Tableau Ancien Signé Tranquillo Cremona Aquarelle du XIXe Siècle - Confidences

Huile sur toile. Signature et date non identifiées en bas à gauche. Au dos du cadre se trouve une inscription contemporaine à l'encre indiquant « Amelia Germani, 4 ans, 1876 ». Le portrait montre la petite fille vêtue d'une élégante robe aigue-marine, en satin et dentelle, debout devant une balustrade en marbre du jardin, tenant dans ses mains un panier de fleurs colorées. Le regard perplexe de la petite fille évoque la tendresse, les yeux grands ouverts et fixés sur la personne qui la représente tandis que sa main gauche joue avec les fleurs du panier, en laissant tomber certaines et dénonçant le malaise causé par la situation. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Europe centrale du XIXe siècle. La grande scène se déroule au bord d'une rivière qui coule près d'un village et qui est traversée par un petit pont en bois. Sur les berges, au premier plan, une femme lave du linge, un berger abreuve son bétail et un voyageur observe les personnages, appuyé sur son bâton. Lumineux et serein, le tableau a un impact dramatique. Restaurée et retouchée, elle est présentée dans un cadre élégant.

Huile sur toile. École française de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. Portrait d'un gentleman en élégant costume bourgeois. La toile présente des déchirures mineures et nécessite un nettoyage. Il est présenté dans un cadre doré du XIXème siècle.

Huile sur toile, appliquée sur le panneau. Ecole française. Signé F. Barthélemy et daté 1876 en bas à gauche. La scène, de style et de décor oriental, suggère l'éducation domestique et intellectuelle d'une jeune fille (la référence, quoique laïque, à l'Éducation de la Vierge est essentielle !) : une jeune fille, debout au centre de la scène, tandis que elle est concentrée sur un projet de broderie, il écoute l'enseignement de sa mère, qui tient des feuilles écrites dans ses mains ; la femme âgée est vêtue d'une robe orientale et allongée sur un triclinium, tandis que, derrière elle, un serviteur tire le rideau, révélant en arrière-plan un imposant temple classique. La scène est caractérisée par des détails du décor soigneusement conçus et riches en détails, comme le bouquet de fleurs sur la table à broder, le tissu qui recouvre le triclinium sur lequel est allongée la mère ; l'atmosphère intime et domestique est soulignée par les couleurs terreuses des murs du palais, sur lesquels se détachent les couleurs vives des personnages, bien éclairés par la lumière éclatante de l'extérieur. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Intérieur d'une Écurie, 1889

Huile sur panneau dur. Signé et daté 30-11-1889 en bas à gauche. Delleani, qui peignait initialement principalement des sujets historiques, s'est progressivement rapproché de la peinture de paysages "en plein air", en particulier des lieux de ses origines, les vallées piémontaises, caractérisant ses vues par des vibrations chromatiques et une luminosité chaleureuse. Cependant, au cours des dernières décennies de sa vie, il s'est également laissé impliquer dans le courant orientaliste, mais il est ensuite revenu à ses vues de paysages, créant surtout des panneaux riches en couleurs chaudes et en atmosphères suggestives. Plus rare mais tout aussi évocatrice est sa production d'intérieurs, comme celui d'une écurie, où les personnages animés, les moutons, apparaissent comme des taches de couleur presque indistinctes au sein d'un environnement entièrement joué sur les effets lumineux d'une seule gamme chromatique. Restauré et protégé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Dans une cuisine rurale, une famille paysanne s'accorde un moment de fête : le père joue de la mandoline, écouté par la petite fille qui semble vouloir danser, assistée par sa mère, et par les autres femmes de la maison, souriantes comme ils accomplissent leurs tâches domestiques. La production du peintre napolitain Giuseppe Giardiello s'est toujours tournée vers le folklore de la vie rurale et paysanne napolitaine, peignant, avec des tons intimes et délicats, aussi bien des scènes de la vie domestique que des paysages animés par des personnages. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Paysage avec Figures et Four à Pain

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. La vue de paysage montre au premier plan un chemin de montagne qui mène à un four à pain, où une femme prépare des fagots de bois pour le feu, tandis qu'un voyageur s'approche à dos d'âne ; dans la vallée le viaduc sur la rivière qui mène au village, surmonté d'autres pics arides. Micheroux, appartenant à l'école Posillipo, ou à l'école d'artistes napolitains du XIXe siècle dédiée à la peinture de paysage, a créé plusieurs aperçus de l'arrière-pays de la Campanie, mais il reste peu de sa production et on sait peu de choses sur sa vie. La peinture a quelques petites gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie du milieu du XVIIe siècle. L'homme représenté est vêtu d'une grande cape noire, sévère mais bordée de dentelle blanche aux poignets, assis à un bureau tout en relisant une lettre, avec l'encrier et la plume posés sur la surface devant lui, pour indiquer sa culture et son rôle élevé. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre laqué noir de la fin du XIXe siècle, mais avec plusieurs couleurs manquantes.

Huile sur toile. École italienne de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. Le paysage romantique présente une rivière qui coule entre des rives rocheuses surmontées d'arbres feuillus ; Sur la rive, au premier plan à gauche, deux pêcheurs jettent leurs lignes dans une mare d'eau calme créée par une petite crique. Le tableau porte sur le cadre une étiquette l'attribuant à Domenico Pecchio (1693 -1760). Restauré, il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole française du XVIIe siècle. La scène, se déroulant de nuit dans le jardin d'une villa, dont on aperçoit à droite la façade ornée et dans laquelle se détache la fontaine jaillissante d'angelots, sous un ciel sombre et encore obscurci par de gros nuages, propose deux personnages qui s'entretenir en conversation : un vieillard modestement vêtu admoneste sévèrement un jeune homme assis, richement vêtu, qui semble plutôt faire le geste de mea culpa de la main. La physionomie et les gestes des deux personnages, ainsi que le style des vêtements, feraient référence au philosophe Aristote qui fut appelé à la cour de Macédoine pour être le précepteur du jeune Alexandre, le futur roi alors connu sous le nom d'Alexandre le Grand. : d'après ce que raconte Plutarque dans ses « Vies parallèles », le jeune Alexandre fut un élève brillant, à tel point qu'il fut également initié aux doctrines aristotéliciennes les plus profondes et ésotériques, d'où découle l'aura de mystère et d'intériorité profonde qui rayonne dans le travail présenté ici. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre élégant. Le tableau, restauré

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.