titre et le cartouche de la galerie d'art Ardenza (un quartier de Livourne). Carlo Pupi est un artiste livournais né en 1939, qui s'occupe principalement de peintures de genre qu'il interprète avec un vif réalisme. Son style pictural, rapide et cursif, montre une certaine tendance impressionniste, dans la lignée de toute l'école de Labronica. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française de la fin du XVIIIe siècle. Dans une atmosphère romantique, mise en valeur par les nuances bleu-rose du ciel, une campagne verdoyante est représentée, traversée par une petite rivière (qui coule vers la mer en arrière-plan et peuplée de villages sur ses rives), sur laquelle quelques figures masculines et féminines en tuniques classiques, elles engagent des conversations. La peinture a de petits trous et des gouttes de couleur (marqué cretto). Il est présenté dans un cadre élégant.