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Huile sur toile. La scène correspond à une station du Chemin de Croix, durant laquelle Jésus tombe sous le poids de la lourde croix qu'il porte sur ses épaules en montant vers le Golgotha. Le Christ, penché au sol, le regard bas et triste, est poursuivi par les gardes qui le poussent avec les bâtons de leurs lances, tandis que l'un d'eux le tire avec la corde qu'il a nouée autour de sa taille ; un roturier regarde Jésus affligé, tandis qu'il soutient le lourd bois. Le tableau présente des traces de restauration antérieure et a été rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Europe centrale de la première moitié du XIXe siècle. Le tableau fait référence à une gravure de Johann Gottfried Haid (1704-1767), graveur allemand connu pour ses copies à la manière noire d'œuvres de grands maîtres. L'œuvre originale est probablement attribuable à Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), connu pour ses portraits de personnages populaires dans le style « bambocciante ». Notre tableau présente plusieurs légères différences par rapport à la gravure de référence. Toujours sur la première toile, il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

L'Adoration des Bergers

Huile sur toile. Composition reprise à plusieurs reprises par les disciples et élèves de l'école de Bassano, notamment par Jacopo Bassano (1515-1592). Dans la scène originale, reproduite ici avec fidélité à la composition des personnages, mais sans les couleurs, Bassano avait abordé le thème en respectant la tradition tout en y apportant des innovations. En effet, les ruines archéologiques, un élément fréquent de l'iconographie italienne de la Nativité, servent de toile de fond à ce tableau. On y voit une rangée de colonnes brisées sur un haut piédestal, sur le modèle des temples grecs, contre lequel s'appuie une cabane. Cette structure architecturale inhabituelle symbolise la victoire sur le paganisme et la construction de l'Église chrétienne, dont la naissance de Jésus est le premier acte fondateur. Les bergers occupent le centre de la scène, et sans le côté gauche du tableau, on pourrait croire à une scène de genre à caractère rural. Le berger, vu de dos, est agenouillé, pieds nus, rappel de son extrême humilité, et tient un agneau, animal sacrificiel par excellence, en référence à la future Passion du Christ. À l'extrême droite, un curieux insert : un garçon accroupi souffle sur une braise ardente, cherchant vainement à raviver une flamme. Dans cette réplique, les couleurs jaune et rouge des robes des deux bergers au centre et du garçon à droite ressortent, dominant avec vivacité même les figures de la Sainte Famille et se détachant sur les teintes ocres du paysage et des structures architecturales à l'arrière-plan. Le tableau a été restauré et rentoilé au XIXe siècle, avec remplacement du cadre (sur lequel figurent des inscriptions contemporaines en anglais, probablement des adresses d'exportation). Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Datée de 1759 au dos. Le tableau est une copie de l'œuvre de Federico Barocci (1563-1612), réalisée entre 1583 et 1586, conservée dans l'église Santa Maria in Vallicella à Rome. L'œuvre connut un grand succès et fut reproduite à maintes reprises par de nombreux artistes du même cercle ou atelier que Barocci ; par exemple, la copie de l'élève Viviani, dit le Sourd d'Urbino (Barocci était également originaire d'Urbino), conservée à la Galerie nationale des Marches d'Urbino. La scène représentée est empreinte d'une grande intimité et d'une grande tendresse : la Vierge Marie est accueillie dans les bras de sa cousine âgée Elisabetta sur l'escalier précédant l'entrée. Leurs mains se serrent et leurs regards se croisent. Juste derrière, Zaccaria, le mari d'Elisabetta, observe, debout sur le seuil, se penchant légèrement pour mieux voir. Au premier plan, deux autres personnages, dues ervitori, se tiennent debout : l'homme à gauche est occupé à ramasser le sac de Marie et à prendre soin de l'âne qui transportait la jeune femme, tandis qu'à droite, une femme, souriante, observe la rencontre des deux cousins, portant une colombe dans un panier. Au dos de la toile figure une inscription autographe en anglais, contemporaine du tableau : « Giovanni B. Tiepolo, 1759, La Visitation ». L'auteur de la réplique a probablement confondu le nom de l'artiste de l'original, l'attribuant à l'artiste vénitien. Le marché anglais s'est montré très intéressé par l'œuvre originale, au point de tenter de l'acquérir au milieu du XVIIIe siècle, ce qui a favorisé la prolifération des répliques. Le tableau, encore sur sa première toile, est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Rivage avec Navires et Figures

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Fils d'artiste, Cesare Gheduzzi s'est imposé comme peintre paysagiste. Bien qu'il ait vécu à Turin, il a longtemps séjourné sur la Riviera ligure, créant de larges vues de la mer, des paysages côtiers et des pêcheurs au travail, qu'il a reproduits avec fidélité et élégance, tout en privilégiant les couleurs froides pour créer une distance émotionnelle et favoriser l'effet scénographique (hérité de son père, scénographe au Teatro Regio de Turin). L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Scène avec des Gardes dans la Ville, 1875

