Tableau Ancien Saint Jérôme Pénitent Huile sur Toile '700

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile marouflée sur châssis. École d'Italie du Nord, XVIIe siècle. La scène est tirée du livre biblique des Nombres : fuyant l'Égypte et errant dans le désert, les Israélites se plaignirent à Dieu du manque d'eau et de nourriture. Dieu envoya alors des serpents venimeux pour les exterminer, mais ordonna aussi à Moïse de dresser un serpent de bronze sur une perche, afin que quiconque serait mordu soit guéri. Symboliquement, ce geste, tourner son regard vers le serpent, impliquait un acte de conversion et de foi en Dieu. Dans cette représentation, la perche a plus précisément la forme d'une croix, préfigurant le salut qui viendra à l'humanité par le Christ crucifié et ressuscité, qui la libère du péché symbolisé par le serpent. Moïse est au centre de la scène, désignant la perche sur laquelle se trouve le serpent, flanqué de son frère Aaron ; autour d'eux, les hommes et les femmes d'Israël, certains accablés par les serpents, d'autres déjà agenouillés en suppliants implorant le pardon de Dieu. L'œuvre est présentée dans un cadre composé d'éléments de la fin du XIXe siècle, adaptés.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Huile sur toile. Ce tableau s'inspire du célèbre « Hommage à Vénus » du Titien, largement copié et réinterprété au XVIIe siècle. Dans la version présentée ici, Vénus n'est pas mentionnée, mais il s'agit plutôt d'une célébration du printemps : une foule de Cupidon envahit la campagne luxuriante, tressant des couronnes, remplissant paniers et bassines, caressant des animaux (chèvres, moutons, chiens) et, à l'arrière-plan, pêchant dans la rivière. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien spécialement adapté.

Huile sur toile. Un évêque agenouillé reçoit la communion des mains de Jésus-Christ, descendu du ciel, tandis qu'un ange tient la croix et un chérubin un cierge. La figure de l'évêque, dont l'identité reste inconnue, pourrait représenter l'Église universelle et sa dévotion au Christ à travers sa participation à l'Eucharistie. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

Huile sur toile. École de l'Italie du Nord des XVIIe-XVIIIe siècles. La scène voit au centre la figure du Christ ressuscité qui, assis sur les nuages, tient la Croix d'une main et de l'autre pointe vers le bas, où son regard est également dirigé, vers les destinataires de la Rédemption ; Il est entouré d'anges et est éclairé par un faisceau de lumière intense qui se projette en diagonale depuis le coin supérieur gauche, brisant les nuages, symbolisant la présence de Dieu le Père. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXème siècle.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Tamar et Juda

Huile sur toile. École vénitienne, XVIIe siècle. L'histoire de Tamar, relatée dans le livre de la Genèse, est un récit de tromperie, de justice et de providence divine. Tamar, veuve des deux premiers fils de Juda, se déguise en prostituée pour concevoir de Juda lui-même, celui-ci lui ayant refusé un troisième enfant. Tamar tombe enceinte et, montrant le sceau, le cordon et le bâton que Juda lui avait donnés en gage, révèle la vérité et contraint Juda à avouer sa culpabilité et à reconnaître les jumeaux à naître, qui rejoindront la lignée de David et de Jésus. Cette histoire a inspiré de nombreux artistes : la version du Tintoret est célèbre, reprise plus tard par Bassano, et le tableau présenté ici lui ressemble par la disposition des personnages et la présence du chien à droite. Restauré et rentoilé dans la première moitié du XXe siècle, le tableau présente aujourd'hui une légère perte de couleur. Il est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Dans une grotte, devant un décor de sommets enneigés, un ermite, plongé dans la méditation et la contemplation extatique, contemple le Crucifix, le regard tourné vers le ciel. Le tableau porte des traces de restauration et de rentoilage du début du XXe siècle. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École génoise, début du XVIIIe siècle. L'homme, dont l'épaisse perruque suggère une appartenance à la noblesse ou à la haute bourgeoisie, porte une cuirasse en métal poli, sous laquelle dépasse une cravate de dentelle de son fourreau. La cuirasse est ornée de plusieurs symboles familiaux. Ce portrait reflète la manière et le style en vogue à Gênes à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, d'après les modèles français de Rigaud. La toile présente quelques lacunes. Toujours sur sa toile d'origine, elle était auparavant montée sur un châssis en bois du début du XXe siècle. Elle est présentée dans un cadre du XVIIIe siècle.

Huile sur toile. École émilienne, seconde moitié du XVIIe siècle. Rose de Lima, religieuse péruvienne (et actuellement sainte patronne du Pérou) du Tiers-Ordre dominicain, ayant vécu entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, est représentée selon l'iconographie traditionnelle, vêtue de l'habit dominicain, en prière, accueillant l'apparition mystique de l'Enfant Jésus qui, selon la tradition, la prend pour épouse en lui offrant une couronne de roses ; ici, les roses sont déposées sur la pierre devant la jeune fille. Au dos de l'œuvre figure un cartouche identifiant les précédents propriétaires comme étant la famille Bezzo Guazzone, résidant au château de Salabue à Ponzone Monferrato (Alexandrie). Le cartouche mentionne le dépôt du tableau pour une exposition jusqu'au 4 octobre 1926. La toile a été rentoilée. Elle est présentée dans un cadre contemporain.