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Le peintre anglais George Goodwin Kilburne s'est spécialisé dans les scènes de genre se déroulant dans la vie de la haute bourgeoisie victorienne, avec des scènes de chasse et des scènes de salon, toutes caractérisées par l'élégance et la minutie des détails, notamment des figures féminines. En 1875, Kilburne séjourna quelques mois à Rome, puis voyagea dans d'autres villes italiennes et européennes. La scène représentée ici, datant en réalité de 1875, semble se dérouler à Rome : à un poste de garde de la ville, comme l'indique clairement l'aperçu urbain que l'on peut apercevoir depuis la porte ouverte, des soldats portant l'uniforme des gardes du Vatican se reposent. L'œuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur toile. La scène du célèbre épisode évangélique de l'Adoration des Mages se déroule dans un cadre inhabituel : la Sainte Famille ne se trouve ni dans une cabane ni dans une étable, mais devant les vestiges d'un imposant édifice en marbre. Perchée au sommet d'une colline, elle aperçoit en arrière-plan un paysage plat, riche en végétation et peuplé de villages aux nombreux clochers. Les figures des rois et de la famille sont représentées avec des lignes délicates, des couleurs vives mais nuancées, et des détails précis. De plus, dans le coin droit de la scène apparaît un personnage émacié, pauvre et indistinct, un mendiant qui, caché dans l'ombre du palais, s'incline pour rendre hommage à l'enfant Jésus, à l'égal des rois riches et puissants dans son humble dévotion. Au dos de la toile, on observe de légères restaurations. Une légère coupure est visible en bas à droite. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Jésus sur le Chemin du Calvaire

Huile sur toile. L'œuvre est une réplique de celle exécutée par Pierre Mignard et offerte à Louis XIV, aujourd'hui conservée au musée du Louvre à Paris. La scène dramatique se déroule aux portes de Jérusalem ; un cortège accompagne Jésus dans sa montée au Calvaire, que l'on aperçoit à l'arrière-plan à droite, avec les croix des deux brigands déjà dressées. La Croix du Christ est portée par Simon de Cyrène, contraint par les gardes après la énième chute de Jésus, qui est brutalement sommé de se relever à coups de fouet. Devant le Christ marchent les deux brigands ligotés, accompagnés de quelques serviteurs ; à gauche, le groupe de femmes pieuses qui accompagnent et soutiennent Marie, le cœur brisé par le chagrin. À droite, contrastent avec ce groupe, un autre groupe de femmes du peuple qui observent la scène dans une attitude de piété compatissante, détournant le regard de leurs enfants du terrible spectacle. Le paysage en arrière-plan est rude et aride, sous un ciel chargé de nuages ​​gris et sombres. L'œuvre a été restaurée et rentoilée au milieu des années 1900, puis montée sur un nouveau cadre. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

La Cène 1962

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Au dos figure une prière manuscrite et signée à Jésus en portugais par l'artiste. Malangatana était un artiste mozambicain (poète, peintre, musicien) et un militant politique pour son pays. L'œuvre appartient à la première période artistique de Malangatana, dont l'engagement politique n'était pas encore évident, et reprend le thème de la Cène, qu'il avait déjà abordé à d'autres occasions au cours de la même période. Dans ce sujet religieux, Malangatana révèle clairement sa proximité avec la culture rituelle et tribale de son pays, mais aussi sa connaissance de la religion et de l'art occidental, tant dans la composition des personnages qui s'inspirent de sujets occidentaux similaires, que dans la composition des objets, notamment les nombreux éléments variés qui garnissent la table, avec une corbeille de fruits au centre, qui rappellent nos natures mortes. Ses figures se présentent comme des corps superposés et entrelacés, et dominés par des visages, dans lesquels se détachent de longs yeux, aux expressions pénétrantes, qui deviendront ensuite des regards tourmentés et souffrants, symbole de la souffrance d'un peuple opprimé.

Scène de Bataille, 1871

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. Le peintre suisse Charles Humbert a principalement créé des paysages animés de troupeaux au pâturage, mais aussi plusieurs scènes de bataille, caractérisées toutefois par un maniérisme réaliste, grâce à l'étude minutieuse du détail véridique inséré dans une vision d'ensemble encore romantique. L';œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Colombes 1976

Crayons sur papier. Signé et daté en bas à gauche. Floriano Bodini, sculpteur, graveur et médailleur de renom, considéré comme l'une des figures emblématiques du réalisme existentiel, s'est également consacré au graphisme tout au long de sa carrière. Sa production présente des sujets récurrents – évêques, cardinaux, requiems, papes, colombes, ambons – qui expriment la pensée, l'inquiétude, parfois l'anxiété, mais aussi la confiance et la foi. La colombe, en particulier, a représenté pour Bodini un élément iconographique constant de sa recherche artistique, un thème présent dans toute sa production, non seulement graphique, depuis la fin des années 1960, jusqu'au dernier exemple daté de 2004, considéré comme sa dernière œuvre gravée. L'intérêt pour cette image est confirmé, entre autres, par sa collection d'objets représentant des colombes ou dont ils rappellent la forme. Fruit d'une recherche riche en stimuli provenant de sources diverses, tant culturelles que populaires, le choix de cette image n'a jamais été banalisé, mais a toujours conservé sa haute dignité symbolique et formelle. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre.